Frida

Frida y Diego: la Paloma y el Elefante

Frida y Diego: la Paloma y el Elefante 

Frida Kahlo es un pintor mexicano de renombre mundial conocido por sus impactantes autorretratos llenos de imágenes dolorosas.  Inspirada en la cultura de México, cuestionó los temas de identidad, postcolonigénero, clase y raza en la sociedad mexicana.  Sus cuadros tenían a menudo elementos autobiográficos fuertes y realismo mezclado con fantasía. Frida Kahlo se puede ver en la famosa pintura, Frida y Diego Rivera 1931, junto a su esposo Diego Rivera.  Diego Rivera era conocido por ser uno de los pintores más antiguos y más célebres que daba una voz visual a los trabajadores indígenas mexicanos que querían la igualdad social después de siglos de opresión colonial, así como su partido político, el partido comunista.  Por otro lado, Frida era una joven soñadora, que mágicamente hizo obras de arte de su dolor físico crónico a los errores de su marido y estas pinturas se convirtieron en obras de misteriosa belleza. Juntos, Frida y Diego fueron dos de los personajes más importantes del siglo XX.  Frida Kahlo no lo haría el artista que todos conocemos hoy sin su esposo y compañero artista Diego Rivera.  La película Frida de Julie Taymor representa la inmensa influencia, tanto positiva como negativa, que Diego Rivera tuvo en la vida de Frida Kahlo, especialmente en su arte, su política y sus visiones cambiantes del mundo.

Figura 5: [Insertar Frida and Diego Rivera, 1931]

En la pintura podemos ver a través de la cinta pellizcado en el pico de la paloma que se desplaza en la parte superior derecha de la pintura Frida escribió “aquí nos vemos, yo, Frida Kahlo, con mi querido esposo Diego Rivera”.  En 1929, Frida Kahlo se casó con Diego Rivera. Los padres de Frida desaprobaban su matrimonio con Diego, pero Frida no le importaba a Frida, amaba a Diego y se casaría con él sin importar lo que la gente pensara de ella.  Antes ya incluso se casaron, Diego tuvo una influencia en la forma en que ella veía el mundo, afectando directamente su arte.  Frida y Diego tenían mucho en común como su amor con el arte. En una entrevista con un periodista, Frida dijo: “Diego me mostró el sentido revolucionario de la vida y el verdadero sentido del color”. Frida Y en otra entrevista con una periodista Frida dijo: “Diego es el único que me enseñó a pintar sin nunca poner ideas en mi cabeza o decirme lo que debo o no debo hacer”.  Estas citas ilustran cómo Diego abrió los ojos de Frida para mirar el mundo de una manera diferente.  Como vimos en la película, Diego juzgó y criticó el arte de Frida en las etapas iniciales de su carrera.  Estas citas muestran que Diego apoyó el arte de Frida y su carrera, sin forzarla a ajustarse a un artista similar a sí mismo.  A pesar de que Diego apoyaba a Frida y su excéntrico arte, eso no le paraba de traer dolor a la vida de Frida.

En esta escena podemos ver que a pesar de que Diego era un ávido partidario de la obra de Frida, no era un marido fiel y solidario.  Frida tenía una tolerancia para los asuntos extramaritales de Diego, porque sabía que no podía cambiar su camino, pero cuando perseguía a su hermana, ese era el punto de ruptura de Frida.  Diego había cruzado una línea que no podía volver a.  Frida admitió que “He sufrido dos accidentes serios en mi vida. Uno en el que un tranvía corrió sobre mí… El otro accidente es Diego “. (Frida).  Diego amaba a Frida, pero comprendió el dolor que le trajo a Frida cuando tenía estos asuntos extramaritales, pero eso no le dejó de infligir dolor continuamente a Frida.  Diego dijo una vez “Si alguna vez amaba a una mujer, cuanto más la amaba, más quería hacerle daño. Frida era sólo la víctima más obvia de este rasgo repugnante “.  Frida sufrir con dolor inmenso de la única manera que ella entendía.  Tuvo que pintar el dolor que Diego le causó.  Así es como dos de las pinturas más famosas de Frida llegó a ser, unos pocos pequeños NIPS y los dos Frida.

En 1935 Frida pintó unos cuantos pequeños NIPS (apasionadamente enamorados) después de que ella descubrió a su marido Diego teniendo una aventura con su hermana menor Christina. Frida sufría de tan mucha ira y dolor y sufrimiento, que decidió traducir este dolor y la ira en el sufrimiento de otra mujer. Como vimos en el clip de arriba, esta obra de arte se inspiró en un artículo periodístico que Frida vio acerca de una mujer que fue asesinada por su marido.  Como mencionó Salma Hayek como Frida, el marido se defendió al juez diciendo “Pero eran sólo unos cuantos pequeños NIPS!“Esta situación mortal es una referencia simbólica al sufrimiento de Frida y a sus cicatrices emocionales que ha causado Diego.  Más tarde se descubrió que en el boceto de lápiz para esta pintura, Frida decidió dibujar una paloma llevando una cinta con un mensaje “mi querida ya no me ama”, sin embargo en la versión final de la pintura la cinta es llevada por dos palomas y dice: “Algunos pequeños NIPS”.

En 1939 Diego Rivera y Frida Kahlo se divorciaron.  Los dos Frida es un autorretrato doble que simboliza su dolor infligido por el divorcio. La Frida a la derecha está vestida con ropa europea moderna que solía usar antes de casarse con Rivera. A lo largo de sus vidas, Diego influyó en Frida para explorar una mexicano ropa que está usando en el lado derecho de la pintura. La Frida a la derecha sostiene una w cerradaITH una foto de Rivera. El corazón sangrante y el cielo tormentoso en el fondo son símbolos de Frida, tanto físicos como emocionales.  Las dos manos que conectan los dos Frida son una representación de la conexión entre Frida antes de su unión antes de Diego y el Frida después.  En esta obra de arte también podemos ver una vena llena de sangre que conecta los dos Frida.  Esta vena representa que Frida sólo puede apoyarse a sí misma, que no importa lo que ella tiene la fuerza para pasar de esta tragedia de un matrimonio.  La Frida a la derecha tiene un pequeño retrato de Diego y el Frida a la derecha tiene un par de tijeras.  Estas Tijeras representan el intento de cómo la vena entre los dos Frida casi se cortó, pero no lo hizo.  El pequeño retrato de Diego muestra que a pesar de que era una parte importante de su vida, era el momento de seguir adelante y superar el dolor que causó Su.  Sin su matrimonio y la infidelidad de Diego, Frida nunca habría recibido la inspiración para crear una obra de arte como esta llena de traición y dolor.

En “el abrazo del amor del universo” Frida tiene lágrimas que adornan sus mejillas, y su pecho y cuello están divididos por la roca roja.  También está la madre tierra, representada como Frida, el pecho está agrietado y una gota de leche parece estar saliendo de ella. Diego Rivera es representado como un bebé que está sosteniendo una planta.  También hay un tercer ojo en su frente.  Diego está representado como un bebé grande con una mirada triste en sus ojos. en cierto modo-pero aún así, en su núcleo, triste y dolor-infligir.

En su diario Frida menciona que asumió un papel maternal en relación con su esposo Diego Rivera después de que se reunieron después de su divorcio. Según Frida, a Diego le encantaba ser mimado, y Frida también decidió que cuando se trataba de los asuntos de Diego sólo podía reír. Ella escribió en su diario: “en cada momento es mi hijo, mi hijo nace cada momento, diario, de mí mismo.”  En cuanto a las mujeres, Frida dijo: “las mujeres-entre ellas yo-siempre querrían sostenerlo en sus brazos como un bebé recién nacido”. Eso es exactamente lo que hace en “el abrazo del amor del universo”.  Esta obra de arte es un autorretrato que celebra las etapas finales de la Riveras matrimonió. En esta obra de arte, Frida es la madre tierra que nutre al bebé que nunca podría tener.

A pesar de que hubo muchas complicaciones y enojo y tristeza en el matrimonio de Diego y Frida, Frida escribió en su diario, que “Diego nunca ha sido y nunca será el marido de nadie”. A pesar de que Frida se ve calmada en la pintura, todavía tiene lágrimas en los ojos y en las mejillas, y un agujero rojo brillante que se abre el cuello y el pecho.

Diego Rivera y Frida Kahlo se completaron perfectamente. Mientras sus pinturas miraban hacia el exterior, representando el mundo a su alrededor y criticando a la sociedad, la obra de Frida miró hacia adentro, a su corazón y alma, sobre todo debido al hecho de que ella ha sufrido un gran dolor toda su vida.

En las escenas finales de la película, menos de un año antes de su muerte a la edad de 47, Frida Kahlo tuvo su primera exposición de pinturas en México. En ese momento su salud era tan mala que nadie esperaba que ella asistiera. Pero Frida había estado esperando este momento toda su vida, así que cuando las puertas de la galería de arte contemporáneo en la ciudad de México se abrieron al público, llegó. Aunque Frida fue llevada en su cama con dosel, se vestía con su vestido nativo mexicano, que parecía la mujer legendaria que era.  Podemos ver en esta parte de la película que Frida había aceptado su destino para estar vinculado a esta cama por el resto de su vida, pero no dejó que la derribe. Su cama estaba decorada con fotografías de su marido, Diego Rivera, y sus héroes políticos. Esqueletos de papel maché colgaban del dosel, y el espejo que vimos con frecuencia a lo largo de la película estaba atado a la parte inferior de la capucha y reflejaba su rostro alegre aunque doloroso. Uno por uno, 200 amigos y admiradores saludaron a Frida Kahlo, luego formaron un círculo alrededor de la cama y cantaron baladas mexicanas con ella hasta que la película terminó con su muerte.  Esta escena final muestra la dedicación de la carrera de esta extraordinaria mujer. Muestra, muchas de las características que hicieron de Frida Kahlo la persona irrompible y pintor que conocíamos. En esta escena podemos ver su coraje e inquebrantable gozo durante su sufrimiento físico.  También vemos que al final después de todos los altibajos del matrimonio entre Frida y Diego, ella aceptó el hecho de que ella no sería quien fuera sin él.  Ella nunca habría llegado a esa posición sin la inspiración que Diego dio, tanto negativa como positiva.

Frida Kahlo falleció el 13 de julio de 1954. Después de la muerte de Frida Kahlo Diego Rivera dijo “el 13 de julio de 1954, fue el día más trágico de mi vida. Había perdido a mi amada Frida para siempre. Demasiado tarde ahora me di cuenta de que la parte más maravillosa de mi vida había sido mi amor por Frida “. Después de tantos años la famosa relación de amor y odio entre Diego Rivera y Frida Kahlo finalmente terminó.  El 24 de noviembre de 1957, Diego Rivera falleció. Una de las parejas más famosas si el siglo XX había terminado.  Diego Rivera y Frida Kahlo son el ejemplo perfecto de dos personas, pero sobre todo dos artistas que no pudieron existir sin el otro, que nunca habrían alcanzado su máximo potencial sin el otro. Frida no sería Frida sin Diego. Diego no sería Diego sin Frida.

 

Gotthardt, Alexxa. “Frida Kahlo’s Love Letters to Diego Rivera Reveal Their Volatile Relationship.” 11 Artworks, Bio & Shows on Artsy, Artsy, 13 Feb. 2017, www.artsy.net/article/artsy-editorial-frida-kahlos-love-letters-diego-rivera-reveal-volatile-relationship.

Grovier, Kelly. “Culture – Frida Kahlo and Diego Rivera: Portrait of a Complex Marriage.” BBC News, BBC, 4 Dec. 2017, www.bbc.com/culture/story/20171204-frida-kahlo-and-diego-rivera-portrait-of-a-complex-marriage.

Deffebach, Nancy. Maria Izquierdo and Frida Kahlo – Challenging Visions in Modern Mexican Art. University Of Texas Press, 2016.

“Remember Diego Rivera and Frida Kahlo.” Widewalls, 2016, www.widewalls.ch/diego-rivera-frida-kahlo/.

Taymor, Julie, director. Frida. 2002.

Mehta, Archana. “Frida Kahlo.” 2003, www.people.vcu.edu

Herrera, Hayden. Frida: A Biography of Frida Kahlo. Harper & Row, Publishers, 1983.

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El matrimonio de Frida Kahlo: rompiendo las barreras del género

Margot Kahn

Profesor Sosa: Framing the Marginal I/Eye

19/12/18

El matrimonio de Frida Kahlo: rompiendo las barreras del género

Frida Kahlo hoy en día es una mujer y artista muy famosa que, a pesar de ser conocido como la esposa de Diego Rivera, se representa el feminismo. Sin embargo, la película Frida de Julie Taymor representa a Frida en una luz diferente. Es verdad que Frida era una artista con mucho talento y hoy en día sus obras están en museos en una cantidad de países, no obstante, en la película Frida hay más énfasis en su matrimonio con Diego, que su gran aptitud. A veces parecía que Frida, en su matrimonio con Diego, era un modelo típico del rol de una mujer durante esta época. No obstante, ella usa su arte y fama para refutar las normas de las mujeres y enseñar el poder que ellas deben obtener. Ella un deseo para vestirse y pintarse sí misma en cualquier estilo que quería y una incorporación de temas estigmitas en sus obras y por eso ella se destaca como un individuo único. Frida era una esposa buenísima, pero también tenía mucho talento artístico y una personalidad fuerte. Ella tenía mucho amor por Diego y apoyó en sus esfuerzos, pero al mismo tiempo ella no necesitaba a Diego, solo quería. En una carta a Nickolas Murray, Frida dice, “…I don’t accept a damned cent from Diego, the reasons you must understand. I will never accept money from any man till I die…” (Ankori 125) Esta cita muestra cómo ella vivía una vida llena de amor con Diego, pero todavía tenía sus límites, su propio poder y su individualismo como mujer. La película de Julie Taymor muestra su lado como esposa y sus obras muestra su lado de poder individual que está directamente relacionada con su papel en el feminismo. Esta película muestra la idea que una feminista también puede tener amor y cariño de un hombre. Ella no necesita decidir en los dos papeles, pero en vez de eso ella prospera de complaciendo los dos roles en su vida. Muchas de sus obras reflejan esta idea. Frida siempre pintó lo que sentía y lo que estaba pasando en su vida. “I paint my own reality. The only thing I know is that I paint because I need to and I paint whatever passes through my head without any consideration.” (Mehta) Esta cita muestra que Frida usaba sus obras para representar sus sentimientos. Por eso, ella pintaba obras durante cada etapa de su matrimonio con Diego como una calmante cuando había problemas en su relación, o como algo para exhibir los hitos en su vida y matrimonio. Ella pintaba la obra Frida y Diego Rivera cuando se casaron, Los dos Frida’s cuando se divorciaron, y Autorretrato con pelo corto un año después de su divorcio. Estos tres cuadros ilustran lo que Frida estaba sintiendo en estos momentos, pero también muestra su fuerza y su propia personalidad. En la película Frida podemos ver que pasó en la vida de Frida antes y después de estas obras para dar más contexto e ilustrarlos mejor. Al ver como la película se presenta Frida como la esposa perfecta y típica a Diego, a través de sus obras, Frida y Diego Rivera, Autorretrato con pelo corto y Los dos Fridas representan su independencia, individualismo y su papel como feminista.

En 1929 Frida se casó con Diego Rivera, una muralista mexicana. Los padres de Frida desaprobado a su matrimonio con Diego, pero Frida estaba locamente enamorado a su nuevo esposo. Los dos tenían mucho en común como su amor con el arte. En una entrevista con una periodista, Frida dijo, “Diego showed me the revolutionary sense of life and the true sense of color.” (Herrera 95) Esta cita puede ser interpretado en dos maneras. Literalmente él le dio un sentido de colores porque el actuó como su tutor de arte. No obstante, también esta cita puede representar como Diego transformó la vida de Frida como una vida dolorosa, lleno de tragedia y sin color a una vida con amor, felicidad y colores brillantes. Aunque Diego era un mujeriego, Frida estuvo junta a él y le apoyó. Algunas piensan que Kahlo era una “esposa empresaria.” Eso es decir que ella hizo todo que podía para ayudar y apoyar la carrera de Diego, mientras tanto ella no trató a mejorar su propio futuro como una artista. (Ortoll y Ramírez Arellano) Esa idea que ella asumió  el papel de una esposa para su trabajo es algo típico para las mujeres durante la época. Es verdad que ella apoyaba a Diego y a veces tomaba el rol estereotipo de la mujer, pero también ella usaba su arte para refutar estas normas y mostrar su verdadero ser.

Frida y Diego Rivera

Frida y Diego

Un ejemplo de eso es su obra, Frida y Diego Rivera. Esta obra encima es una que Frida pintó en 1931 para representar su matrimonio con Diego. Es cierto que la estatura de la obra muestra Frida como una esposa o mujer estereotípica. En la obra ella es más baja y pequeña que Diego. Eso puede estar aludiendo a la idea que él tenía más poder en la relación que ella. Sin embargo, cuando una foto después de su boda estaba publicada en el periódico había un anuncio con la foto que dice “looking tiny beside her huge husband, Frida stares at the photographer with her characteristic intensity.” (Herrera 100)  Por esta cita, el tamaño de los dos en esta obra puede ser interpretado del hecho que en realidad él era un hombre muy grande y alto y ella pequeña en relación. También, aunque los dos son artistas, en la obra ella no tiene pinceles, pero Diego si lo tiene en su mano. No obstante, esta no muestra la idea que él está haciendo el trabajo para la familia y obteniendo el dinero como esposo típico. En contrasto, eso refleja como Frida se siente sobre sus propias pinturas.  Un artículo que muestra las cartas que Frida escribió a Abby Rockefeller cuando estaba en los Estados Unidos dice que, “Las cartas de Kahlo señalan gran desconfianza personal hacia su propia obra, la cual describía como “horrible” y “absolutamente espantosa”. (Ortoll y Ramírez Arellano) Frida pensaba que sus obras no eran algo especial, pero era el mayor aficionado de las obras de Diego, entonces eso puede ser la razón que no puso pinceles en su propia mano. Muchos pensaban que Frida era una esposa empresaria porque ella ponía la carrera de Diego antes que su propia carrera. Sin embargo, ella hizo eso porque tenía un gran amor y respeto por el trabajo de su esposo y quería ver florecer su carrera porque era su mayor fanático. En sus cartas a Abby Rockefeller Frida alabó a las obras de Diego y ella describió sus murales como “”verdaderamente maravillosos, creo que lo mejor que [Diego] ha realizado [hasta la fecha]”(Ortoll y Ramírez Arellano ) Ella ya está reconocido por su talento artística porque ella es la persona que está pintando esta obra, entonces quería mostrar a todos que su esposo también pinta y que tiene talento exquisito que todos deben saber. En los otros manos de la pareja puede mirar que sus manos se agarran la una a la otra. Como obra de matrimonio eso es un símbolo de su amor. Sin embargo, si mira más cerca a los manos puede ver que ella está agarrando la mano de Diego en una manera débil, pero él está haciendo lo opuesto. Frida quería dar a Diego su propia independencia porque ella sabe que Diego va a tener relaciones con otras mujeres. No obstante, su agarro débil puede representar eso o la idea que ella no necesariamente necesita a su esposo siempre y no va a controlar su vida. Ella tenía amor por su esposo y se casó con él por esa razón, pero también era un poquito vacilante para cometer su vida a él completamente y por eso no agarra su mano enteramente.

Una parte de Frida y Diego Rivera que parece diferente que las obras típicas de una boda es su vestido. Usualmente la mujer se viste en un vestido blanco y la mujer en un traje. Sin embargo, en esta obra Frida lleva un vestido típico mexicana do colores brillantes. Cómo puede ver en la escena encima, en la película de Julie Taymor es evidente que ella está mirando por el espejo en un vestido blanca y cambia los vestidos con la mujer que estaba ayudándola a vestirse. Frida siempre hizo lo que quiere especialmente con su ropa y apariencia. Ella no le importó lo que las esposas típicas hacen o llevan para sus bodas, pero hizo lo que muestra su propia personalidad e identidad. No obstante, cuando ella se entra el cuarto Diego está sonriendo con una cara llena de amor. Esta escena en la película da más explanación para algunas partes de la obra. Si alguien mira a la obra sin la escena en la película quizás alguien le preguntó por qué ella está vistiendo un vestido verde para su boda. No obstante, la película ayuda a representar lo que pasó antes que el momento en la obra y da más contexto a esta pintura. Frida estaba celebrando su matrimonio en la obra, pero todavía tenía su única personalidad, individualismo y no le importaba lo que otros pensaban.

Los dos Frida’s

Dos Fridas

Otra obra de Frida que es un ejemplo distinguida que muestra como Frida, una esposa buena, apoya la revolución de las mujeres e ilustra su propio individualismo y poder es la obra, Los dos Frida’s. Este retrato fue pintado en 1939 el mismo año de su divorcio con Diego. Los dos Frida’s es una obra llena de dolor, sangre y desolación absoluta. Hay dos representaciones de ella en esta obra. La Frida a la izquierda que está llevando el vestido típico para una boda. Ella está rompido con sangre en su vestido y un corazón muerte. La Frida a la derecha es una figura típica de Frida en su vestido normal, con un corazón funcionando y sin sangre. Los manos de los dos son adjuntos como una conexión para dar emociones de una a la otra y las venas también son conectados para mantener Frida viva. Aunque ella está en tanto dolor después del divorcio ella se siente que puede morir, ella sabe que tiene una personalidad fuerte que puede salvar a su corazón roto. La Frida a la derecha representa Frida como una mujer fuerte que está protegiendo el corazón que está goteando la sangre. Aunque su relación con Diego ha falla su propio individualismo puede salvar su alma y su corazón. En el mano de la Frida a la derecha ella tiene una foto pequeño de Diego. La vena está abastecimiento sangre a esta foto para mantener la memoria de él en su corazón y su mente. Sin embargo, ella también tiene el derecho para estar triste y todavía amar a Diego. Él era una parte grande de su vida y por eso ella no va a olvidarle, pero todavía ella sabe si puede sobrevivir este trauma si ya está viva después de muchas otras tragedias en su vida. Ella es una mujer fuerte y única y eso está representado en la Frida a la derecha, la Frida que no puede sobrevivir sin su mente y tristeza, pero también no tiene daño y puede sobrevivir todo.

La obra Los dos Frida’s varia en la película de Julia Taymor. En la escena de la película (que puede mirar encima) que representa esta obra hay un cambio en el énfasis en el divorcio de Diego, pero más en la relación y muerte de Trotsky. Julie Taymor juega con la línea de tiempo y muestra la muerte de Trotsky antes que esta obra, aunque en realidad ella pintó a esta obra en 1939 y él fue asesinado en 1940. No obstante, ella es una directora y tiene los derechos como su propia artista a hacer cambios pequeños a la vida de Frida. Eso no es un documental, pero una historia de una mujer real y por eso ella obviamente pensaba que era importante a cambiar estos eventos. En la escena que representa Dos Frida’s, Frida está bebiendo tequila en un bar y una mujer fantasma viene y empieza a cantar. Ella le cantó la canción mexicana “La llorona.” Esta canción tiene es sobre tristeza, el futuro, y una mujer llanto. Una línea que ella canta a Frida le preguntó ¿Qué más quiere? (Taymor) Con eso Frida empieza a rememorar y llorar. Ella acepta su pérdida y empieza a pensar en todo. Después de eso ella pintó Los dos Frida’s, una obra que muestra sus sentimientos de llanto y muerte. La película ilustra que sus lágrimas se caen en el cuadro y se convirtieron a la sangre que es evidente en la obra. Muestra que la sangre también es la sangre de Trotsky. Sin embargo, algo importante es en la animación de la obra cuando la Frida de la derecha entra el cuarto, la Frida a la izquierda levanta la cabeza y mira a la otra Frida con una expresión de esperanza. Esta animación en la película puede mostrar la idea que Frida sabe que, aunque todo estaba malo en el momento ella va a sobrevivir como mujer independiente y fuerte.

Autorretrato con pelo corto

Autorretrato con pelo corto

La tercera obra (destacado encima) que representa la relación que Frida tenía con Diego, pero también su papel en el feminismo es Autorretrato con pelo corto. Esta obra fue pintada en 1940 un año después de su divorcio con Diego. Este tiempo en su vida era una con mucha tristeza y eso es evidente en la obra debido a sus ojos hinchados y caídos y sus hombres caídos. Autorretrato con pelo corto no es una obra con elementos típicos. Frida siempre usaba detalles y figuras únicas en sus pinturas, pero en esta pintura ella hizo todo el opuesto de lo que Diego le gustó y que hizo en sus propias obras. “and whereas many of Rivera’s paintings of children have stereoypical cuteness – round cheeks and even rounder eyes, calculated to appeal to the tourist trade – Frida’s are always particularized and authentic.” (Herrera 96) Este estilo de pintura que Frida hizo es evidente en Autorretrato con pelo corto. El pelo cae al suelo y cuelga a la silla. Ella pinta sí misma como la mujer estereotípica como Diego habría hecho. En lugar de eso ella refuta sus enseñanzas del arte y muestra una versión diferente y particularizada de la mujer. Un detalle en esta obra que es única es que Frida está vestido en la ropa típica de un hombre. Ese puede representar el traje que Diego siempre se lleva porque en muchas de sus otras obras Diego está vestido en un traje muy similar. Está conocido que Diego le encanta a los vestidos típicas y vistosas que Frida siempre se lleva, pero en esta obra ella no está vestido en esta ropa. Esta obra representa un tiempo muy difícil para Frida. Es verdad que Diego era una parte grande de la vida de ella, pero también la su ropa en esta obra está mostrando que ella no necesita a él y que ella es mucho más que sus vestidos y apariencia típica y bonita. Otra parte fundamental de esta obra es su pelo corto. Encima en la obra hay una inscripción que dice “mira que si te quise fue por tu pelo, ahora que estás pelona, ya no te quiero.” Esta muestra que mujeres no deben ser amados por sus características físicas. Ella ilustra en su obra que, aunque ellos se separaban ella todavía puede ser la misma Frida al dentro que Diego le amó sino su pelo bonito. Ella también se cortó su pelo para borrar su pasado y mostrar que puede ser masculino y femenino y no necesita un hombre en su vida para sobrevivir y mostrarle amor, pero puede ser ambos papeles y amarse a sí misma.

En la película esta obra está mostrado en una luz diferente. Hay mucho énfasis en la expresión de Frida y su posición en la obra. Algo que la película puede enfatizar, que es más difícil a hacer en un cuadro, es el movimiento y cambio de expresión. En la película Julie Taymor decidía a hacer casi una animación del cuadro que puede ver en el “clip” abajo. Este autorretrato solo tiene Frida, pero hay la memoria de Diego. En la película podemos ver que ella está mirando en el espejo. Cuando ella miró en el espejo en la película su cara en lugar de tristeza muestra aceptación y paz. Hace un año ellos han divorció y ella tenía tiempo para pensar y aceptarlo. Una vez más la película de Julie Taymor da más contexto para la obra y muestra que ella tenía un momento antes que pinta la obra cuando ella entendió su independencia y sabía que puede vivir sin Diego. Sin embargo, al mismo tiempo ella también tiene el derecho para estar triste porque perdió su mejor amigo y esposo. En la parte final de esta escena hay la animación de su expresión del cuerpo y eso demuestra lo que es visible en la obra, Autorretrato con pelo corto, los sentimientos de la tristeza y desilusión. Después del divorcio con su gran amor de su vida eso es algo normal para sentirse, ella solo es una humana. Otra parte esencial en esta obra que la película explicó es cómo la silla está enfrentando un lado al espejo y su cara a otra a los que están mirando a la obra. Quizás eso es porque ella quiere compartir con todos su cara de dolor y su nueva apariencia porque no puede compartirlo con Diego más. O quizás eso es porque ella quiere ver a todos y mostrar a las mujeres que puede sentir, hacer y aparecer en cualquier manera que quiere y los hombres no deben decidir eso.

En fin, Frida era una mujer independiente sin un esposo para sus últimos años de su vida. Sin embargo, ella nunca necesitaba un esposo solo quería una porque tenía un gran amor por Diego. A través de sus obras, Frida y Diego Rivera, Los dos Frida’s y Autorretrato con pelo corto ella representa su papel de una mujer independiente. Sin embargo, la película de Julie Taymor ilustra la parte de la vida de Frida como una esposa empresaria. La película tiene algunas cambias que varía de la historia real de Frida. Por eso, no podemos solamente mirar a la película para entender la vida de Frida, pero también necesitamos mirar a sus obras y leer sus diarias y cartas también. Como muestra en la película, Frida era una esposa típica y buena, pero los temas y detalles de sus obras representa su personalidad feminista e individua. No obstante, la pregunta fundamental es ¿Cuándo se convirtió Frida en este papel como feminista, quería ser una feminista o eso es algo que la sociedad hoy en día la definió como? Frida siempre tenía temas de feminismo y que apoderar las mujeres en sus retratos, pero también muchas personas han cambiado la manera que mira a estos cuadros y su historia ha cambiado sobre los años con nuevas maneras de compartiéndolo, como la película Frida. Sin embargo, eso no se importa. Lo que es importante es que hoy en día Frida puede ser recordado como una mujer importante, fuerte e independiente que actúa hoy en día como un símbolo del movimiento del feminismo. Aunque ella tenía un matrimonio típico, no hay reglas en las maneras de cómo ser un feminista. Frida pinta sus obras para todos y pueden ser interpretados en maneras diferentes para dar poder, inspiración y conocimientos a todos hoy en día. Frida enmarcó el ojo/yo marginal. Ella pinta su historia personal y sus sentimientos personales en sus obras para representar sí misma que puede ser interpretado en maneras diferentes con  los ojos diversos de la sociedad. Ella da a todos la esperanza porque aunque ella tenía muchísima dolor en su vida, ella sobrevive debido a su amor por Diego y su expresión de fuerza y poder en su arte. Si ella podía hacer eso, también puede hacerlo cualquier otra mujer.

 

Obras Citadas:

Ankori, Gannit. Frida Kahlo, Reaktion Books, Limited, 2013. ProQuest Ebook Central, https://ebookcentral.proquest.com

Garber, Elizabeth. “Art Critics on Frida Kahlo: A Comparison of Feminist and Non-Feminist Voices.” vol.45, núm. 2, 1992, pp. 42-48, www.jstor.org.

Grovier, Kelly. “Frida Kahlo and Diego Rivera: Portrait of a Complex Marriage.” 2011 www.bbc.com.

Herrera, Hayden. Frida: A Biography of Frida Kahlo. Harper & Row, Publishers, 1983.

Kahlo, Frida. Los dos Fridas, 1939, Museo de Arte Moderno, Cuidad de Mexico.

Kahlo, Frida. Autorretrato con pelo corto, 1940, MOMA, La Ciudad de Nueva York.

Kahlo, Frida. Frida y Diego Rivera, 1931, SFMOMA, San Francisco, California.

Mehta, Archana. “Frida Kahlo.” 2003, www.people.vcu.edu

Ortoll, Servando, y Ramírez de Arellano, Annette B. “Frida Kahlo retrato de la artista como esposa empresaria.” Desacatos, núm. 11, 2003, pp. 120-130, www.scielo.org.

Taymor, Julie, director. Frida. 2002.

 

 

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El Cuerpo Versus La Mente: El Uso de las Ilustraciones Médicas en el Arte de Frida Kahlo

El accidente

Un día en 1925 en la ciudad de México cuando Frida Kahlo tenía dieciocho años, ella estaba pasando el día como normal, pero, lo que pasó cambió su vida para siempre. Ella tomó un autobús y fue en un accidente un poco después (Herrera 47).

Ella fue herida gravemente. Una varilla de hierro perforó su cuerpo, la espina y las costillas rompieron entre más complicaciones, y ella necesitó ir al hospital para la primera operación de muchas (Herrera 49). Este evento es el principio de la lucha larga contra las enfermedades y las complicaciones médicas en la vida de Frida Kahlo. Cuando estaba en el hospital, ella escribió las cartas a su novio para pasar tiempo. Además, se inspiró las pinturas y las dibujas porque ella pintó cuando estaba recuperando a lo largo de la vida.

Introducción: Los sueños alterados

Antes del accidente, Kahlo tenía los sueños para el futuro que cambiaron. Una escena en la película muestra una conversación entre Kahlo y su padre cuando ella estaba recuperando en la cama. La interacción es interesante porque los dos hablaron sobre los sueños de Kahlo y ella dijo que su padre no le pide sobre el futuro más desde el accidente.

La escena insinúa que ella habló mucho en el pasado con el padre sobre sus planes y sobre el futuro. No obstante, ella reconoció que el padre no le pide ya. Es obvio que sus sueños habían cambiados porque no eran posibles debido del accidente y las varias enfermedades que tiene ella. Los padres de Frida estaban preocupados que ella no podría caminar o no podría tener un futuro bueno. Ellos sugirieron que Frida debería pintar para pasar tiempo. Esto llevó a su carrera como arista. Frida Kahlo aprendió a separar la mente y el cuerpo físico y separó el cuerpo de la identidad debido del accidente y los sueños alterados. El accidente se forzó a ella aguantar con las heridas y las enfermedades. Empezó a separar el cuerpo y la mente.

El arte de Frida Kahlo muestra una relación entre su arte y el interés en la medicina y la ciencia. Kahlo crea las imágenes médicas para describir cada evento personal y el dolor que está asociado con un evento que vemos en el arte y en la película Frida. Después de un evento importante, una escena mostró a Frida pintando ella misma durante el evento o se mostró los sentimientos en repuesta al evento difícil. Pero, lo que es más interesante es el hecho que Kahlo usó las experiencias traumáticas para pintar con una punta de vista científica que vemos en sus obras y en la película Frida. Este punto es evidencia para mostrar que las referencias de cosas médicas son reflexiones de la vida personal de Kahlo porque ella quería ser médica cuando era joven. Sin embargo, no podía satisfacer el sueño y en vez, pasó mucho tiempo recuperando. Por eso, ella estableció una división entre su cuerpo y su identidad personal. La función de las imágenes medicas en las obras de Kahlo y en la película es para separar ella misma y su mente de sus enfermedades y del dolor físico. Ella quería separar lo emocional de lo físico.

Es fácil decir que ella representa ella misma y las emociones en el arte, pero hay más a ese argumento porque su conocimiento de ciencia y cosas médicas influye sus pinturas también. En la película Frida, la directora Julie Taymor mostró los eventos importantes en la vida de Kahlo como el accidente, un aborto espontáneo y muchas representaciones con las enfermedades. Kahlo incluyó ilustraciones médicas en sus obras como las partes de su cuerpo, las venas, y los órganos. Ella expresó un interés en la ciencia y en la medicina cuando era joven; Part of Kahlo’s preoccupation with the details of her infirmities springs from her youthful interest in physiology and biology…the thought of combining her interest in art and science by becoming a scientific illustrator came to her…internal organs and processes were often seen outside her body, while she used x-ray visión to picture her broken bones and spine (Kahlo, Fuentes, & Lowe, 29). Es claro que Kahlo tenía una pasión para la medicina y la ciencia y esta pasión se convirtió a las representaciones en sus obras. Cuando se convirtió enferma, empezó a pintar en la cama. Pintaba ella misma y las imágenes detalladas de su cuerpo en muchas obras diferentes. El entendimiento complejo de su cuerpo empezó a influir sus pinturas y dibujas. Hay representaciones de su cuerpo en el arte que estaban usados para entender cómo funciona su cuerpo enferma y para separar ella misma de sus enfermedades.

La división entre exterior y interior

La Columna Rota 

Hay una división entre las dos Fridas en la pintura llamada La Columna Rota y en la representación de la creación de la pintura en la película. Primero, la pintura muestra el cuerpo roto porque hay una columna hecho de metal dentro de su cuerpo. La columna es una representación de la espina rota y el cuerpo estaba herida debido de muchas enfermedades. Las fracturas en la columna representan cómo ella estaba rota dentro de y fuera de su cuerpo. Sin embargo, podemos ver cómo Frida pintó las cosas que están dentro del cuerpo normalmente. Ella expuso su cuerpo interior. Fuera de su cuerpo y en su mente, estaba herida también. Ella estaba llorando, pero todavía tenía una expresión serena y tranquila que demuestra que no quería parecerse débil y podía aislar del sufrimiento.

La escena de la película Frida muestra la serie de los eventos que influyeron a Frida a pintar esta obra en particular. El principio de la escena muestra la conversación entre Frida y el médico. Él dijo que va a amputar el pie porque es enfermo. La reacción de Kahlo es desdeñosa porque siempre hay un problema con la salud y es difícil para enfocar en una enfermedad tras otra. Luego, ella imaginó ella misma corriendo afuera y usando el pie sano. Ella pintó su misma atrapada en el yeso porque se sentía limitada por las enfermedades. Por eso, la escena muestra la separación entre el deseo para ser libre y hacer cosas que quiere hacer; pero también, vemos que no es posible debido de las enfermedades y las heridas.

La representación de la creación de La Columna Rota en la película es interesante porque Taymor quería mostrar que Kahlo se sintió mal y atrapada en su cuerpo. Las enfermedades se encargaron de ella misma. Parece que ella estaba corriendo con su pie, imaginando que tenía la habilidad para correr libremente cuando en realidad, no tenía la opción. La obra actual refleja esta representación de Kahlo en la película. Ella llevó un yeso para sanar la espalda en realidad. La obra fue una reflexión de la experiencia mala con el yeso. La columna rota en la pintura representa su cuerpo roto y también su sentimiento de desesperación para ser libre.

En otra obra de Kahlo, ella expuso las partes interiores de ella misma. Ella pintó las imágenes médicas en detalle para mostrar esta conexión entre lo interior y lo exterior. La pintura llamada Tree of Hope, Keep Firm refleja que Kahlo visitó el hospital muchas veces durante su vida y pintaba cosas que representaron su experiencia allí. En la pintura, ella pintó dos Fridas; una representa Frida con buena salud y la otra representa Frida que estaba enferma por la duración de la vida. La Frida por la izquierda es una representación de su cuerpo en la cama con las incisiones meticulosas de una operación reciente. Solo vemos la espalda y la parte posterior de su cuerpo, que muestra su cuerpo separado de la mente y las expresiones. La otra Frida tiene una expresión seria y serena y está cogiendo equipo médico. La asta de bandera que está cogiendo es un instrumento médico con una parte roja que representa la sangre, o otra conexión a la medicina. La representación de las dos Fridas en la pintura demuestra que hay una división entre su mente y el cuerpo físico, o de lo interior y la identidad. Además, las divisiones en la tierra representan las partes rotas de su espalda y funciona para aislarse de su cuerpo enferma. La página está divida en dos partes; un lado es luminoso con el sol y el otro lado tiene es oscuro con la luna. Esta representación es para mostrarnos que Frida Kahlo hizo una separación entre las partes de ella misma en muchas veces complejas y oscuras.

Figura 8: [Insertar Tree of Hope, 1946]

Tree of Hope, Keep Firm

Otra pintura que demuestra la idea sobre las dos Fridas es el cuadro llamada Las Dos Fridas. Kahlo muestra una ilustración de ella misma agarrando la mano de la otra Frida. Los corazones están fuera de los cuerpos. La representación del corazón es detallado y meticuloso. Ella pintó el corazón, un objeto que existe dentro del cuerpo, fuera de su cuerpo. También, está cogiendo las tijeras quirúrgicas en la mano, algo que refiere otra vez a la medicina (Herrera 257). Las tijeras nos muestran el hecho que el corazón de Kahlo fue cortado y fue sacado de su cuerpo y refiere a este en una manera metafórica y literalmente desde que tenía muchísimas cirugías. Ella jugó con la yuxtaposición entre el cuerpo exterior y interior en este cuadro también. Hay una separación entre el cuerpo físico y la mente o el cuerpo interior y el cuerpo exterior.

Las Dos Fridas

Las expresiones de las dos Fridas se parecen serias y tranquilas. No hay una representación de dolor en sus expresiones y este es una reflexión del hecho que los problemas no afectaron cómo se presentó ella misma. Sin embargo, los corazones que están fueras de los cuerpos explican el dolor silencioso que ella se sintió. Como insinuado por el título, este cuadro representa dos identidades de Frida; Frida pintó ella misma de dos perspectivas, “the observer and the observed, the self as it is felt from within and the self as it appears from without. Thus Frida not only depicted herself twice…she approached the body and face schismatically” (Herrera 279). Es obvio que Kahlo representó dos tipos de ella misma en las obras. Cuando usó los elementos médicos, como el corazón en este ejemplo, vemos que ella separó lo que está pasando dentro de su cuerpo enfermo de las emociones.

https://www.youtube.com/watch?v=dZZe0qt80Xw

La representación de la creación de este cuadro en la película involucra a la relación compleja y difícil entre Kahlo y su marido Diego Rivera. A pesar de esto, ella pintó el cuadro porque estaba triste y en dolor físico y emocional. En la escena, vemos que ella rompió el vaso con los dedos y puso la sangre en la falda en la pintura. Además, la escena ocurre mientras la cantante se llama Chavela Vargas canta la canción llamada “La Llorona” a Kahlo. La letra describe el dolor asociado con el amor y con el sufrimiento debido de las enfermedades. Hay una referencia a las dos partes a una persona, también;

“Todos me dicen el negro, llorona

Negro pero cariñoso

Todos me dicen el negro, llorona

Negro pero cariñoso

Yo soy como el chile verde, llorona

Picante pero sabroso”

Se refiere a una persona que es “negro pero cariñoso” para explicar que Kahlo se sintió oscura dentro de ella misma, pero también estaba cariñosa y tiene otro lado de su misma. Vargas usó las palabras opuestas para describir las personalidades diferentes y las diferencias entre los dos tipos de Frida.

El aborto espontáneo

Frida Kahlo fue al hospital para una emergencia cuando tuvo un aborto espontáneo. Las complicaciones médicas de todas las cirugías afectaron la habilidad para Frida estar embarazada.

Después del evento horrible y traumático, Frida les pidió a los médicos si pudiera guardar el feto muerto porque quería pintarlo; “The second day in the hospital, she begged a doctor to let her have medical books with illustrations on the subject, but the doctor refused…” (Herrera 142). Finalmente, ella usó libros de textos de la obstetricia y la medicina para pintar los objetos que vemos en la pintura (Herrera 142). La escena muestra que Frida Kahlo le guardó el feto muerto para pintar una representación precisa del feto en el cuadro llamado Henry Ford Hospital. La pintura contiene muchos elementos que refieren a imágenes médicas. Por ejemplo, el cuadro incluye una ilustración médica del feto, la pelvis, la orquídea, la sangre, y las venas.

Henry Ford Hospital

Sabemos que la representación del feto era precisa porque Kahlo usó el objeto real en vez de un fotógrafo de un feto para pintarlo. También, hay una representación de la pelvis, lo que solamente es una imagen médica meticulosa que nos muestra que Kahlo tenía una experiencia con mirando a las cosas médicas o del cuerpo o usó ilustraciones médicas de los libros para ayudarla (Herrera 144). La orquídea representa el útero (cite) y relate a esta pintura porque ella pintó muchas cosas que relate al cuerpo femenino. Kahlo muestra las venas conectadas a los otros objetos. Lo que es interesante es que estas cosas normalmente están dentro del cuerpo, pero ella los muestra fuera del cuerpo para exponer el cuerpo interior y para describir el dolor que ella se sintió dentro de su cuerpo físico y en su mente.

La comparación entre la escena que representa cómo Kahlo hizo esta pintura versus lo que vemos en la pintura muestra el dolor considerable que Kahlo se sintió cuando estaba en el hospital. Vemos el proceso para crearla; estaba en la cama y tenía el feto real como ejemplo o modelo para pintarlo. La película no muestra la manera en que Kahlo pintó específicamente y no vemos cómo pinta cada cosa, pero podemos asumir que usó mucho detalle porque cuando vemos la pintura real, hay detalle inmenso de cada objeta médica.

Conclusión

En conclusión, Frida Kahlo tenía los sueños para ser médica y hacer cosas buenas con la vida. Cuando fue en un accidente, la vida cambió drásticamente. Ella tenía muchas enfermedades diferentes y empezó a pintar para pasar tiempo. Kahlo pintó ella misma para reflejar en los eventos que ocurrieron en la vida. Ella usó el interés en las ilustraciones médicas en las obras para separar la mente del cuerpo físico. Esto nos indica que quería aislar las emociones de la identidad de lo cuerpo físico. Kahlo pintó las obras que separaron las dos Fridas y tenían elementos del cuerpo fuera del cuerpo. Los sueños de Kahlo fueron desafiados debido de las enfermedades. Sin embargo, ella tenía una carrera muy exitosa de pintora y siempre será conocida por la representación de las enfermedades y la relación al sufrimiento y ella misma. Lo que es interesante es que la representación del uso de las imágenes médicas en la película no es un enfoque de la película. Dado esto, ¿por qué no hay muchos ejemplos del papel de la medicina o la ciencia en la película si vemos mucho sobre la división entre las dos Fridas en muchas maneras? ¿Su comprensión del cuerpo de punta de vista científica detrae de la forma en que la gente ve cómo Kahlo representa el dolor y el sufrimiento en las obras?

 

Obras Citadas

“Frida Kahlo and Her Paintings.” Frida Kahlo: 100 Famous Paintings, Complete Works, & Biography, www.fridakahlo.org/.

Herrera, Hayden. Frida, a Biography of Frida Kahlo. New York: Perennial, 2002.

Lomas, David y Howell, Rosemary. “Medical Imagery in the Art of Frida Kahlo.” BMJ: British Medical Journal, vol. 299, no. 6715, EBSCOhost, search.ebscohost.com/login.aspx?direct=true&db=a9h&AN=4850368&site=eds-live&scope=site.

Kahlo, Frida, Fuentes, Carlos, and Lowe, Sarah M. The Diary of Frida Kahlo: An Intimate Self-Portrait. Harry N. Abrams, 2005.

Kahlo, Frida. La Columna Rota, 1944, Museo Dolores Olmedo, Cuidad de México.

Kahlo, Frida. Henry Ford Hospital, 1932, Museo Dolores Olmedo, Cuidad de México.

Kahlo, Frida. Los Dos Fridas, 1939, Museo de Arte Moderno, Cuidad de México.

Taymor, J. (Director). (2002). Frida [Motion picture]. United States: Miramax.

Vargas, Chavela. “La llorona” Frida (Original Motion Picture Soundtrack), Deutsche Grammophon GmbH, Berlin, 2002, Spotify.

 

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Las alas rotas de Frida Kahlo

Cuando uno piensa en los autorretratos de Frida Kahlo, no es raro que se concentre de inmediato en su rostro: sus ojos fijos y su barbilla levantada marcan el tono, introduciendo su resistencia obstinada. Sin embargo, enfocarse en su rostro sin reconocer la resistencia similar de su cuerpo sería un error. Deshabilitada durante la mayor parte de su vida, Kahlo utilizaba el arte para explorar el dolor infinito que estaba soportando. La relación entre la mente de Kahlo y su cuerpo es el tema de gran parte de su trabajo. Sin embargo, expresaba más vulnerabilidad en sus entradas de diario privado que en sus autorretratos públicos. Observamos un patrón similar con la película de Julie Taymor de 2002 sobre la vida de este artista fuerte. Si bien la película, diseñada para el público, no ignora su discapacidad, no examina los matices de esta relación. Por lo tanto, a través de la vacilación de Taymor para sumergirse en la realidad de la discapacidad y las diferencias entre cómo Kahlo describía la discapacidad en público y en privado, observamos un deseo compartido entre Kahlo y sus admiradores de reconocer sus luchas con la discapacidad solo cuando también reconocen su fortaleza y entereza. En este blog, exploraré las diferencias entre las representaciones públicas y privadas del cuerpo de Kahlos para investigar esta disparidad.  Nuestra narrativa cultural sobre la discapacidad sugiere que las limitaciones físicas son un suplicio de soportar, y Kahlo era audaz en sus esfuerzos para describir la discapacidad como un elemento de su fortaleza. Taymor, sin embargo, se enfoca demasiado en representar la discapacidad de Kahlo como una fuente de fortaleza, por lo que no explora cómo fue también una limitación.

Quizás, la interpretación más realista de la discapacidad se puede encontrar en las entradas del diario de Kahlo. Las entradas del diario de Kahlo se hicieron para ella, no para Miramax ni la escena artística de Nueva York. Estas reflexiones artísticas se crearon para una audiencia de uno, por lo tanto, son una buena ventana a su propia actitud sobre la discapacidad. En estos dibujos, Kahlo supera las limitaciones terrenales de su cuerpo. Vemos cómo ella veía la esencia de su cuerpo: con alas, capaces de elevarse independientemente de sus piernas. Con alas, ella puede escapar el dolor y las restricciones físicas. Sin embargo, estos cambios reflejan su descontento. Una persona no necesita escapar dolor si no ya está sufriendo. En cada dibuja, se manifiesta su discapacidad; ya sea a través de ‘alas rotas’, pies desconectados o una pierna quirúrgica. Alas rotas sugieren la dificultad de escapar del plano mortal del dolor. Por lo tanto, vemos la desconexión que la discapacidad ha creado entre el yo verdadero o ideal de Kahlo.

Diario
(“Frida Kahlo”)

En este dibujo, Kahlo se representa a sí misma como una entidad sin cabeza, definida solo por aparatos médicos y alas. La inclusión fantástica de la paloma y las alas, claramente dibujados con precisión y cuidado, se yuxtaponen contra una imagen que de otro modo podría ser un diagrama médico. Así, quizás para Frida, estos elementos fantásticos eran tan reales como sus dolencias físicas. La omisión de su cabeza representa cómo se sentía mentalmente desconectada de los males funcionamientos físicos de su cuerpo. También podría indicar que a veces ella sentía que su discapacidad era más un papel definitorio en su vida que su personalidad, pensamientos y habilidades. No obstante, el uso de Kahlo del motivo de las alas en un cuerpo sin cabeza sugiere que sus esfuerzos por escapar de sus luchas no eran impulsados ​​por su cerebro. Tal vez, la inclusión de alas en un cuerpo sin cabeza representa la forma inherente en que la discapacidad la forzó a encontrar nuevas vías de fuerza. Así, en este dibujo, vemos las formas en que el sufrimiento provocaba el crecimiento.

Diario
(“Frida Kahlo”)

Aunque este dibujo no parece esperanzador, transmite la persistencia y la resistencia que Kahlo utilizaba para luchar el dolor de discapacidad. De nuevo, vemos el motivo de los alas y una representación de sí misma como un ser etéreo con alas. Sin embargo, ella se refiere a sus alas como rotas. Todo su cuerpo está cubierto de fuego colorido, alfileres sin fin y dolor evidente. Este cuerpo destruido que tiene una cabeza, represente las formas en que su discapacidad la ata al suelo. Mentalmente, ella es incapaz de liberarse del dolor que la lastima. Aunque ella tiene alas, no son suficientes para alejarlo de las llamas, representado su discapacidad que han consumido sus pies. Aunque las llamas roen las extremidades de Kahlo, el ojo del espectador no se siente atraído sólo por el fuego colorido, también por su rostro que mira hacia el frente. Dado que se trata de una entrada de diario, el público objetivo era ella misma. Si volvía  a leer esta página en su diario, se vería obligada a mirarse a la cara mientras su cuerpo y sus alas se marchitaban. Por lo tanto, este autorretrato privado refleja un esfuerzo para aceptar el impacto ineludible de su cuerpo discapacitado en su identidad y vida.

Por supuesto, esta conclusión no sugiere que Kahlo solo experimentara dolor como resultado de su discapacidad, pero que en sus momentos más privados, dudaba de su capacidad para volar. Si bien la película muestra a Kahlo lamentándose de su discapacidad mientras triunfa simultáneamente, Taymor gasta menos esfuerzo en mostrar momentos de desesperanza o sufrimiento. Esta imagen, por lo tanto, nos recuerda las limitaciones de la película al mostrar que a veces la discapacidad no se vinculaba con el éxito, sino que se vinculaba con el dolor.

diario
(“Frida Kahlo”)

En otra entrada del diario, Kahlo se pregunta, “pies para que los quiero si tengo alas pa’ volar.’ Este sentimiento se expresa bajo un retrato poco halagüeño de sus pies, que descansan uno encima del otro, desconectados del resto de su cuerpo. Esta amputación literal sugiere que Kahlo ha eliminado sus pies discapacitados de su sentido mental de sí misma. Ella sugiere que no necesite pies porque ella ya tiene la capacidad de volar. Como ella declara, tiene alas, independientemente de sus limitaciones físicas. Ella está insinuando que aunque el cuerpo de uno puede desviarse de la norma, todavía es capaz de la grandeza. Si entendemos su uso del motivo de vuelo como una representación de su libertad y felicidad, vemos que ella es feliz a pesar de sus pies que ella usa para representado su discapacidad. Sin embargo, la imagen de pies golpeados y dañados recuerda al espectador que la realidad de la discapacidad no es necesariamente bella.

vendita
(“Frida Kahlo”)

En su pintura de 1946 “La venadita”, Kahlo representa su rostro humano, adornado con las astas de un ciervo, encima del cuerpo de una venadita. Los pies de la venadita no tocan el suelo mientras flota sobre una rama caída, abriéndose camino a través del bosque. La venadita ha sido perforado por nueve flechas, y la sangre gotea por su costado. Pintada poco después de una operación médica fallida (Souter 144), esta es la respuesta de Frida, su autorretrato, de cuántos años de operaciones, incomodidad y descontento la han afectado. Curiosamente, al pintarse a sí misma una corona de astas, reclama el papel masculino. Con el título que indica que ella es una vendita, esto crea un momento de reflexión para el espectador. Esta flexión de género refleja elecciones estilísticas similares en otros autorretratos, como ‘Autorretrato con cabello recortado’ 1940. Algunos espectadores argumentan que esta discrepancia es una alusión a sus problemas de fertilidad (Cooey 103), como si esa pérdida hubiera impactado su identidad femenina. No obstante, el ciervo también podría representar la resistencia. A pesar de una lesión clara, continúa avanzando a través del bosque muerto, aparentemente el único estar vivo a la vista. Del mismo modo, Kahlo sigue adelante, a pesar de las limitaciones físicas. Si tomamos la interpretación de la fertilidad como una verdad, también podríamos argumentar que aunque ella se ha visto afectada por la pérdida de su hijo por nacer, y ahora ve este aspecto de su vida como una dificultad que la hizo más fuerte.

La columna rota
(“Frida Kahlo”)

 

En su pintura de 1944, Kahlo expresa un sentimiento similar: su discapacidad la deja frágil, adolorida, pero aún en pie. Como el autorretrato de los ciervos, Kahlo estamos solos en la naturaleza. En esta pintura, sin embargo, el terreno es irregular, quizás representando los baches en el camino que debe recorrer. Sin embargo, el punto focal es la columna dentro de su cuerpo y los muchos soportes necesarios para mantener su cuerpo compuesto. Incluso más descaradamente que en el retrato de 1942, ella le está mandando al espectador que reconozca sus imperfecciones físicas. Su desnudez parcial podría aludir a un examen médico o una autopsia (Souter 144) Sus lágrimas son sutiles pero están presentes: el espectador no puede fingir que no ve su lucha. Los estudiosos argumentan que esta descripción representa que Kahlo no puede recordar de una vida sin dolor (Siqueira-Batista et al.141) Teniendo en cuenta esta interpretación y el claro énfasis en el dolor físico y la resistencia en los autorretratos de Kahlo, es sensato concluir que Kahlo describió su discapacidad y su resistencia, como un componente definitorio de su identidad.

Por lo tanto, cuando comparamos la forma en que Kahlo explica visualmente su propia relación con su cuerpo en su diario privado frente a sus autorretratos públicos, vemos similitudes y diferencias. En ambas formas, ella es reflexiva y compleja. Las imágenes en su diario, sin embargo, la representan procesando su discapacidad antes de compartirla con el mundo. Cuando ella representa su cuerpo como un ciervo, está flotando por encima del suelo. El espectador no puede cuestionar si Kahlo, a pesar de sus heridas, puede volar: ella le ha demostrado que puede hacerlo. En sus propias reflexiones privadas, sin embargo, vemos una discusión más y más sobre la medida en que sus limitaciones físicas impactan sus alas. Por lo tanto, si bien describe de manera externa las formas en que su discapacidad la lastima y la empodera, no expone sus cálculos personales sobre si puede volar o no. Frida sabía que cada pincelada de sus autorretratos sería analizada por críticos de arte y admiradores internacionales. Ella no les permitía cuestionar si puede volar, aunque preguntabase internamente si puede. Por lo tanto, vemos que si bien Frida quería describir sus discapacidades de manera precisa y completa, no estaba interesada en ser completamente vulnerable con la forma en que las limitaciones físicas la afectaban mental y emocionalmente. Sí, los espectadores pueden verla llorar, pero no la verán cuestionarse.

En su obra de arte, vemos cómo Frida describía su discapacidad. Sin embargo, en la representación de la película sobre la vida de Frida, vemos cómo los admiradores creen que ella vivía con su discapacidad. Por lo tanto, al analizar la película, debemos recordar que no estamos viendo cómo se vio a sí misma Kahlo, sino cómo Miramax pensó que a los fanáticos les gustaría ver a Kahlo. No es sorprendente que la película intente restar importancia a su sufrimiento para el público, que solo tiene dos horas en lugar de cinco décadas para comprender la relación entre Kahlo y su cuerpo. Dos escenas en la película, su ascenso piramidal y su apariencia en la galería, nos pueden dar una perspicacia.

En esta escena, Kahlo, una persona discapacitada, y Trotsky, una persona mayor, escalan una pirámide Teotihuacán mientras el resto de sus compañeros sanos descansan en la parte inferior. Antes de su ascenso, Kahlo, sonriendo y riendo, se deleita en el desafío. Solo cuando ella alcanza la cima, cuando ha logrado su hazaña, ella admite a Trotsky la dificultad de la tarea y el impacto de su discapacidad. Su arte, incluso cuando representa su sufrimiento, demuestra su habilidad y su exito como pintora. Sin embargo, en sus acciones del mundo real (O, al menos, la versión cinematográfica del mundo real), ella tenía menos control sobre cómo otros percibirían su discapacidad. Por lo tanto, ella eligió cada acción a propósito. En lugar de exponer las limitaciones de su cuerpo, hace una demostración de no solo escalar más alto sino también de ver por encima de sus compañeros capaces.
Por supuesto, este es un momento de ficción, un momento diseñado cuidadosamente por Salma Hayek y Julie Taymor para que actúe como otro pincelado descriptivo en su retrato de Frida. Vemos la vacilación de los cineastas para mostrar la vulnerabilidad de Kahlo por el público. Por lo tanto, no podemos estar seguros de si es Kahlo la que intenta demostrar su fuerza o Taymor intenta devolvérsela póstumamente.

La película enfatiza esto nuevamente al final de la película. Desafiando las expectativas de Diego y sus fans, Frida, confinada en su cama, hace una aparición dramática y espectacular en su show. A medida que avanza el reloj, Taymor y Hayak utilizan los últimos momentos de la película para mostrar, una vez más, a Frida aprovechando y prosperando con (no a pesar de) su discapacidad. Ella acepta los confines de discapacidad y los hace parte de su llegada, complementando su identidad en lugar de reemplazarla. Este es el punto con el que la película decide cerrar. Así, la película termina con triunfo para Frida y su cuerpo. En general, esta es una representación positiva de cómo la discapacidad puede afectar la vida de alguien, no necesariamente la finaliza o limita.

Por supuesto, debemos preguntarnos por qué hacen esta elección. ¿Es porque los espectadores se sienten incómodos al aceptar que una mujer ambiciosa y trabajadora puede verse inhibida por la discapacidad? ¿Es porque quieren probar que la vida con discapacidad no es una tragedia? Quizás el propósito de estas escenas es representar con precisión los matices en los que la discapacidad de Kahlo la afectó. Tal vez ellos también han mirado las entradas del diario de Kahlo y han llegado a la conclusión de que ella no querría ser representada como una desdichada triste y sufriente. Como Zarzycka identifica en su análisis de las representaciones contemporáneas de Kahlo, sus admiradores, tanto en el arte como en la escena cinematográfica, luchan por mostrar su dolor. Debido a que estamos tan apegados a la narrativa de Kahlo como una feminista artística y fuerte, vacilamos cuando intentamos comprender y explicar sus momentos de debilidad (Zarzycka 2006). Sin embargo, no podemos olvidar que el propósito de una película es vender boletos tanto como mostrar un mensaje importante.

Sin embargo, como Salma Hayek reveló en su artículo de #MeToo, la audiencia de la película no ve la magnitud de la discapacidad de Kahlo que ella intentó representar. Harvey Weinstein, el productor detrás de las películas de MiraMax y un presunto depredador sexual, prohibió a  Hayek retratar la cojera de Kahlo. Hayek atribuye esta elección a que Weinsteins deseo para atractivo sexual. Por lo tanto, vemos que la función inherente de una película, crear contenido para una audiencia generalizada y al mismo tiempo ganar dinero para los inversores, limita la capacidad de Taymor para retratar de manera realista la relación de Frida con su cuerpo. En pocas palabras, no es sexy ni divertido retratar los impactos dolores de la discapacidad de Kahlo. Cómo Kahlo reflejó en su autobiografía de 1953, “My painting contains in it the message of pain” (Souter 154). Las únicas alas que la película muestra son las hermosas mariposas que Kahlo pinta en su elenco después de que Alex, su novio, rompe con ella. Estas alas, son agridulces y hermosas. La película no le interesa representar las alas rotas o las alas en el fuego. Al minimizar la representación de su dolor,la película, a pesar de representar con precisión algunas limitaciones físicas causadas por su discapacidad, no lo representó por completo. 

Sin embargo, como sugiere Gannit Ankori en su libro, Kahlo y sus admiradores, en su mitología de su vida, reconocen su nacimiento artístico como su accidente, el comienzo de su discapacidad (Ankori 14). Debido a que hemos construido esta narrativa sobre ella, sería imposible ver su arte o una representación de su arte, como la película, sin reflexionar y apreciar el papel de la discapacidad en su vida. debido a que la película y sus autorretratos tienen un público objetivo, muestran una relación honesta pero idealizada entre Kahlo y su cuerpo. Debido a que las entradas de su diario se crearon principalmente para ella, revelan más sobre sus problemas con la discapacidad. Ninguna de estas representaciones es falsa, pero las diferencias revelan cómo Kahlo y sus admiradores traducen la realidad de la discapacidad en arte. Avanzando, los admiradores de Kahlo deben considerar cómo representan las alas, la discapacidad y la resiliencia de Kahlo. ¿Cuál es el equilibrio entre retratar el dolor de la discapacidad de uno sin robarle su agencia?

 

 

Bibliografía

Ankori, Gannit. Frida Kahlo. Reaktion Books, 2013.

Cooey, Paula. Religious imagination and the body. Oxford University Press, 1994.

Frida. Dirigida por Julie Taymor, Ventanarosa y Lions Gate Films, 25 de octubre de 2002.

“Frida Kahlo.” Google Arts & Culture, Alphabet Inc., https://artsandculture.google.com/entity/m015k04

Hayek, Salma. “Harvey Weinstein is my monster too.” New York Times,  2017.

Siqueira-Batista, Rodrigo, et al. “Art and pain in Frida Kahlo.” Revista Dor 15.2 (2014): 139-144.

Souter, Gerry. Frida Kahlo. Parkstone International, 2011.

 

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Lo personal es publico: el arte y la expresión de la vulnerabilidad, el caso complejo de Frida Kahlo

Introducción:

A pesar de ser conocida como una feroz y brillante artista feminista, el arte de Frida Kahlo nos demuestra que ella no era inmune a la vulnerabilidad. Cuando comparamos las pinturas y las escrituras de Frida podemos ver que existía una diferencia en como expresaba su vulnerabilidad en el espacio privado (las cartas) y como se expresaba en un espacio publico (las pinturas). Existía una cierta contradicción entre estas dos fuentes. La película Frida dirigida por Julie Taymor juega con estas contradicciones creando algunas nuevas en como se presenta la vulnerabilidad de Frida en la película comparado con como ella decidía expresarla en su vida real. Al analizar los cuadros Las dos Fridas, Autorretrato con pelo corto, sus cartas hacia Diego y Alex, y su uso en la representación cinematográfica, podemos ver la fluidez que existe entre la expresión de la vulnerabilidad. Notamos estas contradicciones cuando vemos como se presenta el rompimiento de Frida y Alex en la película y como sucedió en vida real a través de las cartas. También vemos las contradicciones que existían en el proceso de aceptar su separación con Diego. Vemos la expresión de una vulnerabilidad profunda en Autorretrato con pelo corto, y después vemos una resolución mas fuerte en Las dos Fridas. Pero cuando vemos sus cartas hacia Diego, nos damos cuanta de que tal vez no estaba tan resuelta con el rompimiento y que existía una contradicción entre las cartas y la pintura. Dado estas contradicciones, arguyo que Frida usaba las pinturas, su expresión de vulnerabilidad publica, como arma contra su vulnerabilidad privada (las cartas). Veremos que en su relación con Diego la vulnerabilidad privada de las cartas termina ganando.

El arte se entiende como una extensión de la persona quien la produce. ¿Que piensa el artista cuando crea su arte? Y nos hace pensar en el mensaje que creemos que quieren compartir con la audiencia. Como ya dicho, Frida usaba su arte para expresar su vulnerabilidad. La arte en pintura, como toda arte, estaba y aun esta abierta para la interpretación de la audiencia. La belleza de usar la pintura para expresar vulnerabilidad es que lo puedes hacer públicamente y a la misma vez mantienes una cierta privacidad como artista porque tu lo puedes interpretar de una manera diferente. Lo opuesto ocurre con las cartas. En mi opinión, las cartas también son una forma de arte porque en vez de combinar colores y objetos como en una pintura, combinas palabras y expresiones para expresar los sentimientos. Hayden Herrera nos dice sobre las cartas de Frida: “writing with that mixture of literal detail, fantasy, and intensity of feeling that was to characterize the imagery of her paintings” (50). En sus cartas podemos ver que Frida reconocía lo complicado que eran sus sentimientos. Y cuando las comparamos con sus pinturas se convierten aun mas complicadas.

La película Frida nos demuestra la evolución de la expresión de la vulnerabilidad de Frida empezando con el rompimiento entre ella y su novio Alex.

Alex:

Su rompimiento con Alex fue uno de los momentos mas vulnerables en la vida de Frida. No solo porque por primera vez vive el dolor de un corazón roto, pero ocurre a la misma vez que cambia su vida por completo, resultado de su accidente. No solo tiene que acostumbrarse a vivir como invalida pero también sin el apoyo de Alex. En la película, podemos ver el uso del arte como una fuente de valor para Frida. En esta escena, la pintura no se usa como expresión de la vulnerabilidad, sino para esconderla:

Cuando Alex le dice que se va con sus tíos a Europa y que piensa quedarse, Frida empieza a dibujar mariposas en su yeso. Podemos ver el pánico en su cara, y Alex tal vez lo puede ver también. Frida le dice “I want you to leave before I finish this butterfly” (Sigal 47) (quiero que te vayas antes de que termine esta mariposa) . No es hasta que Alex sale de la habitación que Frida empieza a llorar. En esta escena podemos ver el uso del arte como una arma contra la vulnerabilidad.

Cuando comparamos la presentación de esta escena en la película, con las cartas de Frida hacia Alex durante este tiempo en su vida, podemos ver una realidad y expresión de vulnerabilidad muy diferente. En su libro titulado Frida: A Biography of Frida Kahlo, Hayden Herrera dedica un capitulo a la vida de Frida justo después del accidente. En el capitulo incluye muchas de las cartas que Frida le escribía a Alex. En ellas podemos ver una vulnerabilidad que no existía en la escena de la película:

Excerpt taken from Hayden Herrera (page:51)

 

Excerpt taken from Hayden Herrera (Page:54)

 

Excerpt taken from Hayden Herrera (Page:56)

Su vulnerabilidad física, creó en Frida una vulnerabilidad emocional que para ese entonces, no estaba acostumbrada a tener. Es decir, antes de su accidente Frida tenia una cierta libertad emocional que cambio después del accidente. Herrera nos dice que Frida le era infiel a Alejando con otra persona. Después del accidente, se convierte atada a Alex y obsesionada con no perderlo (Herrera 56). Por medio de sus cartas podemos ver que Frida no le temía a exponer esta vulnerabilidad. Le decía a Alex explícitamente cuanto lo extrañaba, que el le importaba mas a ella que todos los demás, y que siempre anhelaba por verlo.

¿Por qué, entonces, no se consideró esta vulnerabilidad en la película? Cuando vemos la película notamos un gran enfoque en la relación entre Frida y Diego. Veremos que la película mantuvo fielmente la vulnerabilidad de Frida con Diego en pintura y en sus cartas pero no lo hizo con Alex. Podemos considerar ese enfoque como la razón por la cual Taymor no decidió presentar la vulnerabilidad de Frida con Alex. Otra razón que puede explicar esto es que la película quería mostrar la evolución de Frida como pintora. A lo largo de su evolución como pintura empezó a usar las pintura como vinculo para expresar sus vulnerabilidades. El fin de su relación con Alex muestra el comienzo de esta evolución, y por esto Frida se presenta en la película usando el arte para esconder la vulnerabilidad. Después que evoluciona a pintora, la usa para expresar la vulnerabilidad.

La película nos presenta el clímax de esta evolución después de la separación de Frida y Diego con las siguientes dos Pinturas:

Autorretrato con pelo corto:

Vemos una gran diferencia en como se presenta el rompimiento de Frida con Alex con como se presenta su separación con Diego. En Autorretrato con pelo corto Frida se expone por completo en la pintura. Vemos una vulnerabilidad emocional y física. Herrera nos dice que existe un rumor que a Diego no le gustaba que Frida se cortara el pelo y que por eso lo hizo después de la separación (285). Sea o no sea verdad ese rumor, vemos una transformación completa en la apariencia de Frida. La traición de Diego destruye a Frida por completo, tanto que decide no ser Frida y cambiar si identidad femenina a masculina. Aquí vemos la epítome de la vulnerabilidad porque revela el efecto que la traición de Diego a tenido en ella. Sabemos que no lo había dejado de querer, y al ‘transformarse’ en otra persona, toma el riesgo de perder a Diego por siempre. “By destroying attributes of female sexuality, Frida has committed a vengeful act that serves to heighten her loneliness” (Herrera 285). Herrera nos dice que por medio de este acto Frida aumentaba su soledad, y por lo visto en sus cartas a Alex, la soledad no era algo que le gustaba. ¿Por qué, entonces lo hace? Esto nos trae al argumento que propuse al principio de este ensayo. Lo hace porque es su arma contra su vulnerabilidad interna. El acto de cortar su pelo, de vestirse de hombre, y de pintarlo, hace que su postura después de la separación se convierta permanente. Cuando vemos sus cartas vemos una lucha con si misma y sus sentimientos hacia Diego. Sabe que no debería amarle pero es inevitable. En sus cartas vemos una vulnerabilidad que ella puede esconder es sus pinturas.

En esta primera carta podemos ver el conflicto que existe entre lo emocional y lo psicológico en Frida. “Aunque no lo mereces, tengo que reconocer que te amo”. Esta carta no tiene fecha, y parece ser escrita años antes de su divorcio con Diego, pero resuena la misma vulnerabilidad que sus cartas después de la separación. Es evidente que Diego produjo en ella una vulnerabilidad permanente. “Aun regresa que siempre te estaré esperando”. Como se comparan estas palabras con la resuelta Frida que vemos en Autorretrato con pelo corto? La Frida en la pintura quería desasociarse de Diego completamente y cambia su apariencia para hacerlo. La Frida que escribe estas cartas esta dispuesta a perdonarlo todo.

Pienso que Frida se permitía esta vulnerabilidad en el espacio privado porque usaba el espacio publico (las Pinturas) para hacerse responsable de sus emociones. Si al mundo le presentaba un exterior fuerte, tal vez la ayudaba a no ser tan submissiva en lo personal.

Si en Autoretrato con pelo corto vemos la expresión cruda del dolor y la vulnerabilidad, en Las dos Fridas empezamos a ver a una Frida que esta aun dolorida pero tiene que aceptar la realidad.

Las dos Fridas:

Como podemos ver en la película y por medio de sus escrituras y su arte, su separación con Diego fue un tiempo muy difícil en la vida de Frida. No solo fue un tiempo vulnerable, se sentía traicionada, y sola porque no solo perdió a su esposo sino que también perdió su relación con su hermana. Alrededor del tiempo que pinta a Las dos Fridas también pierde a otra persona importante en su vida: a Trotsky, su amigo y amante. Esto solo añadió a la soledad de Frida.

En esta pintura vemos que Frida se presenta como dos personas diferentes. Una tiene las tijeras que han cortado la conexión que tiene con la otra. La segunda Frida, tiene en sus manos un retrato de Diego. Al ver la pintura podemos ver que Frida luchaba contra si misma para lograr separase de Diego. Al pintarse como dos seres diferentes nos demuestra una vulnerabilidad física. Y al tener que cortar lo que la conectaba con la parte de ella que no podía soltar a Diego, nos demuestra una vulnerabilidad emocional y psicológica.

Al comparar las dos pinturas vemos similaridades en cuanto a la expresión de la vulnerabilidad. Vemos que en las dos pinturas hay tijeras. En la primera, usa las tijeras para cambiar la apariencia de la Frida que amaba a Diego. En la segunda las usa para cortar su conexión con la Frida que tiene el retrato de Diego en sus manos. “The symbolic cutting away of vulnerability and attachment does not, of course, arrest the malignancy of sorrow” (Herrera 286). Esta cita de Herrera es importante porque nota lo simbólico que es la vulnerabilidad en las pinturas de Frida. Esa vulnerabilidad y la fuerza que surge de ella, solo representan el dolor que Frida quiere superar. Sus cartas, por otro lado, demuestran que no puede superarlo.

Aun después de ser traicionada por Diego de la peor forma posible, Frida sostiene las esperanzas de que el llegara a ser el Diego que ella siempre quiso. Le dice, “lo único que te pido es que no me engañes en nada, ya no hay razón”. Después sigue pidiéndole que le escriba cuantas veces pueda. Aquí vemos una contradicción entre sus pinturas y sus cartas. En la pintura, ha cortado toda conexión con Diego. En sus cartas, podemos ver que todavía quiere que el forme parte de su vida. Y por ultimo, aunque lo detestaba por haber tenido una relación con su hermana, lo seguía amando y quería solo lo mejor para el. Firma la carta con “Siempre te adorará tu Frida” muestra de que la vulnerabilidad que exhibe en las pinturas para tratar de luchar contra su vulnerabilidad personal no es suficiente para ella poder dejar de amar a Diego.

Cuando vemos la película, vemos que la directora decide mostrar estas pinturas en vida. Es decir, en ambas escenas la pintura se convierte en vida con movimientos y con Salma Hayek en lugar de Frida. A propósito o no, este detalle de la película nos demuestra que las pinturas eran una extensión de la vulnerabilidad de Frida, y que cuando vemos y interpretamos las pinturas, en esencia, estamos viendo e interpretando a Frida misma.

“A fascinating truth about Frida’s story is how she embraced her deepest sorrows and transformed her pain into art, art that is at once horrifying and beautiful, illuminating her life” – Julie Taymor, Directora (Sigal 114)

Al mismo tiempo, las escenas en la película muestran una nueva capa de vulnerabilidad porque dan un historial de la razón por la cual Frida pinta estas obras. Vemos una perspectiva intima de su mente que de otra manera no hubiéramos interpretando simplemente viendo las pinturas sin ver también la película. Hablando de Autorretrato con pelo corto Hayden Herrera dice, “Here, as in The two Fridas, anger and pain join forces to sever Frida’s connections with the outside world- and most specifically, with Diego” (286).

Al ver su resolución en las pinturas comparadas con el dolor de sus cartas se puede pensar que exhibe mas vulnerabilidad en las cartas que en las pinturas. Pero la realidad es otra. “Paradoxically, the mental anguish and turmoil of her personal predicament resulted in some of her finest painting. The only large-scale canvases she ever made were done at this time” (Zamora 64). Su dolor al verse nuevamente sola no solo hace que cambie de apariencia para llamar la atención de Diego, pero también hace que cambie su forma de pintar. Es interesante ver el tamaño de las pinturas de Frida durante este tiempo. ¿También lo hizo para llamar la atención de Diego? Si el tamaño de las pinturas son una metáfora para el estatus emocional y psicológico de Frida durante este tiempo, podemos concluir que es la etapa mas vulnerable de su vida.

Es importante ver el contraste que existe entre la vulnerabilidad que exponía en su arte durante este tiempo y la que exponía en su escritura. Al verlo, se puede pensar que son dos Fridas. Ella quería ser fuerte, pero no podía negar el amor que aun sentía por Diego y que lo extrañaba. Este amor produjo una vulnerabilidad amorosa en sus cartas pero también producía una vulnerabilidad de despecho y dolor en sus pinturas.

En esta ultima carta, Frida, aunque tal vez involuntariamente, nos demuestra claramente las contradicciones que existían en si misma en cuanto a como expresaba sus vulnerabilidades en su arte. En la carta, hablando de la pierna que le van a amputar dice, “Te dije que yo ya me sentía incompleta de tiempo atrás, pero ¿qué puta necesidad de que la gente lo supiera”. Es interesante ver que Frida escribía esto cuando también pintaba sobre su invalides, sus problemas médicos, sus abortos instantáneos, y su dolor al romper con Diego. Si todo esto lo pintaba, y lo enseñaba al publico en sus exposiciones, porque pensaba que perdiendo su pierna iba a ser expuesta? Ella ya lo había hecho por si misma hace mucho tiempo.

Conclusión:

En fin, la expresión de lo personal es algo difícil de descifrar cuando se trata de las vulnerabilidades y de los sentimientos de otras personas. Frida Kahlo nos ayuda hacer esto un poco porque documentaba su vida por medio de sus pinturas y sus cartas. Aun así no podemos estar seguros de que entendemos completamente el por que de todo lo que hacía Frida. Yo me conformo con saber que ella, como cualquier ser humano tenia sus vulnerabilidades y que ella luchaba contra esas vulnerabilidades lo mejor pudo. Tal vez no fue victoriosa en sus intentos de olvidar a Diego y a Alex por medio del arte, pero podía expresar en sus pinturas el dolor y el despecho que de ninguna otra manera podía expresar. Las Fridas de sus pinturas demostraban la fuerza que la Frida de las cartas no podía.

Obras Citadas: 

“Cartas De Frida Kahlo a Diego Rivera.” Revistas De Arte,
www.revistadeartes.com.ar/revistadeartes-43/lit_cartas-de-frida-a-diego.html.

Herrera, Hayden. Frida: a Biography of Frida Kahlo. Harper & Row, Publishers, 1983.

Sorel, Peter, et al. Frida: Bringing Frida Kahlo’s Life and Art to Film. Newmarket Press, 2002.

Taymor, Julie, director. Frida. 2002.

Zamora, Martha. Frida Kahlo: the Brush of Anguish. Chronicle Books, 1990.

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Dolor, fuerza, y supervivencia: la vida artística de Frida Kahlo

A lo largo de su vida, Frida Kahlo tuvo una multitud de momentos dolorosos. Estas dificultades servirán para ella como un factor motivador de su carrera artística. Este dolor incluye no solamente los momentos de dolor físico, de los cuales Frida tuvo muchos, pero también incluye el dolor de sus relaciones personales, los momentos difíciles de su matrimonio, de su aborto y de su separación. Frida usaba su arte como una manera de ilustrar lo que estaba pasando en su vida personal. Si vemos la vida de Frida desde el punto de vista de sus obras artísticas, podemos ver fácilmente lo que le importa ella y lo que le era importante representar. Lo que es bastante interesante sobre las obras de Frida es que casi siempre tienen una conexión al dolor. Porque había tanto dolor en su vida, este tema aparece como un factor importante de sus obras. Vemos la importancia del dolor a Frida no solamente en sus cuadros, pero también en sus diarios y en la representación de ella en la película Frida, dirigida por Julie Taymor. Los momentos dolorosos de la vida de Frida crean una motivación para sus obras artísticas, y representan la manera en que lo difícil de su vida la ha formado ella como una artista y persona. Frida reformula el dolor que se siente a lo largo de su vida para hacerlo algo bonito en sus obras. Usa el dolor como una representación de su fortaleza y habilidad de sobrevivir cualquier cosa mala que le pasa a ella. La película Fridade Julie Taymor reinterpreta la representación de dolor en las obras de Frida para dar contexto a los cuadros y ilustrar un lado del dolor, fortaleza y supervivencia que no se presente solamente en los cuadros de Frida.

La partida de Alex: la primera angustia de Frida

La idea de las pinturas de Frida como una distracción de su dolor no solamente pertenece a su dolor física, sino también al dolor emocional que se siente ella en sus relaciones. Una de las primeras escenas donde vemos este dolor emocional causado por un hombre es entre Alex y Frida. Aunque el accidente de bus a lo mejor era uno de los momentos más dolorosos físicamente en la vida de Frida, su primer desamor causó un tipo de dolor más emocional. Vemos la representación de este dolor en la adaptación de Julie Taymor.

https://www.youtube.com/watch?v=IE0-csWixr0&feature=youtu.be

En esta escena Alex esta dejando Frida para ir a Europa con su familia por unos meses. Esta noticia causa un daño intenso a Frida. Ella esconde su dolor en frente de Alex y comienza a dibujar en su yeso. Esta dibuja, de una mariposa, no tiene temas muy negativas o tristes. En este momento es nada más una distracción del dolor que se siente Frida por causa de su novio. Alex sale del cuarto justo antes de que Frida termina su dibuja. Cuando ella esta sola, sin su querido novio, y terminado con su dibujo no tiene ninguna distracción de su dolor y comienza a llorar por la perdida de esta relación tan importante. Como sus pinturas de la primera escena, esta dibuja es una manera de mantenerse fuerte cuando se enfrente una situación demasiado difícil, y después poner este dolor fuera de su mente para siempre.

En la vida actual de Frida, sus interacciones con Alex a conduce a su salida para Europa, y después de que se va, no tienen la misma fortaleza de las de la película. La manera en que representa esta interacción la película Frida nos hace pensar que justo después de compartir las noticias de su viaje, Alex es completamente eliminado de la vida de Frida. Pero, esta representación no es completamente verdadero. En realidad, sabemos qué Frida mantuvo sentimientos románticos por Alex por mucho tiempo después de su salida. Escribió un montón de cartas a él, expresando su tristeza sobre su salido y pidiendo que él regrese pronto (Kahlo, Diario). En realidad, los cuadros y dibujos de Frida sirvieron como distracción durante este tiempo tan difícil. Frida no pudo salir de su cama, no tuvo su querido novio, y su única manera de divertirse era pintar. En la película, los dibujos de Frida de este tiempo sirven como una representación de su fortaleza y independencia. Ella quita Alex de su vida en el tiempo que lleva a dibujar una mariposa simple en su yeso. Con esta dibuja simple y alegre, Alex ha sido eliminado de su vida, como una mariposa que pasa en frente del espectador y continua su vuelo.

 

Divorcio: la división de Frida 

Una de las partes más influénciales de la vida y carrera artística de Frida tiene que ver con su relación con Diego. Sabemos que la relación entre ellos fue bastante turbulenta y causó mucho dolor y sufrimiento por Frida (Kahlo, diario). Como hemos visto anteriormente, el dolor sirvió como motivador por las obras de Frida, y esta regla sigue siendo verdadero en términos de la relación entre Frida y Diego. Las obras de Frida que tienen que ver con Diego demuestran claramente una división en la vida de Frida. Por un lado, Frida es una mujer bastante independiente. Tiene su propia carrera, vida, amigos, y fortaleza. Pero, por el otro lado ella esta atrapada bajo el poder de Diego. Muchos de sus emociones y potencial de felicidad caen bajo el reino de Diego (Reis). Él tiene un control invisible sobre Frida, que está representada claramente en sus obras artísticas. Un ejemplo claro de la relación entre Frida y Diego y la manera en que impacta la vida artística de Frida se ve claramente en el cuadro “Los dos Fridas”.

Este cuadro fue pintado de Frida en 1939 después del divorcio de Frida y Diego. En el cuadro vemos una representación física de la división en la mente de Frida. Por la izquierda del cuadro vemos Frida en un vestido más tradicional. Su corazón está roto y está sangrando por su vestido. Tiene tijeras en su mano, como ella ya ha acababa de cortar su propia artería. Por el derecho del cuadro vemos Frida en ropa más deportiva. Vemos otra vez su corazón, pero en esta Frida el corazón no está rota como en la otra Frida. Esta Frida parece mas fuerte, y tiene un cuadro roto de Diego en su mano, que supuestamente, ella ya ha destruido. Los dos Fridas están tomados de la mano y a pesar de todas sus diferencias están todavía unidos. Estas dos versiones de Frida representan la confusión que se siente Frida después del divorcio de Diego (Henning). Ella quiere sentirse independiente y fuerte—como la Frida al derecho del cuadro—pero todavía se siente un dolor fuerte causado por Diego. Al ver el cuadro “Los Dos Fridas” vemos la vulnerabilidad de Frida. Los dos Fridas tienen corazones completamente visibles al mundo. Aunque la Frida a la izquierda del cuadro esta sangrando, tiene cortes en su corazón y esta en peligro de morir por perdida de sangre, los dos se enfrenten con el mismo peligro por falta de protección de sus corazones (Ziedler). Este cuadro representa una división entre una Frida con Diego y otra sin él, pero las dos están sufriendo.

https://www.youtube.com/watch?v=c8MpoNP5Qzo&feature=youtu.be

La película Frida toma una representación diferente del cuadro “Los dos Fridas”. En esta representación, vemos a Frida interactuando con Chavela Vargas quien está cantando su canción “La Llorona”. La presencia de Vargas y esta canción en particular cambia el enfoque de la creación del cuadro “Los dos Fridas”. En la adaptación de Taymor, vemos la injusticia y desigualdad en la relación entre Frida y Diego y la desigualdad que persiste a lo largo de su relación. La canción “La llorona” habla de una mujer que da todo a su amante y no recibe nada en cambio. La final estrofa de la canción dice:

Si porque te quiero, quieres, Llorona

Quieres que te quieras más

Si porque te quiero, quieres, Llorona

Quieres que te quiera más

Si ya te he dado la vida, Llorona

¿Qué más quieres?

¡Quieres más!

Esta estrofa habla fuertemente de los sentimientos de Frida después de que Diego la divorcio y la manera en que ella interpreta estos sentimientos en su cuadro. Frida, por toda su vida ha dado todo a su amor Diego, y él nunca correspondió estos sacrificios. Al final de la canción, cuando escuchamos estas letras tan poderosas, vemos a Frida completando su obra “Las dos Fridas”. Cuando Vargas está cantando sobre dando toda su fuerza, espíritu, y vida a un hombre, Frida esta representando estos sacrificios en la representación de si misma. Los Fridas están lista para continuar dando a Diego, en esta situación han dado todo lo que puede y la única cosa que queda es su propia vida. Esta representación del cuadro unifica las dos versiones de Frida en el cuadro. Aunque ellas tienen diferencias y una está en más daño que la otra, las dos siguen dando todo a la relación y a Diego, quien siempre quiere más y sigue matándolas para ganar lo que quiere.

 

“La columna rota”: fuerza y dolor

En su cuadro “La columna rota” vemos la manera en que Frida mantuvo su fortaleza cuando esta enfrentado con dolor física. En este cuadro Frida esta completamente sola. Esta es diferente de muchos de sus cuadros, en que ella aparece con otras personas, versiones de si misma, o animales. Su solitud en este cuadro representa la soledad que se siente en este punto de su vida (Courtney). Porque de sus problemas físicas, Frida tiene dificultades con movimiento, con actividades físicas y casi no puede salir de su casa por causa del dolor. Ella está desnuda en el cuadro, con una abrazadera de metal sobre su torso y clavos sobre todo su cuerpo. Ella tiene lágrimas sobre su cabeza y es obvio que ella está experimentando mucho dolor física y emocional por causa de sus lesiones. Sin embargo, la cara de Frida en este cuadro representa la fortaleza que experimenta ella en vista de todo su dolor y sufrimiento. Frida ve al frente de la obra, con una mirada bastante fuerte y intenso. Aunque hay todos los objetos empalándola, Frida tiene un posicionamiento de cuerpo bastante relajada. No esta agarrando a su cuerpo ni tratando de quitar todos los clavos y soporte en la espalda para quitar el dolor. Es como Frida ya ha aceptado el dolor que se experimenta y ha llegado a un acuerdo con su destino (Zeidler).

https://www.youtube.com/watch?v=5s7dP4dd2Pk&feature=youtu.be

La adaptación de “La columna rota” que vemos en la película Frida no representa la fortaleza tan claramente como el cuadro. Antes de ver Selma Hayek transformando en la Frida del cuadro, vemos una conversación entre ella y su doctor sobre todos sus problemas físicas. Durante esta conversación, Frida aparece muy pesimista sobre su cuerpo. No tiene mucha esperanza sobre el futuro de su cuerpo y aparece muy apática con su doctor. Directamente después, vemos a Frida, corriendo por unos acantilados en el mismo atuendo que el cuadro. La combinación de la conversación entre Frida y su doctor y la escena de ella corriendo crea una imagen de evitación en el cuadro. Es como, después de otra conversación difícil sobre su salud, Frida pinta este cuadro como una manera de escapar su propio destino. Con esta interpretación del cuadro “la columna rota”, no vemos la misma fortaleza que recibimos del cuadro original. La representación de los eventos que están pasando en la vida de Frida, combinado con el cuadro da contexto a las razones por su creación. Porque de la representación del cuadro en la película Frida, el estoicismo de Frida en el cuadro ya parece más como una fachada. Una vista no autentico de sus sentimientos sobre su salud deteriorada.

 

El aborto de Frida: desconexión y depresión

En 1932, después de un aborto espontaneo, Frida pinto su cuadro “Henry Ford Hospital (la cama volando)” como una representación de la desesperación que se sentía después de la perdida de su feto. En el cuadro vemos a Frida en una cama con todos los elementos de su embarazo flotando al rededor de ella. Estos elementos incluyen el feto, una orquídea que le dio Diego, la machina del aborto, una representación del cuerpo interno de una mujer, un caracol, y los huesos de la pelvis. Todos estos elementos representan la no solamente la conexión entre Frida y su feto perdido, pero también la depresión que se sentía después de perder su hijo (Zeidler). Este cuadro representa la vulnerabilidad de Frida en esta situación tan difícil. No vemos a Frida como una representación de su propia fortaleza y independencia como vemos en muchos de sus otras obras. Aquí, Frida representa a si misma como una mujer muy pequeña y débil (Reis). Ella no es la parte prominente del cuadro, y no puede existir ella sin la conexión entre ella y todas las figuras de su aborto.   

https://www.youtube.com/watch?v=OrSu1dfcDZE&feature=youtu.be

Vemos esta misma desesperación en la adaptación de este cuadro en la película Frida. En la adaptación de Taymor, vemos todo el drama que viene con el aborto espontaneo y el tratamiento de Frida en el hospital de Henry Ford. Pero, después del aborto, vemos también la independencia y fortaleza de Frida. Ella sale de su cama en el hospital y demanda a ver a su hijo. Esta representación habla de la manera en que Frida insistió en convertirse su propio dolor en arte. Su insistencia en pintar a todo lo difícil de su vida actúa como una versión de terapia en esta escena. Frida completa su obra para crear una imagen física de todo el dolor de este periodo en su vida. Aunque todavía se siente el dolor después de pintar este cuadro, la manera en que la película representa el acto físico de crear el cuadro, y la fortaleza necesaria para poderse pintar después de un evento tan difícil y duro, representa la importancia de la pintura en la vida de Frida y la manera en que pintar ayudó a ella a sobrevivir unos de las dificultades más profundas de su vida.

La representación de la vida de Frida Kahlo en Frida crea un dialogo entre los eventos reales de su vida y la manera en que Julie Taymor los interpreta para su película. La combinación de los elementos físicos de la vida de Frida y los eventos de su vida da contexto a la manera en que pinta Frida y las razones por estas pinturas. A añadir los elementos de la vida de Frida crea una imagen más compleja de las pinturas de Frida y habla de la manera en que interactúan la vida y la carrera de Frida. Aunque en muchas escenas la representación de Frida en la película diferencia de la de la obra, esta representación añade a la imagen compleja de la manera en que el dolor, la fortaleza, los eventos de la vida de Frida, y la manera en que ella interpreta estos eventos en sus obras artísticos interactúan. A veces, la película añade un sentido de vulnerabilidad a las obras de Frida que representan su fortaleza y a veces hace lo opuesto y crea un sentido de fortaleza en sus obras más vulnerables. En la representación de todas las obras de Frida, Julia Taymor representa la manera en que estos momentos claves de Frida interactúan con la vida Frida. El uso del dolor en las obras de Frida habla de la complejidad de las obras más profundas de Frida y la manera en que Frida reutilizó su dolor para jugar con todos los momentos difíciles de su vida (Reis). La representación de este dolor en la película Frida, continua este juego que cree Frida para reinterpretar los sentimientos de Frida y crea una imagen más compleja de la conexión entre Frida, sus obras, y su dolor.

 

 

 

Obras citadas

Courtney, Carol A., et al. “Frida Kahlo: Portrait of Chronic Pain.” Physical Therapy, vol. 97, no.     1, Jan 2017, pp 90-96.

Kahlo, Frida. Columna Rota, 1944, Museo Dolores Olmedo, Cuidad de Mexico.

Kahlo, Frida. Henry Ford Hospital (la cama volando), 1932, Museo Dolores Olmedo, Cuidad de    Mexico.

Kahlo, Frida. Los Dos Fridas, 1939, Museo de Arte Moderno, Cuidad de Mexico.

Kahlo, Frida, The Diary of Frida Kahlo: An Intimate Self-Portrait, New York: H.N. Abrams; Mexico: La Vaca Independiente S.A. de C.V., 1995.

Reis, Levilson C. “Paratexts to Frida Kahlo’s Oevure: The Relationship between the Visual and      the Textual, the Self and the Other, from the Self-Portraits to the Diary Entries.” Forum     for Modern Language Studies, vol. 48, no. 1, Jan. 2012, pp. 99-111.

Taymor, Julie, director. Frida. Miramax, 2002.

Vargas, Chavela. “La llorona” La Llorona, Warner Music Group Germany, 1993, no. 8, Spotify.

Zeidler, Henning. “Frida Kahlo (1907-1954) – Pain, Suffering, Passion and Art, Has Works Published Painter.” Aktuelle Rheumatologie, vol. 42, no. 6, pp 488-490.

 

 

 

 

 

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Taylor Scott

INMÓVILES EN EL CUERPO, PERO NO EN LA MENTE:

FRIDA KAHLO RENACIDO POR EL CINE

Para una mujer que no puede mover con libertad, ¿cómo sus obras muestran el movimiento, o no? ¿O, sus obras expresan la libertad que ella no tiene? ¿Qué es la relación física entre su trabajo en su cuerpo? Estas preguntas contestarán más tarde…

 

Biografía concisa

Aunque era famosa, la vida de Frida Kahlo era muy privada. Ella tiene mucho vida en los ojos, en sus obras, y su representación a la media, pero ella era una humano sufriendo. Ella vivía con el dolor constante porque de un accidente cuando era una joven que tomó su habilidad para vivir una vida normal. Pero este obstáculo no paró de su pasión.

Ella nació en 4 Augusto de 1907 de un hombre de Alemania, un fotógrafo, y su madre, una mujer sin trabajo. Con una mezcal de identidades, ella usó esta perspectiva única para influir sus obras más después en su vida. El coas que ella descubrió en su identidad puede ver en muchos aspectos de sus aboras, también (Ankori 21). Este idea es muy evidente en su trabajo, específicamente en su técnica “cortar y pegar” que aparece por todo su trabajo (Figura 1). No hay una orden particular, pero es más sobre objetos en el espacio libre.

Self Portrait Along the Border Line Between Mexico and The United States, 1932
Figura 1 Self-Portrait Along the Borderline Between Mexico and the United States, 1932

Pero, a pesar de esto, hay dos momentos centrales de su juventud que afectaba ella por el resto de su vida. El primer incidente fue su enfermedad de la polio. Cuando tenia seis años, la pierna de Frida estaba infectada y era muy doloroso. Más tarde en su vida, tenia gangrena y le amputaron la pierna (Ankori 44). Esto redujo drásticamente su movilidad y su sufrimiento puede ver en sus obras una y otra vez como muestra la representación repetida de los pies rotos o sangrantes (Figura 2).

Figura 2: [Insertar Remembrance of the Open Wound, 1938]
Figura 2 Remembrance of the Open Wound, 1938
Aún más, el momento más famoso y evidente en su trabajo es el accidente del autobús. Un otro vehículo chocó con su autobús, destruyendo su cuerpo, dejándolaal borde de la muerte. Un evento muy traumático como esto, sin una duda, esta presente en la representación de sí misma, como ve el dolor, el tristeza, y la elección de color. Por ejemplo, en la obra original del accidente, titulado The Bus, muestra tristeza, pero hay color y la vida, como se ve en el entusiasmo del joven mirando por la ventana (Figura 3). En contrasto, The Wounded Table tiene el mismo formato físico: las personajes están en una línea mirando al espectador (Figura 4). Pero los colores son más oscuros, y algunos de los personas reemplazan por esqueletos y figuras deformados. No hay vida en esta obra, pero ahora hay confusión y muerte- una representación del evento traumático de la juventud de Frida.

Figura 3: [Insertar The Bus, 1929]
Figura 3 The Bus, 1929
Figura 4: [Insertar The Wounded Table, 1940]
Figura 4 The Wounded Table, 1940

 

Movimiento

Con esta idea en mente, la idea del movimiento en las obras de Frida Kahlo es muy importante para analizar para que nosotros entendemos la historia completa de una de las más artistas femeninas en el mundo. En relación a su pasado tortuoso, Kahlo usa sus obras para expresar su inmovilidad. Similar a cómo su cuerpo no podía expresar su intención, sus obras no expresan este mucho también.

En corto, una obra es unidimensional y un espectador sólo puede interpretar que esta en el cuadro. La emoción, pasión, y pensamiento detrás de una obra son dependiente en la análisis de un espectador. No hay música adicional o comentarios para ayudar a un espectador en la interpretación de la obra en la manera que el artista quiere.

Pero, con la apoya de una película, este idea es posible. Julie Taymor, director de Fridahecho en 2002, da más contexto y flujo a las obras de Frida que no siempre ve en la obra en sí mismo. Taymor usa una técnica que combina una obra de Frida y la vida real, usando personas para crear una representación en movimiento de una obra. En este manera, donde no hay contexto de una obra, ahora hay. Por ejemplo, como se mencionó anteriormente, Taymor también usa una versión de “cortar y pegar” similar a Frida para muestra confusión y instabilidad. Ahora es posible interpretar mejor la intención de Frida, especialmente cuando Taymor añadió la música (Video 1)

Video 1

Estos conceptos analizarán más por explorando el trabajo de ambos Kahlo y Taymor. Entonces, hay mínimos aspectos de movimiento en las obras de Frida Kahlo pero en la adaptación cinematográfica de su vida, Julie Taymor usa su propia perspectiva para añadir vida, emoción, y más movimiento a la historia de Frida Kahlo para mostrar una representación completa de ella.

 

………..un poco de historia 1………..

El matrimonio entre Diego Rivera y Frida Kahlo no era simple. Había muchos años de infidelidad, luchas, y separaciones entre los dos. Rivera se describió como un hombre grandísimo- él tiene el cuerpo y personalidad de un elefante. Frida, en el otro mano, era pequeño, inteligente, y fuerte. En el exterior, su matrimonia parecía ser perfecta- Frida era una esposa

cariñoso y se quedó a su lado de Rivera. Pero, no era siempre el caso. Había instancias de luchas graves, empujando los dos aparte durante algún tiempo (Ankori 74). Ella viajaba alrededor el mundo muchas veces, siguiendo Rivera cómo un perro.

Rivera era conocida por su impaciencia por Kahlo. Una instancia que ejemplifique esto es cuando ellos fuimos a la Detriot por el trabajo de Rivera. Kahlo estaba muy triste y sola porque Diego no tenia tiempo por su. El solo enfocó en su trabajo, dejando Kahlo aislado (Ankori 100).

Por la culpa de los ambos, Kahlo y Rivera tenían aventuras durante su matrimonio. Sus aventuras eran muy exagerados y no escondidos y Frida los descubrió con frecuencia. el peor aventura de Diegos fue con la hermana de Frida (Ankori 107). Aunque se sentía traicionada, Kahlo también tenía relaciones con hombres y mujeres. Pero, en contrasto de Rivera, sus aventuras eran privados y no público a menudo (Ankori 102).

Eventualmente, la pareja se divorció pero se casó de nuevo sólo un año más tarde (Ankori 110).

Frida and Diego Rivera, 1931

Figura 5: [Insertar Frida and Diego Rivera, 1931]
Figura 5 Frida and Diego Rivera, 1931
Este obra de Frida enfoca en el matrimonia de Frida y Diego y muestra un gran experiencia en su vida (Figura 5). En realidad, este fue un momento feliz para Frida, a pesar de la constante infidelidad de Diego. Incluso cuando estaba pintando esto, Diego tuvo una aventura. Es interesante, sin embargo, que la falta de emoción en la pintura. La cabeza de Frida está inclinada, y uno podría asumir que está sonriendo. Y en el otro mano, la cabeza de Diego se volvió y él su sostener su mano. También, Frida esta agarrando el mano de Diego y su bufanda. Este muestra su amor por Diego y su confianza en sí mismo. Pero Diego esta mostrando alguno diferente. Él está sosteniendo su mano, una muestra de su amor por Frida, pero también está sosteniendo una paleta. Específicamente con el uso de la paleta, es muy claro que Diego tiene dos amores- Frida y su trabajo. Él nunca puede dedicar toda su emoción a Frida, o que explica la solemnidad en sus caras.

Hay muy poco movimiento en este obra, también. El pájaro en el rincón muestra la llegada de algo nuevo, es este caso su matrimonia. Pero el resto de la obra esta estacionario. los cuerpos no pueden moverse, por lo que los ojos deben moverse. Esto se puede ver a los ojos de Rivera, por ejemplo. También, los pinceles debería estar cayendo porque al ángulo de la paleta. Pero otro vez, cuelgan en el espacio. Más, el vestido de Frida no cae naturalmente- pero aquí, se suspende en el aire. La falta de movimiento es muy evidente en este obra, y debido por esto, el espectador sólo puede ver una perspectiva.

Pero el usa de la película añada vida y mas perspectiva a la obra (Video 2). Esta escena ocurre durante la recepción de su boda, llevando la misma ropa que está en la obra. Donde la obra no muestra la emoción, la película añade música y movimiento. Con la gente en el fondo, hay mucho más caos que lo que el espectador ve en la pintura solo. Es importante para notar en la escena que cuando la pintura se convierte en vida real, Frida y Diego se vuelven a enfrentar, mostrando su amor y afecto. Aunque su matrimonio estaba lleno de dificultades, este día fue una de celebración. Taymor captura este sentimiento en el a película, algo que la obra no puede hacer solo.

Video 2

 

………..un poco de historia 2………..

Como si Frida necesitaba más dolor en su vida, ella vivía con una corazón roto por mucho de su matrimonio con Rivera. Con su infidelidad constante, ella siempre tenía dudas sobre el honestidad de su esposa. Finalmente, en 1939, los dos se divorciaron, una decisión que era solo una cuestión de tiempo (Ankori 110).

Durante este tiempo en su vida, ella vivía con ideales feministas. Aunque ella no tenia las tradicionales valores de una feminista porque ella era andrógino (tener las características de ambos masculino y femenino), Frida no quería aceptar su posición subordinado de los hombres en sociedad (Ankori 128). Frecuentemente, ella vestía como un hombre, llevaba los pantalones o una camisa con cuello abotonando. No se preocupado sobre su imagen, pero solo si mismo.

Un ejemplo de este es un fotografía con su familia cuando ella vestía con un hombre (Figure 7). Volviendo a su juventud, es muy claro que ella siempre tenía una personalidad despreocupada. También, como ve la expresión en la cara, ella es muy confiada en su apariencia. Este es muy interesante, sin embargo, porque una persona podría pensar que sus limitaciones físicas podrían destruir su fuerza. Pero este no es el caso.

Figura 7: [Insertar Frida and Family photo]
Figura 7 Frida Kahlo, Wearing Man’s Suit, 1926
 

Self-Portrait with Cropped Hair, 1940

Figura 6: [Insertar Self Portrait with Cropped Hair, 1940]
Figura 6 Self-Portrait with Cropped Hair, 1940
Este obra es muy solemne, pero también reflexivo de su vida el en el momento (Figura 6). El usa de marrón, verde, y negro insinúa un tiempo oscuro en la vida de Frida. El pelo que esparcen alrededor el cuarto es un símbolo por la confusión con las relaciones ella tiene, específicamente con Diego. Después de su separación de Diego en 1939, Kahlo estaba enojado y quería mostrar a Diego que ella no acepta su position de subordinación debajo de él (Ankori 128). Entonces, ella luchaba en contra de las normas feministas, cortó su pelo, y vestía como un hombre para mostrar su poder. Aquí, una conexión puede hacer entre su características masculinas y la imagen de su familia cuando era una joven. Ella mantenía su identidad como abierto y muy directo con su intención.

Es muy importante a notar las palabras en el mura también: “Mira que si te quise, fue por el pelo, Ahora que estás pelona, yo no te quiero”. Diciendo que si su pelo esta un requisito para su amor, entonces ya no tiene su amor, ella hizo una referencia a su divorcio a Diego.

El concepto de movimiento es diferente en este obra, también. El pelo en el suelo tiene aspectos de la fluidez que mueva los ojos alrededor de la obra. Las palabras tienen el mismo efecto, haciendo el espectador lee las notas a través del cuadro. Y una vez más, como ve en Figura 5, el pelo debería estar cayendo porque la manera que lo colgando. Pero sin embargo, el pelo esta suspendiendo en una manera raro. Además, el cuerpo no mueve y los ojos mirando a algo a la izquierda de la cuadro. Esto hace el espectador se pregunta qué más no podemos ver? Tal vez hay más de la historia que no esta pintado en este obra.

Julie Taymor tiene el poder a decir el resto de la historia que no puede ver en la obra solo (Video 3). Las mismas palabras que están escrito en la parte superior de la obra están, ahora, escrito en el muro de su cuarto. Taymor añade su propia perspectiva para mostrar que Frida no solo pensó sobre el razón detrás de las palabras, pero, literalmente, ella vivía en los. Además, el uso de sonido muestra la emoción real en este momento. Es muy evidente que ella estaba triste, como se ve en la cara, pero el tono de voz de la cantante muestra la desesperación de Frida. Y finalmente, la unidimensional obra está animada, donde el cuerpo de Frida suspira y cae en su silla. Dando vida a la personaje, ahora hay más contexto y es posible para entender más de la historia con el uso de movimiento.

Video 3

 

………..un poco de historia 3………..

En el fin de su vida, ella frecuentemente pintaba sí mismo como una otra Frida, mostrando bien salud y libertad (Figura 8). En este, ella separaba el cuerpo de deterior del cuerpo que quería tener. Después mucho años de sufriendo, Kahlo murió en 13 Julio de 1954. A la edad de 47, ella tenia el dolor insoportable porque de sus enfermedades, el accidente, y los repercusiones de estos (Ankori 158). Ella sabía que su tiempo en el mundo necesitaba terminar, pero ella sólo llego a este conclusión después muchos años de luchando su enfermedades.

A este punta en su vida, Kahlo tenia éxito, viajaba el mundo, y su nombre era famosa, pero ella no podía escaparse la realidad de su vida personal (Ankori 156). De los problemas en su matrimonia con Diego a las limitaciones físicas de su propio cuerpo, ella no tenia mucho a vivir por. La causa de su muerte no esta segura, pero independientemente de la razón, ella no quería sufrir (Ankori 158). Por lo tanto, su muerte, aunque triste, era un gran alivio para Frida.

Figura 8: [Insertar Tree of Hope, 1946]
Figura 8 Tree of Hope, 1946

 

The Dream , 1940

Figura 9: [Insertar The Dream, 1940 ]
Figura 9 The Dream, 1940
La tema de muerte es muy evidente en el trabajo de Kahlo. Pero, este concepto no siempre uno de tristeza como se ve en el uso del color y humor (Figura 9). De hecho, Kahlo usa muerte para mostrar libertad y felicidad, algunos ella no tenían mucho de. Mientras de Kahlo durmió en su cama, un esqueleto está por encima esperando por ella. Este es una metáfora de su inminente muerte. Pero, el esqueleto tiene las flores, casi como un regalo de bienvenida para Kahlo. Además, la escena es en los nubes, mostrando que ella ya está en el proceso de su muerte. La manera en que ella esta durmiendo, aunque, muestra que ella no esta preocupada sobre muerte, pero ella lo invita.

La idea de movimiento en este obra no siempre obvio. En general, los personajes y objetos están inmóvil. Por ejemplo, la planta en Frida se pone en ella mientras duerme. Y las piernas y los brazos del esqueleto aparecen congelados en el aire. El único aspecto de movimiento en este obra es en el fondo. La usa del cielo da una sentido de creciente en espacio. En contrasto de cayendo, la paz en los personajes crea una ambiente muy tranquilo y estable.

Julie Taymor añade a este idea de felicidad en su adaptación (Video 4). En su versión, su muerte es un tipo de celebración. Los fuegos artificiales que están en el esqueleto revientan en el aire para mostrar la felicidad del momento. Y también, la adición de una sonrisa en la cara de Frida capta el alivio de su sufrimiento. El fuego ardiente en su cuerpo es una símbolo por la destrucción de su limitaciones, porque ahora, ella es libre. Finalmente, la música tienen aspectos de Mariachi, un tipo de música mexicana tradicional, típicamente usa para celebraciones (Mulholland 249). Combinando con el movimiento y la música, el ambiente es muy tranquilo y alegre.

Video 4

 

Conclusión

Los eventos en la vida de Frida Kahlo, específicamente su enfermedad de polio y el accidente en el autobús, tenían muchos impactos en el trabajo de ella. Sus limitaciones físicas, su relación tumultuosa con Diego Rivera, y su deseo para desafiar las normas de la sociedad formaba ella en la persona era. Pero, este no significaba que su vida era fácil. No, ella tenia una pasada muy difícil- la mayoría de los problemas del dolor físico y el deterioro.

Sin embargo, ella nunca perdió su pasión y continuaba crear pinturas magnificas. Mucho de su trabajo no tenía movimiento que esta reflejando en su cuerpo físico. Pero donde ella no podía decir su historia complete, Julia Taymor puede. Con la adición de música, la animación de las obras, y dando mas emoción y contexto a su trabajo de Frida, Taymor revela más de la historia de Frida Kahlo que no podemos ver en las obras solo.

 

Obras Citadas

Ankori, Gannit. Frida Kahlo, Reaktion Books, Limited, 2013. ProQuest Ebook Central,       https://ebookcentral.proquest.com/lib/dickinson/detail.action?docID=1707063.

Kahlo, Frida. Frida and Diego Rivera. 1931, San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco.

Kahlo, Frida. Remembrance of the Open Wound. 1938.

Kahlo, Frida. Self-Portrait on the Borderline between Mexico and the United States. 1932, New York.

Kahlo, Frida. Self-Portrait with Cropped Hair. 1940, The Museum of Modern Art, New York.

Kahlo, Frida. The Bus. 1929, Museo Dolores Olmedo, Mexico City .

Kahlo, Frida. The Dream . 1940, New York.

Kahlo, Frida. The Wounded Table . 1940.

Kahlo, Frida. Tree of Hope. 1946, Paris.

Kahlo, Guillermo. Frida Kahlo, Wearing Man’s Suit. 7 Feb. 1926.

Taymor, Julie, director. Frida. Handprint Entertainment , 2002.

Mulholland, Mary-Lee. “Mariachi, Myths and Mestizaje: Popular Culture and Mexican National Identity.” National Identities, vol. 9, no. 3, Sept. 2007, pp. 247–264. EBSCOhost, doi:10.1080/14608940701406237.

 

 

 

 

 

 

 

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Los clavos de dolor: Frida y su arte

Introducción

Frida Kahlo era una persona torturada, repartido un mano malo en su vida, y lleva este dolor con ella todo tiempo. Ella respira su dolor en los lienzos, hacer alguno del arte más personal y fascinante que el mundo ha visto. Frida hace muchos autorretratos que expresan su dolor, y la película de Julie Taymor trae algunos de estos cuadros a vida con escenas interactivas. “La columna rota” es un ejemplo de la expresión de Frida de su dolor y la película enfoca en esta cuadro para una escena dramática. El cuadro y la película usan objetos para mostrar este dolor. El cuadro propio tiene clavos y el aparato espinal como objetos de fuera. En la película, Frida está pintando y el agua en el cuadro forma en las lágrimas, que mostrar el dolor de Frida sobre su situación. En general, Frida tiene muchas cosas malas en su vida y su arte es su reflexión de realidad. Sus autorretratos muestran su sentido de vida durante varios momentos de su vida y la película abunda sobre los cuadros inmóviles.

 

La desintegración

Kahlo, Frida. La columna rota. 1944, Museo Dolores Olmedo, Mexico City, https://useum.org/artwork/La-columna-rota-The-Broken-Column-Frida-Kahlo-1944.

“La columna rota” es un cuadro donde el dolor de Frida está a la vanguardia. Las operaciones y la pérdida de sus capacidades son experiencias traumáticas, y son la inspiración para este cuadro. Los clavos están perforando todo su piel, un proceso que causaría niveles intensos de sufrimiento. En particular, el clave más grande está sobre de su corazón, que significa la angustia emocional. A pesar de este dolor, la expresión de Frida es calma, como ella está rehusando darse por vencido a su dolor. La expresión también da la impresión de una máquina. La columna es una cosa metálica que se pega su cuerpo que se está desarmando. Aunque este aparato es necesario para sobrevivir, el objeto es todavía antinatural y un recordatorio de la naturaleza tullida de su cuerpo (Zarzycka, 81). Este cuadro una reacción a su situación donde las capacidades a su cuerpo están disminuyendo.

La escena que enfoca en “La columna rota” muestra la interacción entre su arte y su vida.  La película presenta este cuadro después inmediatamente de un doctor le dice que él necesita amputa sus dedos. El sufrimiento del cuadro es expresado en el parte de la película donde Frida está corriendo en el paisaje del cuadro. Es un emblema porque ella no tendrá la habilidad a hacer esto en el futuro. La música es inolvidable. Además, Frida pone el agua encima del cuadro en las formas de lágrima. Esta escena trae a vida el cuadro.

Los dos el cuadro propio y la escena que contiene el cuadro muestra el dolor sangriento de Frida. A menudo en el arte y la media, el dolor de las mujeres es sólo sobre amor, donde las mujeres sienten la depresión y que ellas no son enteras sin los amantes. Por el otro lado, el dolor que Frida en este tiempo es un dolor de cuerpo. Ella siente que su cuerpo está colapsando y perdiendo su vitalidad. El paisaje refleja el cuerpo de Frida, como eso está rocoso y árido y son huecos en la vista.

Image in Kahlo, Frida. The Diary of Frida Kahlo. Abrams, 2005.

Esta idea de la natura estropeada aparece en otros obras de Frida. Es un concepto que es muy personal de Frida, y no simplemente está usando para hacer sus obras más interesantes y únicas. Esto es evidente porque esta idea está en su diario, un documento personal y no para el público. En una entrada de su diario, ella pinta su propia con las palabras “yo soy la desintegración”. En la pintura, ella está estando empalada por un pilar y los partes de su cuerpo se están cayendo. Hay una cabeza adicional y un mano separado que está tocando su mano izquierda. Los partes de su propia no están anexado a su cuerpo nada más. Esta entrada representa la relación que Frida tiene con su cuerpo. Ella quiere un cuerpo entero que la permite hacer todos las actividades que otros pueden hacer con facilidad. En lugar de esta fantasia, su cuerpo es una cosa inservible que la trae mucho dolor. Su existencia es una de dolor constante.

 

La disección

Kahlo, Frida. Henry Ford Hospital. 1932, Museo Dolores Olmedo, Mexico City, https://www.sartle.com/artwork/henry-ford-hospital-frida-kahlo.

El aborto espontáneo de Frida era un otro fuente de dolor serio y duradero. Ella quiere un hijo en un manera fuerza, pero la realidad es que ella no puede tener un hijo. La falta de la posibilidad de hacerse una madre hizo sentir Frida muy triste. La experiencia del aborto espontáneo era traumática y ella usó el dolor para hacer el cuadro “Henry Ford Hospital”. Ella pintó este cuadro mientras estaba recuperando del aborto espontáneo en el hospital. El cuadro representa Frida en la cama en el hospital después de la operación, con el sangre por todos partes de las sábanas.

El cuadro muestra la técnica de la disección para mostrar la experiencia de Frida. En el cuadro, hay objetos que tiene vínculos a su estómago. Estos vínculos aparecen como cordones umbilicales, en una mención a parto. Los objetos simbolizan los sentidos y el dolor de Frida sobre su aborto espontáneo (Zarzycka, 7). Hay una máquina que es atado a su estómago. Este objeto es fuera de lugar entre los objetos otros. No es vivo ni un parte del cuerpo. El propósito para esta máquina es para mostrar la naturaleza mecánica del procedimiento. Un caracol está en la esquina derecha del cuadro, y esto representa cómo el proceso era lento y eterno. Para Frida, este evento duraba para un tiempo largo, aún después de la recuperación era fin.

Uno de los objetos en “Henry Ford Hospital” es el feto que está en el centro del cuadro. Este feto es el más próximo que Frida obtendría a tener a un hijo actual a alguna vez de su vida. Su pelvis era estropeado en el accidente de la tranvía, y lo arruinó a Frida de la habilidad de dar a luz. Frida pintó su pelvis porque es el objeto que la está trayendo la tristeza.Este cuadro trae los partes internos del cuerpo a la vanguardia en una manera de disección. Esta técnica da el cuadro un ambiente incómodo y antinatural. El cuerpo no se supone que ser como esto. Este cuadro muestra la relación mala entre Frida y su cuerpo y el dolor que ella siente sobre los defectos de su cuerpo.

El fondo también representa el tema del cuadro. El suelo es muerto y no hay árboles ni plantas. Detrás de la cama y el suelo, hay una fábrica grande. La fábrica es un lugar de producción, mientras el útero debe ser un lugar de reproducción. Sin embargo, el útero de Frida no está funcionando, y por eso el contraste entre la fábrica y Frida en la cama está importante. En general, el marco del cuadro lo da los sentimientos de un desierto. Para Frida, su útero debe sentir como un desierto porque ella no puede crear vida.

 

La película muestra el dolor de Frida en una escena dramática en el hospital de Henry Ford. La actuación de Salma Hayek es dolorida y la confrontación entre Frida y los doctores es muy tenso. Frida muestra que ella se preocupa sobre su hijo y quiere ver el feto abortado. Ella dice a Diego que el hijo no forma en una manera normal, pero ella todavía siente una conexión con el feto. Aunque ella sabe que el feto no tiene nunca a vivir, este feto es una representación de un hijo possible. La película conecta el cuadro a la escena por representar Frida en el proceso de pintar “Henry Ford Hospital”. Frida está mirando al feto en una jarra mientras está trabajando al cuadro. Después del aborto espontáneo, Frida necesita pintar como una manera de procesar su dolor. Es como Frida propia dijo: “Me pinto a mí misma, porque soy a quien mejor conozco. Pinto mi propia realidad. La única cosa que sé es que pinto porque lo necesito y pinto cualquier cosa que pasa por mi mente sin pensar” (quoted in Taymor, 92).

 

La duplicidad

Kahlo, Frida. Las dos Fridas. 1939, Museo de Arte Moderno, Mexico City, https://en.wikipedia.org/wiki/The_Two_Fridas#/media/File:The_Two_Fridas.jpg.

Frida pintó “Las dos Fridas” después del divorcio con Diego Rivera en 1939. Ellos han sido casados para diez años, y Frida lo amó con todo de su corazón. Este cuadro es una expresión de su dolor sobre su separación con su amante y el tratamiento malo que ella ha recibido de Diego. Cuando ella sentía sufrimiento, ella necesitaba pintar y representar sus problemas. En este cuadro, Frida confronta el tema de identidad (Zarzycka, 8). Hay dos versiones de su propia, y cada Frida dice una historia. La Frida en la izquierda del marco tiene un corazón que no es entero. La parte de encima del corazón ha sido secado y la ropa sobre el corazón ha sido rasgado. Esto muestra el acto violento de su separación, como Frida siente que el centro de su cuerpo ha sido dañado en una manera extrema. Ella está tratando detenerse el sangre con una abrazadera en su mano derecho, pero el sangre lleva fluyendo. El sangre está sobre su vestido mezclando con los flores que están en su ropa.

Es claro que la pérdida de Diego es la causa de su sufrimiento por comparando la Frida en la izquierda a la Frida en el derecho. La Frida en el derecho tiene un corazón entero y saludable. La mano izquierda de la Frida derecha está agarrando una imagen de Diego. Su vena de su corazón entra esta imagen, se deteniendo el sangre de caerse en su vestido. En contraste con la Frida izquierda, la Frida derecha están limpio, y el sangre no están en su vestido. Esto representa su vida con Diego, como él la ayuda cuando ella tiene el más dolor. Él ha sido para ella por diez años en matrimonio antes del cuadro, y mientras él no está nunca el marido mejor ni más fiel, él ha sido un soporte importante para Frida. Con Diego, Frida puede manejar todos los problemas que ella debe mirar, y cuando Diego la parte, este soporto está rasgado fuera de ella. Frida queda detrás, y ella está tratando terminar la hemorragia en su propia. El aparato que ella tiene no hace el trabajo completamente, mostrando que ella no está la misma.

“Las dos Fridas” está usado en la película para la escena que muestra Frida después de su divorcio con Diego. Frida va al bar para beber fuera sus problemas, y una mujer canta una canción que personifica el sufrimiento de Frida. La escena también hace capas el dolor de Frida con el muerto de Leon Trotsky. No obstante este cuadro está en el centro de la escena y Julie Taymor lleva el dolor de Frida en la escena por este cuadro. Taymor hace la imagen de Diego a la vanguardia para mostrar un primer plano de la. La imagen es una detalle en el cuadro que el espectador puede fallar, y por eso Taymor hace la conexión entre Diego y el sangre. En la escena, Frida rompe el vidrio sobre la imagen, y esto la causa sangrar. Esta acción muestra el espectador que la razón sobre su dolor es Diego. El cuadro propio no tiene una imagen de Diego en el lado izquierdo, pero Taymor elige presentar la Frida izquierda como tener el amuleto de Diego para hacer cumplir el punto sobre la causa del dolor de Frida.

Julie Taymor elige tener La Pelona canta a Frida en esta escena a pesar del facto que Frida no muere todavía (Taymor, 140). Trotsky muere en esta escena, y La Pelona canta para él, pero La Pelona también está cantando para Frida. Mientras Frida no muere, la pérdida de Diego de su vida es un evento traumático para ella. Su vida anterior es muerte. Taymor vincula el dolor de su divorcio con este cuadro. Además, Julie Taymor dice esto sobre el dolor en este cuadro y el arte general de Frida: “[Frida] allows the darkest moment to supply her with images for one of the most sublime paintings of her life. A fascinating truth about Frida’s story is how she embraced her deepest sorrows and transformed her pain into art, art that is at once horrifying and beautiful, illuminating her life.” (Taymor, 140) Para Julie Taymor, la belleza de las expresiones del dolor de Frida es impresionante. Hay otros artistas que incorporan el dolor en sus cuadros, pero a menudos, los cuadros son oscuros y torcidos. Aunque el arte de Frida muestra el dolor, todavía está muy bello y usa color. En contraste con “Las pinturas negras” de Francisco Goya, los cuadros de Frida aparecen luminoso.

 

La importancia

Esta escena con Leon Trotsky y Frida Kahlo ofrece una mirada dentro de las opiniones de Julie Taymor. Ella y sus escritores hacen el diálogo entre ellos un comentario sobre la vida y arte de Frida. Frida reflexiona sobre el papel de dolor en su vida. Ella dice sobre cómo ella vive con dolor. Ella puede vivir con dolor porque ella tiene cosas importantes a vivir para. Ella cree que personas pueden encargarse más que ellos creen. De su perspectiva, esta idea es sensible. Las cosas malas desarrollan a través de la vida, y pensar sobre los eventos hacen personas tienen miedo. Sin embargo, cuando una persona actualmente afronta su realidad, ella pueden vivir con más que ella cree antes.

Después de Frida da su pensamiento sobre el dolor en su vida, Trotsky discute la importancia del arte de Frida y porqué él cree que otras personas toma significado de sus obras. Para él, los cuadros de Frida son cercanos para muchas personas porque el sentimientos expresados en los cuadros son sentimientos que todas personas tienen. En esta escena, la directora tiene la oportunidad para compartir sus ideas sobre la importancia de Frida como una artista. Tantas personas han sentido una conexión con las obras de Frida y Julie Taymor nos da una explanación sobre porqué ellas hacen. Los cuadros de Frida son tan personales y hay tanto significado para mirar que las personas pueden estudiar sus cuadros siempre. Las personas lleva sus propios problemas y cargas, y ver una otra con tanto dolor de su propia hace arte tan bello es inspirador. Frida interiorizó todos las adversidades que  vida la dio, y ella las usa para crear imágenes imponentes y completamente únicas. Los cuadros de Frida son miradas actuales en la corazón y el cerebro de un otro en una manera, y pocos artistas o escritores pueden hacer obras que lo hacen.

 

Conclusión

En conclusión, Frida usan varias técnicas para pintar su dolor en sus cuadros, como la desintegración, la disección, y la duplicidad. Julie Taymor y Salma Hayek retrata estas ideas a través de las escenas donde ellas tejen los cuadros en la vida de Frida. Esta atención al dolor de Frida es importante para explorar su vida y arte. La película anima los cuadros, para mostrar que los aspectos de sus cuadros son influenciados por los eventos de su vida. Es importante a recordar que las técnicas de Frida no son simplemente para mejorar sus cuadros. Los aspectos viene del corazón de Frida y representan sus ideas verdades. Dado esto, ¿cómo presentan otras artistas sus dolor propio? ¿Cómo lo difiere con las expresiones de Frida?

 

Obras citadas

Ávila Vásquez, Manuel Oswaldo. “Frida Kahlo: Entre el sufrimiento y el arte”. Revista de Filosofia, vol. 81, núm. 3, pp. 117-138.

Frida. Directed by Julie Taymor, performance by Salma Hayek,  Miramax Films, 2002.

Kahlo, Frida. The Diary of Frida Kahlo. Abrams, 2005.

Taymor, Julie. Frida: Bringing Frida Kahlo’s Life and Art to Film. Newmarket Press, 2002.

Zarzycka, Marta. “‘Now I Live on a Painful Planet’: Frida Kahlo Revisited.” Third Text, vol. 20, no. 1, 2006, pp. 73-84.

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