Archive for the 'Uncategorized' Category

Dec 11 2014

Deutsche Welle braucht Hilfe

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Offener Brief
Deutsche Welle ohne Deutsch? Nicht mit uns!

DW-Intendant Peter Limbourg hat angekündigt, das deutsche, spanische und arabische TV-Programm zu schließen, falls die Bundesregierung nicht deutlich mehr Geld für den Auslandssender zur Verfügung stellt.

Wir sagen NEIN zu derartigen Plänen!

Die chronische Unterfinanzierung der Deutschen Welle darf nicht dazu führen, dass das Herz des Programms zerstört wird.

Deutschlands Ansehen in der Welt wächst ständig. Die Stimme Deutschlands gewinnt immer mehr an Bedeutung. Die Deutsche Welle vermittelt Werte und Kultur des Landes und begleitet das Weltgeschehen engagiert und kritisch.

Sprache ist zentral für die Identität eines Landes. Mit dem Verlust der deutschen Sprache würde die Deutsche Welle auch ihre Blickwinkel und Themen verlieren.

Wir Unterzeichner rufen die politisch Verantwortlichen auf, die Pläne zu stoppen. Die Deutsche Welle muss in ihrer Sprachenvielfalt erhalten bleiben!

Mitarbeiterinnen und Mitarbeiter der Deutschen Welle

Liebe Glossenleser

Die Deutsche Welle befindet sich seit einiger Zeit im Prozess einer tiefgreifenden Veränderung. Ein neuer englischer Nachrichtenkanal ist geplant, und der kostet viel Geld. Geld, das der chronisch unterfinanzierte Sender nicht hat. Nun hat der Intendant des Senders gedroht, das gesamte deutsche TV Programm einzustellen, sollten nicht zusätzliche Gelder von Seiten der Politik bewilligt werden. Das heißt im Ernstfall: Deutsche Welle ohne Deutsch! Das TV Programm würde nur noch in englischer Sprache ausgestrahlt werden.

Seit mehr als sechs Jahrzehnten berichtet die Deutsche Welle über kulturelle, politische, wirtschaftliche und gesellschaftliche Ereignisse aus deutscher Perspektive in die Welt. Das Rückgrat des internationalen Programms sind die deutschsprachigen Sendungen. Viele Magazine wurden bereits abgeschafft. Das recht erfolgreiche Magazin KINO, das über den deutschsprachigen Film berichtet, wird im April zum letzten Mal ausgestrahlt. Wir fürchten, dass nicht nur der deutschsprachige Film sondern auch Literatur, Theater etc. in einem englischen Nachrichtenkanal schwer haben werden.

Alle großen Auslandssender weltweit senden in ihrer eigenen Sprache. Aber gerade Deutschland, das sich als Kulturnation versteht, will darauf verzichten. Auch das spanische und das arabische Fernsehprogramm stehen auf der Abschussliste. Wir, Mitarbeiterinnen und Mitarbeiter der Deutschen Welle, wollen mit einem offenen Brief an die politisch Verantwortlichen die drohende Abwicklung der deutschen Sprache stoppen!

Viele Schriftsteller haben bereits unterschrieben, darunter Herta Müller, Martin Walser, Eugen Ruge, Terézia Mora, Lutz Seiler und viele andere prominente Schriftsteller.

Über Ihre Unterstützung würden wir uns sehr freuen.

Eine formlose E-mail ​an ulrike.sommer (siehe unten) ​ ​ ​genügt. ​Bitte nennen Sie Ihren Namen und gegebenenfalls Ihre Organisation/Institution.​

Ulrike Sommer
DW Deutsche Welle / Kultur
Voltastr. 6
13355 Berlin

T +49.30.4646-6801
F +49.30.4646-6805

 ulrike.sommer at

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Nov 30 2014

Michael Eskin Cofounder and Publisher Upper West Side Philosophers, Inc.

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How Writing a Novel Can Get You Fired … in London A Publisher’s Field Notes

Do you remember what happened to Marzieh Rasouli? Or to Osip Mandel’shtam and Joseph Brodsky? Let me remind you: Rasouli, a journalist, was recently sentenced to fifty lashes and two years in prison for allegedly “spreading propaganda against the system,” Mandel’stham was sent to the Gulag for writing poetry, and Brodsky was incarcerated and exiled for social parasitism. Yes, these things do happen, we know only too well – in places like Iran and Russia – but certainly not in our very midst, or do they? You be the judge.
We recently published the debut novel of London-based author Stephen Grant, A Moment More Sublime. Inspired by real-life events (which novel isn’t?) involving Richmond upon Thames College, London, where the author has, until recently, taught philosophy and been an elected representative of the University and Colleges Union, A Moment More Sublime is the fictional story of a London-based philosophy teacher, who finds himself unexpectedly embroiled in his union’s struggle against a corrupt school administration and its plans to cut jobs under the pretense of modernization and fiscal austerity, just as he and his partner are getting ready to buy a home and start a family …
No sooner had the novel been published than the author found himself caught up in the maelstrom of a totalitarian nightmare: his employer immediately initiated disciplinary proceedings against him, ostensibly, with a view to summarily dismissing him for “Gross Misconduct,” which allegedly consisted in “failing to obtain appropriate permission in relation to the publication … before entering into any agreement with the publisher,” breaching the “legal limits” of “the right to ‘express one’s opinion’,” and, more generally, not “abid[ing] by common law” in writing and publishing a novel that presumably brings Richmond upon Thames College “into disrepute.”
During one of the “Investigative Meetings” conducted by officer Yvonne G., the college’s head of HR, our author was asked: “… would you say … that the reason you did not seek permission prior to the publication of the book was because you knew if you had you would not have received the College’s permission?”

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Nov 29 2014

Alison Flood (The Guardian): “Lecturer’s campus novel gets black marks from college employer”

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Lecturer’s campus novel gets black marks from college employer

Stephen Grant has left job after dispute with Richmond-upon-Thames College, which is calling for the book to be taken off shelves.

A philosophy lecturer at a London college is struggling with the gap between reality and fiction after his former employer asked him to withdraw a novel about strike action at a corrupt school.

According to his publisher, Stephen Grant’s A Moment More Sublime features a philosophy teacher who becomes embroiled in a union campaign to resist job cuts imposed by a “corrupt school administration”. The novel was “partly inspired” by the author’s time at Richmond-upon-Thames College, where he was a union representative and “he was one of the leaders in a labour dispute” over job cuts.

So when New York imprint Upper West Side Philosophers published the novel in August, Grant approached the college to explain that he “recognised the danger that the book may be mistakenly perceived as one which was about Richmond specifically and emphasised that any dealings I had with the press would stress the college’s virtues and that the fictional college depicted in the book bore no relation to Richmond”.

“Certain trivial background details were similar, and the dispute described in the novel drew vaguely on what I had seen and heard over the years,” Grant told the Guardian. “But the narrative is entirely fictitious, and the events described are unlike the disputes I went through at Richmond.”

He was asked to stop publication, he says, and that the publisher cease selling the novel, and that all publicity for the title be withdrawn. Grant says he was also investigated under the college’s disciplinary procedure, and facing “a formal disciplinary hearing to consider whether I was guilty of gross misconduct” he resigned with immediate effect from his position “due to reasons of ill-health and because I had no confidence in the fairness of the process”.

“I was completely shocked. Rather naively, I thought they might welcome having a published author on the staff,” he said this week. “I was then further shocked when they refused any sort of possible compromise. For example, I offered to remove references to the college from the various websites on which the book is publicised and to edit the book if it attracted a British publisher. But they said I should be doing that anyway and just carried on with the disciplinary case.”

Richmond-upon-Thames College declined comment on the situation, with a spokesperson saying: “Richmond-upon-Thames College is not willing to provide any comment, as this is an internal matter and bound by confidentiality.”

Grant’s publisher Michael Eskin at Upper West Side Philosophers, however, said that what the author has gone through “is unheard of in a western democracy: a writer of fiction should not have to fear persecution and prosecution from his employer in London in 2014”.

“That Richmond-upon-Thames College had the additional temerity of attempting to pressure us, Upper West Side Philosophers, Inc … to ‘cease sales’ of the novel and ‘remove it from any advertisement’ is not only preposterous in itself, but bespeaks a blatant overstepping of institutional and, potentially, legal boundaries,” said the publisher.

Eskin also pointed to “an indelible distinction between history and fiction”. “There were as many or as few links to real life [in the novel] as there are in Anna Karenina, Lolita, Jonathan Franzen’s Freedom, or Jeffrey Eugenides’ Middlesex. In other words, like all stories we humans tell, A Moment More Sublime draws on and is rooted in real life. And this is as far as the link goes,” he said. “If one or the other reader decides to extrapolate or infer anything at all about the real world on the basis of a fictional work, that is certainly his or her right. However, it is not something that forms part of the fictional work itself.”

Grant said that he has since found another part-time lecturing position and hopes to be teaching full-time by early next year. Coverage of the controversy in the Times Educational Supplement has also, he said, led to a “sharp rise in sales”, and the novel is now being considered by British and European publishers for acquisition.

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Nov 29 2014

Michael Augustin — Buchinformation

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Michael Augustin

Schweini blutet – Deutschland tutet — WM-Gedichte

Fußball und Gedichte? Eine seltene Begegnung, aber eine überaus spannende. Der Bremer Schriftsteller und Rundfunk­redakteur Michael Augustin hat während der brasilianischen Weltmeisterschaft im Sommer 2014 das Geschehen auf und neben dem Rasen mit „poetischen Kurz­pässen“ begleitet. So nennt er seine Gedichte, die mal ein Spielergebnis kommentieren, mal das Ausscheiden einer sympathischen Mannschaft betrauern oder die Hoffnung auf den richtigen Gegner für das nächste Spiel in einen Reim kleiden. Entstanden sind so 44 kurze Texte, die in einem Zweizeiler zum deutschen Titelge­winn münden: „Schweini blutet – Deutsch­land tutet“. Das Licht der Welt haben die Gedichte auf einer Internetseite erblickt: Eine aus elf Autorinnen und Autoren bestehende Poetenmannschaft hat

während der WM den Blog „Vom Leder gezogen“ ( gefüttert. Der fleißigste Beiträger war Michael Augustin, dessen Gedichte mehr oder weniger das gesamte Turnier erzählen. Der geborene Lübecker Augustin schreibt seit mehr als dreißig Jahren Dramolette, Miniaturen, Kürzestgedichte und andere schlanke Poesie. Seine Werke wurden in zahlreiche Sprachen übersetzt. Für Radio Bremen leitet er das internationale Literaturfestival „Poetry on the Road“ und präsentiert zweiwöchentlich im Programm des Nordwestradios (Radio Bremen/NDR) die Lyriksendung „Fundsachen“. Als Fan von Werder Bremen erlebt er momentan schwere Zeiten.

Michael Augustin

Schweini blutet – Deutschland tutet WM-Gedichte

60 S., Hardcover, Illustrationen ISBN 978-3-7307-0183-6 Preis: 8,90 Euro Erschienen im Verlag Die Werkstatt

VER LAG DIE WERKSTATT · Lotzestraße 22a · 37083 Göttingen · Tel. 0551/7896510 · Fax 78965125 E-Mail:  e.brand at · Internet: Ansprechpartner Presse & Medien: Enno Brand, Tel. 0551/78965112




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Oct 09 2014

Utz Rachowski

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In diesem Herbst erhielt der deutsche Lyriker und Schriftsteller Utz Rachowski für seinen Lyrikband Miss Suki (2013) den alle zwei Jahre vergebenen Nikolaus Lenau-Preis.

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Aug 18 2014

Jürgen Fuchs Projekt

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Dieser Link führt zu einem Projekt zu Leben und Werk von Jürgen Fuchs:…

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Jun 28 2014

Aus aktuellem Anlass: “Vom Leder gezogen” –– WM 2014

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Michael Augustin

Nächster Gegner
(Algerien – Russland 1:1)

Die Wüstensöhne,
ham sich heut’
ein Herz gefasst.

Wenn diese Jungs
’ne Chance sehn,
kann’s schnell für uns
ins Auge gehn.

Russland fliegt jetzt
in die Ferien
aufgrund des Tores
von Algerien.


What’s in a Name?

Cesar! Dante!
Schall und Rauch.

Lahm & Müller
tun’s doch auch.



Stripp, strapp, strull!
Schon steht es fünf zu null.

Danach noch
zweimal nachgelegt

(und auch die Freundschaft
noch gepflegt).

Tränen will ich
nicht vergießen.

Doch schade
ums Elfmeterschießen.


Michael Augustin gibt Radio Bremen/Nordwestradio ein Interview und liest sein Gedicht… “Auswärtssieg”



Man hat nicht viel
von ihm gesehn,

dem Lütten
mit der Nr. 10.

Am Ende war’s dann
doch geschafft:

Malbec gibt’s
statt Orangensaft.


Wi sünd Dütschland*


Mein Gott,
was sind wir doch

(Das Spiel
so ganz und gar
nicht statisch.)

Und ach,
vor aller Welt


Ich will den Sieg
ja nicht entschönen.

Und mich auch gern
daran gewöhnen.

Doch warn ich
vor dem Eigenlob,

an dem sich
mancher schon verhob!


Zuviel Eigenbauchgepinsel
endet meistens in Gewinsel.


*Plattdeutsch für “Mia san Deutschland”


Dat Endspeel


Wenn dat wat warrt,

denn warrt dat wat.


Wenn dat nicks warrt,

denn weer dat dat.


Warrt dat denn wat?

Ik weet dat nich.


Man wenn dat wat warrt,

denn weet ick, wat wi warrt.


(Prosaische Übersetzung ins Hochdeutsche: Das Endspiel // Wenn das was wird, / dann wird das was. // Wenn das nichts wird, / dann war das das. // Wird das denn was? / Ich weiß das nicht. // Aber wenn das was wird, / dann weiß ich was wir werden.)


Platz drei

Auch Holland
macht Brasilien nass

und kriegt dafür
die Ananas.


(zum mühelosen 3:0-Sieg der Niederlande über Brasilien im kleinen Finale)



Schweini blutet.
Deutschland tutet.


Das Wunder von Berlin


jeht doch!


Jetz könn’ bei uns
sogar schon Flieger landen!


(Oder meenste, die Jungs
sind mitten Fallschirm abjesprungen,
als grad keena kiekte?)


© Michael Augustin, Conil de la Frontera


Weitere Gedichte zur WM 2014 siehe: dasgedichtblog

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Jun 12 2014

Günter Kunert

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Günter Kunert

Günter Kunert

Der Autor und Lyriker Günter Kunert (85) wird den mit 20 000 Euro dotierten Kunstpreis des Landes Schleswig-Holsteins überreicht bekommen. Der in Berlin geborene Autor lebt seit seiner Ausreise aus der DDR im Jahre 1979 mehr als 30 Jahren in Kaistborstel bei Itzehoe in der Nähe von Hamburg.

Zahlreiche Lyrikbände, aber auch Prosa – darunter seine Autobiografie („Erwachsenenspiele“, 1997) sowie Essays und Reisebeschreibungen hat Kunert geschrieben. Zum 85. Geburtstag brachte der Hanser Verlag im Frühjahr den Band „Fortgesetztes Vermächtnis“ mit Gedichten seit der Jahrtausendwende heraus.

Kunert ist u. a. Preisträger des Heine-Preises der Stadt Düsseldorf, des Hölderlin-Preis und des Georg-Trakl-Preises.

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Jul 25 2013

Verzeichnis der Rezensionen: Glossen 34 – 39/2013 – 2014

Verzeichnis der Rezensionen — Glossen 39 — 34/2012/2013


1. Wolfgang Müller: Ernest Kuczynsky (Hg.), Im Dialog mit der Wirklichkeit. Annäherungen an Leben und Werk von Jürgen Fuchs. Halle(Saale): Mitteldeutscher Verlag GmbH, 2014.

2. Christine Cosentino: Lutz Seiler, Kruso (Berlin: Suhrkamp,2014)

3. Theo Buck: Susanne Schädlich, Herr Hübner und die sibirische Nachtigall. Roman (München: Droemer, 2014)

4. Susanne Schädlich: Uwe-Karsten Heye, Die Benjamins. Eine deutsche Familie (Berlin: Aufbau Verlag, 2014)

5. Christine Cosentino: Cornelia Schleime, Weit fort. Roman ( Hamburg: Hoffmann und Campe, 2008; Taschenbuchausgabe München: Goldmann, 2010).

6. Gabriele Eckart: Maja Beutler, Ich lebe schon lange heute: Texte 1973 bis 2013.  (Oberhofen: Zytglogge, 2013) 390 Seiten.

7. Christine Cosentino: Uwe Tellkamp, Die Schwebebahn. Dresdner Erkundungen (Berlin: Insel Verlag, 2012)

8. Gabriele Eckart: Richard A. Zipser, Von Oberlin nach Ostberlin: Als Amerikaner unterwegs in der DDR-Literaturszene. (Berlin: Christoph Links Verlag GmbH, 2013)

9. Christine Cosentino: Jakob Hein und Jacinta Nandi, Fish’ n’ Chips & Spreewaldgurken. Warum Ossis öfter Sex und Engländer mehr Spaß haben. (Köln: Kiwi, 2013)

10. Christine Cosentino: Christoph Hein, Vor der Zeit. Korrekturen. (Berlin: Insel, 2013). 10. Rainer Stollmann: Teju Cole, Open City. A Novel (New York: Random House, 2011. Dt.: Open City. Roman (Berlin: Suhrkamp Verlag, 2012)

11. Rainer Stollmann: Zu Teju Coles Open City. Roman(New York: Random House, 2011. Dt.: Open City. Roman (Berlin: Suhrkamp Verlag, 2012)

12. Michael G. Fritz: Utz Rachowski,  Miss Suki oder Amerika ist nicht weit!  (Niederfrohna: Mironde Verlag, 2013). Mit Zeichnungen von Thomas Beurich.

13. Theo Buck:  Michael Speier, Haupt Stadt Studio. Gedichte  (Berlin: Aphaia Verlag, 2012).

14. Frederick Lubich: Charlotte Roche, Schoßgebete ( München: Piper, 2011) 283 Seiten.

15. Frederick Lubich: Ein Berliner Bilder- und Bildungsroman. Zu Gerald Uhlig-Romeros Neuerscheinung stoff.wechsel (Berlin: epubli, 2011) 124 Seiten.

16. Susanne Schädlich: Grit Poppe, Abgehauen (Hamburg: Cecilie Dressler Verlag, 2012) 336 Seiten.

17. Susanne Schädlich: Bernd Cailloux, Gutgeschriebene Verluste. Roman memoire. (Berlin: Suhrkamp Verlag, 2012) 271 Seiten.

18. Susanne Schädlich: Ulrich Bergmann, Doppelhimmel. (Bonn: Free Pen Verlag, 2012). 182 Seiten

19. Theo Buck: Hans Joachim Schädlich, Sire, ich eile. Voltaire bei Friedrich II. Eine Novelle. (Reinbek bei Hamburg: Rowohlt Verlag 2012).

20. Theo Buck: Anna Schädlich – Susanne Schädlich (Hrsg.), Ein Spaziergang war es nicht. Kindheiten zwischen Ost und West. (München: Wilhelm Heyne Verlag, 2012). 317 S.

21. Wolfgang Müller: Anna Schädlich – Susanne Schädlich (Hrsg.), Ein Spaziergang war es nicht. Kindheiten zwischen Ost und West. (München: Wilhelm Heyne Verlag, 2012). 317 Seiten.

22. Christine Cosentine: Christoph Hein: Weiskerns Nachlass. Roman (Berlin: Suhrkamp Verlag, 2011).  319 Seiten.

23. Christine Cosentino: Jens Sparschuh, Im Kasten. Roman.  (Köln: Kiepenheuer & Witsch, 2012).  224 Seiten.

24. Christine Cosentino: Volker Braun, Die hellen Haufen. Erzählung.  (Berlin: Suhrkamp, 2011)  97 Seiten.

25. Christine Cosentino: André Kubiczek, Der Genosse, die Prinzessin und ihr lieber Herr Sohn (München, Zürich: Piper, 2012). 479 Seiten.

26. Christine Cosentino: Lutz Seiler, Die Zeitwaage. Erzählungen. (Frankfurt/M.: Suhrkamp, 2009). 285 Seiten.

27. Christine Cosentino: Julia  Schoch, Selbstporträt mit Bonaparte  (München: Piper, 2012) 142 Seiten.

28. Gabriele Eckart: Edwin Kratschmer, Wahnwald.  (Stadtroda: UND Verlag, 2011). 249 Seiten.



Ernest Kuczynsky (Hg.), Im Dialog mit der Wirklichkeit. Annäherungen an Leben und Werk von Jürgen Fuchs. Halle(Saale): Mitteldeutscher Verlag GmbH, 2014. Diese von dem jungen polnischen Germanisten Ernest Kuczynsky herausgegebene Anthologie zum literarischen Werk, mutigen Leben und politischen Wirken des Autors, Psychologen und Bürgerrechtlers Jürgen Fuchs erschien mit Unterstützung der Heinrich Böll Stiftung 15 Jahre nach seinem Tod. Es ist neben der von Ulrich Scheer im Jahre 2007 veröffentlichten Biografie Jürgen Fuchs. Ein literarischer Weg in die Opposition. Inhaftiert in Hohenschönhausen ein notwendiges Buch. Das gilt besonders für die jüngere Generation, die kaum noch Erinnerungen an die Zeit hat, in der die Stimme von Jürgen Fuchs von großer Bedeutung für alle Menschen in der DDR war, die eine Umgestaltung des kleineren deutschen Teilstaates, den Fall der Berliner Mauer und letztlich auch die Vereinigung Deutschlands wollten.

Im Dialog mit der Wirklichkeit ist seinem Andenken und Vermächtnis gewidmet. Es ist ein lesenswertes und facettenreiches Buch, geschrieben von fast vierzig Autoren, deren Leben von seinem schriftstellerischen Werk und seinem mutigen Kampf gegen die Diktatur auf die eine oder andere Art tief berührt und verschiedentlich auch verändert wurde. Die Beiträge dieser Anthologie sind weitgehend kenntnisreich und gut geschrieben. Ernest Kuczynsky hat sie drei Hauptteilen zugeordnet. Im 1. Teil geht es um Jürgen Fuchs als dem “Kämpfer gegen das Vergessen”, der 2. Teil analysiert die “engagierte Literatur der Erinnerung” und der 3. Jürgen Fuchs’ “biographische Stationen zwischen Ost und West”.

Aus verschiedenen Quellen und Perspektiven erfährt man, dass Jürgen Fuchs ein feinfühliger, emphatischer und mutiger Mensch war. Schon als Oberschüler schrieb er unter dem Einfluss des Lyrikers Reiner Kunze, der ihm zu einem älteren Freund und Förderer wurde, ddr-kritische Gedichte. Ob in Reichenbach, seinem Geburtsort oder später in Jena und Berlin bildeten sich um ihn politische Freundeskreise, oder er schloss sich solchen an, wie z. B. in Berlin dem um Wolf Biermann und Robert Havemann, die Veränderungen in der DDR vorantreiben wollten, wie sie sich schon während seiner Schulzeit im “Prager Frühling” 1968 andeuteten, aber letztlich von den Panzern des Warschauer Paktes niedergewalzt wurden.

So sensibel und mutig er in allem auf die entwürdigenden Unterdrückungsmechanismen in der DDR reagierte, sagte er sich nie von der Vision eines demokratischen Sozialismus los, da er, der sich auch als Christ verstand (97), wie er später Esther Dischereit anvertraute, diesen für die den Menschen angemessene Gesellschaftsform hielt.

Trotz Haft, schwerster psychologischer Zersetzungs- und Mordversuche durch die Stasi, waren sein Festhalten an den Ideen von Freiheit und Demokratie, seine Integrität und seine Standhaftigkeit kennzeichnend für diesen aufrechten Vogtländer; Doris Liebermann z. B. hat das äußerst eindringlich in ihrem Interview “Landschaften der Lüge — Gespräch mit Jürgen Fuchs” zum Ausdruck gebracht. Einen NPD-Wähler, wie ihm das Vernehmer Nr. V, Peter Grünstein, Sohn des damaligen Stellvertretenden Innenministers der DDR, im Stasiknast Hohenschönhausen prophezeit hatte, hat man aus ihm nicht machen können. (Fuchs, Vernehmungsprotokolle, Berlin: Rowohlt Verlag 1978)

Auch war es ihm gerade wegen der Bedrängungen durch die staatlichen Institutionen der DDR und seiner in dieser Situation notwendigen Härte sich selbst gegenüber an seinem Humor fest zu halten, der ihm ein unabdingbarer Bestandteil der menschlichen Freiheit war, wie Adam Zagajewski schrieb. (49) Auch Roland Jahn erinnerte sich: “Wenn ich an Jürgen denke, fällt mir als erstes sein Lächeln ein.” (58)

Sein Lächeln und sein Humor wurde nicht allen offenbar. So betitelte Helga Hirsch ihren Beitrag zur Anthologie “Der Unnachsichtige unter den Aufrechten”, eine Beurteilung, die möglichweise auch andere unterschrieben hätten. Seine nahen und fernen Freunde kamen, wie sich in den Beiträgen zeigt, aus verschiedenen politischen Richtungen und gefühlsmäßigen Dispositionen. Gut jedoch, dass sie alle zu Worte kamen.

Ein sich rührend kümmernder Freund für Hilfesuchende und Hilfe Benötigende war er im Osten und blieb er auch nach seinem und dem “Verkauf”, wie er es damals empfand, seiner kleinen Familie in den Westen allemal — Hans Joachim Schädlich z. B., der nach ihm in den Westen kam, nannte ihn, auf sich bezogen, einen Samariter (120). Dass er und seine Frau Lilo den so genannten Problemkindern im Moabiter Projekt “Waldstraße” ein zweites Zuhause schufen, wie Christa Moog in ihren Erinnerungen schreibt, bestätigt Schädlichs dankbares Urteil in einem anderen Kontext noch einmal. Die Wärme des Textes von Utz Rachowski, dem er schon ein Reichbach ein Freund wurde, spricht ein Übriges.

Es ist schwer möglich, in der Rezension einer Anthologie allen Beiträgen gerecht zu werden. Doch sei wenigstens noch auf zwei feinfühlige und sich einfühlende Beiträge zu seinem literarischem Werk verwiesen, die von Autoren geschrieben wurden, die selbst mit den “Segnungen” der Diktatur sehr vertraut sind, nämlich Herta Müllers “Blick der kleinen Bahnstationen” und Helmuth Frauendorfers, “‘Versteht auch mein Schweigen’ Lyrik des sparsamen Wortes”, die unabdingbar sind, will man diesen manchmal übersehenen Aspekt seines Wirkens in seiner ganzen Tiefe verstehen — Es ist eine bleibende Schande, dass sich die Deutsche Akademie für Sprache und Dichtung nicht dazu durchringen konnte, ihm für sein Gesamtwerk den Georg-Büchner-Preis zu verleihen.

Es ist außerordentlich schade, dass Jürgen Fuchs diese von Mitstreitern gegen die Diktatur, von Freunden, Autoren, Literaturwissenschaftlern und Journalisten geschriebene Anthologie nicht vor seinem frühen, möglicherweise von den Todesstrahlen der Staatssicherheit verursachten, Tod in der Hand halten konnte. Die hier zum Ausdruck kommende Achtung und hohe Wertschätzung seines bedeutenden schriftstellerischen Werkes, mutigen Lebens und politischen Wirkens hätten ihn trotz der ihm eigenen Bescheidenheit ganz sicher gefreut.

Wolfgang Müller


Lutz Seiler, Kruso (Berlin: Suhrkamp, 2014). Im Jahre 2014 veröffentlichte Lutz Seiler, der bisher primär als Autor von Lyrik und Kurzprosa bekannt war, seinen ersten Roman, Kruso. Für diesen Debütroman erhielt er den Deutschen Buchpreis. Der 1963 in Gera geborene, in der DDR sozialisierte Autor, der weitgehend in seinen Werken aus dem Erfahrungsbereich seiner Sozialisierung schöpft, schien der passende Träger dieses Preises zu sein, denn im Herbst 2014 jährte sich das Ereignis des Mauerfalls zum 25. Mal. Man denkt zunächst an einen Wende-Roman, und in der Tat ist die DDR als Folie in diesem Roman durchgehend präsent. Die Handlung endet auch mit der Wende von 1989 und erzählt doch eine ganz andere Geschichte. Es geht um das Konzept einer Gegengesellschaft, deren Schauplatz die Insel Hiddensee ist. Hiddensee wird als letzter Ort der Freiheit erlebt: “Wer hier war, hatte das Land verlassen, ohne die Grenze zu überschreiten.” In einem Interview äußerte sich Seiler über die nur 50 Km von der dänischen Insel Møn entfernte Insel und deren Stellenwert im Denken von Aussteigern, Abenteurern, Abtrünnigen, Antragstellern und “Flüchtlingen in spe”, kurz von all jenen “Schiffbrüchigen”, die aus dem reglementierenden Rahmen der DDR herausfielen und sich dem politischen Druck entziehen wollten: “ Die Insel war der Sehnsuchtsort überhaupt im Osten. Für die allermeisten. Es war die einzige Insel, der Gipfel an Exotik, unbeschädigte Landschaft, am äußersten Rand der Republik. Und dann diese Freiheitserfahrung, … eine Freiheitsmagie, eine Freiheitsstrahlung.” Damit wird Hiddensee zu einer Art “Szene”, in der Konzepte individueller, existenzieller und politischer Freiheit unter gesellschaftlichen Zwängen durchgespielt und kritisch durchleuchtet werden. Kruso ist sowohl Abenteuer- als auch Bildungsroman, der um eine Männerfreundschaft kreist. Alexander Krusowitsch, genannt Kruso, der halb russischer und halb deutscher Herkunft ist, steht im Zentrum des alternativen Freiheitsbundes. Seine Philosophie schöpft aus dem Trauma des Verlustes seiner Schwester, die bei einem Fluchtversuch im Wasser an der Küste Hiddensees verschwunden ist. Dieser Robinson findet in Gestalt des ähnlich traumatisierten Germanistikstudenten Edgar Bendler seinen Freitag, denn auch dieser hat bei einem tödlichen Unfall seine Freundin verloren. Wie ein roter Faden zieht sich die Erinnerung an den Verlust durch die Handlung, reflektiert im häufigen Zitieren des Traklschen Schwester-Gedichts “Sonja”. Der Verweis auf Daniel Defoes Robinsonade für diese Männerfreundschaft ist jedoch nur oberflächlicher Art. Die starke Verbundenheit von Mentor und Schüler fußt zwar auf einem Verlusterlebnis und auf der gemeinsamen Liebe zur Poesie wilder gequälter Seelen wie Trakl, Rimbaud und Artaud: “Poesie war Widerstand.” (217) Ist die Insel für Edgar jedoch ein Ort, an dem er realitätsentbunden und willenlos dahintreibt – “Ich möchte einen Platz auf der Welt, der mich aus allem heraushält” -, so ist sie für Kruso der Schauplatz der Entgrenzung des Ich, an dem er missionarisch seiner ganz aufs Innere gerichteten Freiheitssehnsucht Ausdruck gibt. Er will Wagemutige von ihren Fluchtplänen abhalten, da er den Westen als die falsche Verheißung von Freiheit sieht. Stattdessen weist er auf ein entgrenzendes verinnerlichtes Hiddensee: “Das ist Hiddensee, verstehst du, hidden – versteckt? Die Insel ist das Versteck, die Insel ist der Ort, wo sie zu sich kommen, wo man zurückkehrt zu sich selbst, das heißt zur Natur, zur Stimme des Herzens, wie Rousseau es sagt. Niemand muss fliehen, niemand ertrinken. Die Insel ist die Erfahrung. Eine Erfahrung . Eine Erfahrung, die es ihnen erlaubt, zurückzukehren, als Erleuchtete; ergo: “Die Freiheit ist die Wurzel, die jeder in sich trägt.” In einer Untergrundatmosphäre von Pathos, freiem Sex, Partys, Drogen und literarischen Ritualen ist die Betriebsgaststätte “Klausner” die Stätte der Krusoschen Verkündigungen. Sie, die zum Zufluchtsort der “Schiffbrüchigen” wird, gleicht einem “trunkenen Schiff”, das frei und ohne Zwänge dahintreibt. Einführung in die alternative Gegenwelt der Erleuchteten bedeutet für Edgar Arbeit als Tellerwäscher im Abwaschraum des “Klausners”. Hier versammeln sich gesinnungsähnliche Saisonarbeiter, zumeist Intellektuelle oder Künstler, die aus widerlichen Details und üblen Gerüchen Dichtung machen. In einer Mischung von mythisch Surrealem und extremem Realismus beschwört Seiler die von verstopftem Abfluss, Schmutz, faulenden, glitschigen Speiseresten und faulendem Wasser beherrschte Arbeitswelt der Tellerwäscher. Verfall nimmt die Gestalt eines Lurches an, ein hinter Abflussgittern sich verbergendes mythisches Ungeheuer. In diese Atmosphäre des Verfalls tönen die Nachrichten aus einem alten Röhrenradio, genannt Viola, die von der Flucht von DDR-Bürgern in bundesdeutsche Botschaften berichten und letztlich vom Fall der Mauer. Auflösung und Verfall im Abwaschraum korrespondiert mit dem Ende eines Staates. Die Erleuchteten verlassen einer nach dem anderen das sinkende Schiff, nur Kruso und Edgar bleiben. Der todkranke Kruso nimmt Edgar das Versprechen ab, den vielen auf der Flucht Ertrunkenen nachzuspüren, und in einem Epilog begibt sich der Autor zwei Jahrzehnte später in die zuständigen dänischen Archive und findet Spuren. Der Roman berichtet, scheinbar nebensächlich, von der Auflösung der DDR und vom Ende einer Utopie, die auf Selbsttäuschung fußt.   Seiler schafft eine verwunschen wirkende Extrawelt des Widerstands. Der Roman zeichnet sich durch Intensität und Genauigkeit der Sprache aus. Mythisch überhöhte Details einer naturalistisch erlebten Realität fungieren im Kreis der Erleuchteten als Komponenten eines Kults der Hässlichkeit. Kruso ist k/ein Wenderoman. Die kultisch erlebte Zwischenwelt lässt in einem offenen Assoziationsraum vieles in der Schwebe. Enträtselungen werden dem Leser überlassen. Kruso ist ein entzauberndes und sprachlich bezauberndes Werk, ein Lesevergnügen.

Christine Cosentino


Susanne Schädlich, Herr Hübner und die sibirische Nachtigall. Roman. (München: Droemer, 2014) Nach zwei stark persönlich geprägten Büchern – “Immer wieder Dezember. Der Westen, die Stasi, der Onkel und ich“ (2009) und “Westwärts, so weit es nur geht. Eine Landsuche“ (2011) – legt die Autorin nun im gleichen Verlag einen Roman vor, in dem sie zwei exemplarische Lebensläufe vor dem ebenso widerwärtigen wie leidvollen Hintergrund kommunistischer Menschenverachtung zu Zeiten der Sowjetunion und der ‘Deutschen Demokratischen Republik‘ nachzeichnet. Dietrich Hübner, ein junger, von Freiheit, Demokratie und Humanismus träumender Idealist und die politisch nicht interessierte Mara Jakisch, eine bekannte Operettensängerin und Schauspielerin der dreißiger Jahre, geraten 1948 in die Fänge der politischen Polizei im Bereich der sowjetischen Besatzungsmacht. Beiden wird unterstellt, für die Westmächte zu spionieren. Im Falle Hübners genügt es, daß der zu diesem Zeitpunkt 21-jährige in der Liberal-Demokratischen Partei (LDP) der sowjetischen Zone tätig ist. Im Falle der Mittvierzigerin Mara Jakisch macht sie ein Besuch bei einer alten Bekannten in Berlin, bei der auch Amerikaner verkehrten, für den russischen Geheimdienst verdächtig. Beide treffen zufällig für kurze Zeit im Dresdener Gefängnis zusammen, wo sie sich als Zellennachbarn durch Klopfzeichen verständigen können. Einmal hatte Hübner sie “auf der Bühne gesehen: … Ein Engelsgesicht“, jetzt waren sie jeglicher Willkür ausgesetzte Leidensgenossen. Zu einer wirklichen Begegnung zwischen ihnen kann der bloße Klopf-Kontakt naturgemäß nicht führen. Ohnehin trennen sich ihre Wege wieder. Beide werden zu 25 Jahren Haft verurteilt. 1950 wird Hübner als “Strafgefangener 290 B“ nach Bautzen verlegt, später nach Brandenburg-Görden. Mara bleibt im russischen Gewahrsam; sie kommt ins sibirische Straflager. Beide sehen sich um einen wesentlichen Teil ihres Lebens betrogen. Beide haben fortwährend den Tod vor Augen. Aber sie schreiben emotionale, lebensbejahende Gedichte für sich auf. Im Roman wird beider Leidensweg in hart gereihter, parallel gefügter Faktenfolge wiedergegeben, die deutlich spürbar auf gründlicher Quellenkenntnis basiert. Der Leser sieht: GPU und Stasi können sich in Sachen Gemeinheit, Perfidie, Brutalität und Perversion das Wasser reichen. Andeutend und mehr noch im mitschwingenden Subtext schildert Susanne Schädlich ebenso den mühsam geführten Kampf der hilflos Ausgelieferten, sich ihrer schlimmen Situation zum Trotz über die Jahre hin ihr Menschsein unbedingt zu erhalten. Hierdurch wird die genau dokumentierte Häftlingschronik zugleich zum tröstlichen Nachweis bewahrter Menschenwürde. Hübners widerständige Kraft, keine Kompromisse einzugehen, und der Gesang der “sibirischen Nachtigall“ werden zu Zeichen menschenmöglicher Bewährung unter qualvollen Leiden und verbrecherischen Schikanen. An einer Schlüsselstelle des Romans lesen wir das Fazit: “Man muß sie geschmeckt haben, diese Jahre“. Susanne Schädlich ist es jedenfalls gelungen, das “Schmecken dieser Jahre“ zwingend an die Leser weiterzugeben. Insgeheim hat sie in souveräner Erzählbewegung zwischen den Gattungen Roman, Bericht und Chronik anrührende humane Beweise für uns festgeschrieben. Martin Lüdke bezeichnete einmal ihr Buch “Immer wieder Dezember“ sehr zu Recht als ein “Lehrbuch deutscher Nachkriegsgeschichte“. Mit ihrem neuen Roman hat sie aus einem notwendigen ‘Lehrbuch kommunistischer Menschenverachtung‘ im vorgeblich ‘real existierenden Sozialismus‘ wie nebenbei – und das bezeugt ihr literarisches Können – eine wegweisende Ermutigung zum Weiterleben in Freiheit gemacht.

Theo Buck


Uwe-Karsten Heye, Die Benjamins. Eine deutsche Familie (Berlin: Aufbau Verlag, 2014) “Der Begriff des Fortschritts ist in der Idee der Katastrophe zu fundieren, daß es ‚so weiter’ geht, ist die Katastrophe. Sie ist nicht das jeweils Bevorstehende, sondern das jeweils Gegebene.” (Walter Benjamin, Zentralpark. In Walter Benjamin, Gesammelte Schriften. Bd. I, 2, S. 683.   Liest man das Buch Die Benjamins – eine deutsche Familie, sind diese Sätze aus der Feder des deutschen Philosophen und Literaturkritikers Walter Benjamin nicht nur mehr geschichtsphilosophisch zu verstehen. Sie klingen fast prophetisch schicksalhaft und scheinen untrennbar mit den Lebenswegen der Benjamins verbunden, der Geschwister Walter, Dora und Georg, und dessen Ehefrau Hilde Benjamin, geborene Lange. Anhand bisher unbekannten Materials (Briefe, Tagebuchnotizen und andere Aufzeichnungen) aus dem Nachlass Hilde Benjamins, das deren Schwiegertochter Ursula Benjamin Heye anvertraut hat, versucht der Autor ein Gesamtbild der prominenten Familie zu zeichnen. Von deutschen Leben ist also zu erzählen, von Biografien mit Folgen und Irrtümern ist hier zu berichten. Sie wollten eine gerechtere und humanere Welt als die, die sie vorfanden. Sie waren auf der politischen Linken zu finden und zeigten sich abgestoßen von der rassistischen Menschenfeindlichkeit der Nazis. Geboren um die Wende zum 20. Jahrhundert, wollten sie ihr Schicksal selbst in die Hand nehmen, das geprägt ist von Herkunft und späterer Überzeugung. Eine Familiengeschichte. (Heye, 35″. Zunächst also Walter, Georg und Dora, Kinder wohlhabender, gebildeter, jüdischer Eltern. Sie wachsen in einem assimilierten Milieu auf. Der erste Weltkrieg ist der Bruch mit der Welt, wie sie war, der durch eine ganze Generation geht. Dieser Bruch erfasst auch die Geschwister. Im Chaos der Weimarer Republik erwacht ihr politisches Bewusstsein. Sie schwärmen von einer Gesellschaft ohne Unterdrückung und für den Kommunismus. Besonders Georg, der Mitglied der KPD ist. Als Kinderarzt engagiert er sich für die sozial Schwachen. Ebenso seine Schwester Dora; sie ist Sozialforscherin. Walter findet durch die lettische Schauspielerin Asja Lacis zum Marxismus. Er reist nach Moskau, befreundet sich mit Brecht, kennt Adorno, Horkheimer und arbeitet für die Zeitschrift für Sozialforschung. Da ist er schon vor den Nazis nach Paris geflüchtet. 1940 nimmt er sich in Frankreich das Leben. ”eine existentielle Entscheidung“, wie er notierte. Dora, auch sie war aus Deutschland geflohen, stirbt 1946 im Schweizer Exil. Hilde lernt Georg Benjamin in den 1920ern kennen. Sie verlieben sich, heiraten. Hilde Benjamin, schon 1927 hat sie eine eigene Anwaltskanzlei in Berlin, ist wie ihr Mann in der KPD. Am ausführlichsten widmet sich Heye ihr, die später als Vizepräsidentin des Obersten Gerichts der DDR (von 1949 -1953) und bis 1976 Justizministerin – berühmt und berüchtigt – wurde. 1933 wird ihr Mann als Jude und Kommunist in Schutzhaft genommen, kommt ins KZ Sonnenburg. Hilde Benjamin erhält Berufsverbot. Die Angst um den Sohn Mischa, der nach den Nürnberger Gesetzen “Halbjude” ist, die Angst um den geliebten Mann, der ihr nicht nur politisch ein Vorbild ist, sondern wesensverwandt, bestimmen sie. Georg kommt noch einmal frei. 1936 die erneute Verhaftung. Dann Zuchthaus Brandenburg, von dort ins KZ Mauthausen, wo er stirbt. Hilde Benjamin nimmt ihren Mädchennamen Lange an, um den Sohn zu schützen. Beide überleben. Heye sucht eine Erklärung dafür, wie aus der Tochter aus liberalem Elternhaus die fanatische “rote Hilde” wurde. Als “rote Hilde vom Wedding” war sie schon in den 20er Jahren bekannt, die Bezeichnung war keine Erfindung der Adenauerschen „BRD“, wie Heye suggeriert. Den Begriff Unrechtsstaat für die DDR setzt Heye stets in Gänsefüßchen, er lobt das von Hilde Benjamin mitgestaltete DDR-Familienrecht, das im Westen seinesgleichen gesucht hätte und „nach der Wiedervereinigung im Westen beerdigt wurde“ und kommentiert: Der Blick auf den Kern der DDR-Bildungspolitik – wenn man die ideologisch begründete Semantik rund um die ’Arbeiter- und Bauernfakultäten’ weglässt – könnte durchaus anregend sein. (Heye, 220) In der frühen DDR saß Hilde Benjamin Naziverbrechern gegenüber vor Gericht, verurteilte dann gnadenlos so genannte Feinde des SED-Regimes. Sie fällte Todesurteile. Wie ist der Hilde Benjamin dieser Zeit näher zu kommen? Wie zu verstehen, was sie angetrieben hat, was war ihre Prägung, was hat das blutige 20. Jahrhundert aus ihr gemacht? (Heye, 115) Oft kommen die Reflexionen des Autors mildernd daher, hinterlassen einen merkwürdigen Beigeschmack: Hilde Benjamin… […]wusste natürlich, dass ihre Prozesse und deren propagandistische Wirkung auch die Funktion hatten, einer Bevölkerung klarzumachen, dass es für jeden Einzelnen vorteilhaft war, den SED-Staat zu unterstützen.(Heye, 204) Es war durchaus ”vorteilhaft“ – schnell geriet man ins Visier der Staatssicherheit und nicht selten ins Gefängnis. Liest man Protokolle von Prozessen, in denen Hilde Benjamin den Vorsitz hatte, erinnert ihr Duktus an den Nazirichter Roland Freisler, dessen Unterschrift unter dem Diktat ihres Berufsverbots von 1933 stand. Gut beraten wäre der Autor gewesen, die Biografie nicht als Mittel zum Zweck eigener Reflexionen zu benutzen. Die seitenlangen Ausschweifungen über seine politischen Ansichten wirken störend, ja: aufdringlich, und haben in einer Biografie nichts zu suchen. Denn immer dann, wenn Heye sich ausschließlich den Benjamins widmet, in die Zeit eintaucht, aus Briefen und Aufzeichnungen schöpft, ist das Buch stark. Schön die Stellen, an denen sich der Autor in die Protagonisten einfühlt, so in Walter Benjamin, in der Nacht vom 26. auf dem 27. September 1940, für Heye eine Chiffre für den Lebenskampf: Nachtkühle. Ein kurzer Hang. Seine Schritte hinauf und hinunter sind verhalten. Er weiß, dass sein Herz mitmachen muss. Er atmet schwer, fröstelt und hofft, dass die Bewegung gegen die Abendkühle hilft.(Heye, 83) Oder wenn er beschreibt, wie Hilde Benjamin ihren Mann konspirativ beim Zwangsarbeitseinsatz für Gleisarbeiten der Reichsbahn aufsucht. Hilde Benjamin lief die Böschung hinunter, umging die Baubude, in der sie Aufsichtspersonal vermutete, und durchquerte das Waldstück so, dass sie wieder auf der Höhe des Bahnsteigs und der Baustelle herauskam. Zeitgleich hatte sich Georg in Bewegung gesetzt.(Heye, 163) Manchmal jedoch versteigt sich Heye, zum Beispiel wenn er auf den Spuren Georgs das KZ Mauthausen besucht. An diesem Tag ist man plötzlich eingereiht und wird zu einer der Elendsgestalten, die halb verhungert vor mehr als siebzig Jahren aus den Eisenbahnwaggons am Bahnhof von Mauthausen kletterten […] (Heye, 145) Die Vergangenheit erklärt vielleicht das Handeln, auch das einer Hilde Benjamin. Eine Relativierung ihres Handelns und der SED-Diktatur, wie die Biografie sie nahelegt, verbietet sich. Die Linie verläuft nicht zwischen schlimm und schlimmer, sondern zwischen Diktatur und Demokratie, wie Der Historiker Hubertus Knabe, Direktor der Gedenkstätte Berlin-Hohenschönhausen, kürzlich sagte. Hilde Benjamin hat nach 1945 keine demokratischen, sondern diktatorische Konsequenzen gezogen. Wie hatte Walter Benjamin geschrieben? “Der Begriff des Fortschritts ist in der Idee der Katastrophe zu fundieren, daß es ‚so weiter’ geht, ist die Katastrophe.”

Susanne Schädlich


Cornelia Schleime, Weit fort. Roman (Hamburg: Hoffmann und Campe, 2008; Taschenbuchausgabe München: Goldmann, 2010). Im Jahre 2008 veröffentlichte Cornelia Schleime, die als Malerin bekannt ist, ihren ersten Roman Weit fort. Der Roman ist autobiografisch grundiert. Schleime, 1953 in Ostberlin geboren, studierte von 1975-1980 Grafik und Malerei in Dresden. Hier lernte sie den Dichter und Musiker Sascha Anderson kennen, mit dem sie nach Ostberlin zog, wo sie in die künstlerisch oppositionelle Szene am Prenzlauer Berg eingebunden war. Schleime hatte als nichtstaatskonforme Künstlerin seit 1981 Ausstellungsverbot und wurde von der Stasi permanent bespitzelt. Ihrem vierten Ausreiseantrag wurde stattgegeben, und 1984 reiste sie mit ihrem Sohn nach Westberlin aus. Nach dem Fall der Mauer nahm sie in ihre Akten Einsicht und musste feststellen, dass sie von ihrem besten Freund Sascha Anderson jahrelang bespitzelt worden war. Das Thema ihres Romans hakt hier ein. Es geht um Verrat, Schock und Trauma, und das im doppelten Sinne, denn per Partnersuche im Internet lernt sie wiederum einen Mann kennen, von dem sie glaubt, dass er eine Stasi-Vergangenheit hat. Eine Künstlerin, die sich Clara nennt, die aber deutlich erkennbar ist als Cornelia Schleime, lernt einen Mann namens Ludwig kennen, der als Wettervorhersager bei einem süddeutschen Fernsehsender arbeitet. Er ist ebenfalls aus Ostberlin, spricht aber wenig über seine Vergangenheit. Die beiden verlieben sich, korrespondieren wochenlang, dann kommt es zu zwei Begegnungen, bei denen sich die Liebe zu steigern scheint. Doch etwas stimmt nicht. In Ludwigs Erzählungen bei einem Besuch im früheren Ostberliner Nobelviertel Hessenwinkel, wo er wohnte, gibt es auffallende Leerstellen.  Als sie ihm einen Dokumentarfilm über den Verrat und die Enttarnung des Spitzels aus Freundestagen zeigt, weicht Ludwig aus, schweigt, und verschwindet dann völlig aus ihrem Leben. Schließlich ruft sie ihn an und ringt ihm die Erklärung ab: “Es gibt solche Komplikationen, aber ich kann darüber nicht sprechen [ …] Es gibt bei mir so etwas, das ist so kompliziert. Es gibt Komplikationen.” Hat die Begegnung mit dem Stasi-Opfer Clara etwas in ihm freigesetzt? War Ludwig selbst ein Spitzel, der die Enttarnung fürchtet? Leidet Clara an Verfolgungswahn? Ist sie Opfer ihres Misstrauens den Menschen gegenüber? Der Roman gibt keine Antwort. Ludwigs Identität bleibt ein Rätsel. Die vom Titel suggeriert Ferne, Weit fort, ist gleichzusetzten mit unmittelbarer Nähe, denn das Destruktive des Stasi-Apparates wirkt fort: Misstrauen, Verdacht, Angst vergiften die Gefühle der Protagonistin und das Geschehen um sie herum auch weiterhin. Der Band ist schlank, als habe es der Autorin die Sprache verschlagen, als gäbe es nichts mehr zu sagen. Schleime ist Malerin, und auf dem Umschlag des Buches befindet sich das Abbild eines ihrer Frauenporträts: eine junge Frau mit einem Blumenkranz im Haar und einer Blume im Mund blickt nachdenklich forschend in die Ferne. Schleime bedient sich in ihren Reflexionen eines metaphernreichen, malerisch “blumigen” Stils, was dem Roman nicht immer dienlich ist. Stilblüten und sprachliche Entgleisungen gibt es so einige.  Trotzdem ist er zu empfehlen, denn das Thema ist brisant und noch lange nicht abgeschlossen, zeigt es doch, wie die Zerstörungsmechanismen der Stasi ins Private übergreifen und wie seelische Erschütterungen wohl auf Lebenszeit fortwirken.

Christine Cosentino


Maja Beutler, Ich lebe schon lange heute: Texte 1973 bis 2013 (Oberhofen: Zytglogge, 2013) 390 Seiten.

Die Schweizer Schriftstellerin Maja Beutler ist 1989 weithin bekannt geworden als die Schöpferin der Doña Quichotte, die als Malerin gegen die Windmühlen der Schweizer Männerwelt in den Kampf zieht.  Die Erzählung gilt als eines der wichtigsten Anfänge weiblichen Schreibens in der Schweiz.  Im 2013 erschienenen Band Ich lebe schon lange heute legt die Autorin elf neue Erzählungen vor und dazu einige, die schon früher veröffentlicht wurden.  Unter den älteren, hier frisch publiziert, ist die wichtigste fraglos “Das Werk oder Doña Quichotte”. Die neuen Texte kreisen hauptsächlich um die Themen Familie, Kindheit und Tod. “Kinderszenen” über das Sterben eines kleinen Jungen, dem die Mutter noch den Begriff Gott zu erklären versucht (“Gott ist auch alles andere, alles, was wir nicht sagen.  Nur so hat Gott eine Möglichkeit”) beeindruckt mich am meisten; das philosophische Thema Sprachkrise wird hier angeschnitten.  Sehr aktuell in Hinsicht auf das Thema Migration finde ich “Traubengold” — die Geschichte eines Mannes, der, in der Schweiz geboren, Schweizer zu werden versucht; seine Eltern stammen aus Österreich und Italien, und er rackert sich ab, bis er es schafft am Ende. Poetisch verdichtet und zugleich mit Dokumenten in der Amtssprache versetzt, erzählt Maja Beutler von bürokratischen Scherereien und den Vorbehalten alteingesessener Schweizer diesem “Ausländer” gegenüber. Beutlers Texte in diesem Band sind thematisch in fünf Gruppen geordnet.  Die letzte Gruppe mit dem Titel “Politisches Fragespiel” enthält eine sehr informative Frageliste an alle Schweizer über den Zusammenhang zwischen der Schweizer Geschichte und der gegenwärtigen Politik, zu der auch das Sich-Fernhalten von der Europäischen Union gehört.  Der fünfseitige Text ist ein ideales Unterrichtsmaterial, falls Sie hier in Amerika “die Schweiz” unterrichten müssen! Den Band schließt ein Interview ab, das die Autorin dieser Rezension 2010 mit Maja Beutler geführt hat, “Don Quixote im Rock”. Es geht darin nicht nur, wie der Titel suggeriert, um Beutlers feministische Don Quichotte-Rezeption, sondern auch um Ostdeutschland.  Beutler war dort auf Reisen, vor und nach der Wende, und machte sich ihre Gedanken über das, was sie sah und hörte – ein erfrischend fremder, eben “schweizerischer” Blick auf das eigenartige Land DDR, der uns, die wir in den Erinnerungen zu nahe daran kleben, oft fehlt.

Gabriele Eckart


Uwe Tellkamp, Die Schwebebahn. Dresdner Erkundungen (Berlin: Insel Verlag, 2012).

Der 1968 in Dresden geborene Autor Uwe Tellkamp wendet sich auch in diesem Werk einem Sujet zu, das ihm zutiefst vertraut ist und das er bereits in seinem Monumentalroman Der Turm (2008) beschrieben hatte: den Dresdner Lokalitäten, der Architektur, den Attraktionen, darunter Schwebebahn und Standseilbahn. Tellkamps Titel bezieht sich auf die reale Schwebebahn, die den Stadtteil Loschwitz mit den Höhenlagen von Oberloschwitz verbindet. Der Turm des Maschinenhauses der letzten Station, der Bergstation, bietet dem Spaziergänger/Ich-Sprecher/Autor ein eindrucksvolles, blickerweiterndes Stadtpanorama. Um eine eher blickverengende Perspektive dagegen handelte es sich in Tellkamps (Elfenbein?)Turm – Roman, in dem gleich zu Anfang der Handlung die Hauptfigur Christian in der Dresdner Standseilbahn dem Stadtteil Weißer Hirsch zustrebt, in dem das Dresdner Bildungsbürgertum zu DDR-Zeiten seine abschottende Nische gefunden hatte. Zwei Blickrichtungen, zwei Perspektiven, zwei Versuche, mit Erinnerungen umzugehen und Vergangenes im Gegenwärtigen zu erkennen. In 33 Kapiteln, in denen Fotografien von Werner Lieberknecht eingestreut sind, erkundet der der Stadt zugewandte Flaneur der Schwebebahn “unterliegende Schichten, Verborgenes, der gegenwärtige Augenblick schiebt sich wie ein Prisma über Bruchstücke der Vergangenheit und ordnet sie zu vorläufigen Kaleidoskopen.” Er spürt, “dass eine Stadt durch ihr Lebendiges galt und Bedeutenderes umfasste als ein Ensemble von Gegenständen, Lokalitäten und mehr oder weniger charakteristisch zu einem Stil zusammengefügten Steinen. Eine Stadt – eine Summe der Augenblicke, die blieben, an die man sich erinnerte.” Es ist das Historische, das “stark beschwörende Magnetfeld” seiner Heimatstadt, das ihn im Bann hält. Und so spürt er, der als Kind und Jugendlicher noch die DDR und die sowjetische Besatzungspolitik erlebte, den Orten nach, die es nicht mehr gibt, die aber dennoch im Gedächtnis fortwirken. Tellkamp schreibt von wechselnder Perspektive. Er schlüpft in die Rolle eines zehn- oder elfjährigen Jungen, später dann spricht der Erwachsene. Das erste und letzte Kapitel der Dresdner Erkundungen blenden geschickt ineinander ein. Auf dem Dachboden lebt der Junge in eisiger Kälte eines erinnerten Winters unter den mit Landkarten beklebten Dachschrägen in einer kindlichen Phantasiewelt, die von fiktiven Kapitänen, Piratenschiffen, Schatzinseln und Räubern beherrscht ist. Jahre später betritt der nun über Vierzigjährige wiederum den Dachboden und gibt sich den Erinnerungen an seine Kindheit und Jugend hin. Dresden entsteht noch einmal als DDR-Provinzhauptstadt, dann, nach der Wende von 1989, als “Dresden der Gegenwart, mit digitalen Benutzeroberflächen.” Es geht dem erkundenden Flaneur um den Versuch, in dieser Welt unvereinbarer Gegensätze das Atmosphärische aufzuspüren. Er schildert in der DDR Erbautes, dann wiederum sinniert er über Gebäude, die im Krieg zerstört wurden, wie die Frauenkirche, dann aber wieder aufgebaut wurden. Leitmotivisch winden sich durch die Erinnerungen Hinweise auf die Zerstörung der Stadt am 13. Februar 1945: “die Schatten des zugeschütteten Lebens, das mit einigen Zipfeln hier und dort noch aus den Planierungen ragt.” Tellkamp beschreibt Dinge und Schauplätze, die es nicht mehr gibt, die er aber als Kind oder aus den Erzählungen der Erwachsenen kannte. Er beschreibt Schauplätze wie den Kosmetiksalon Nofretete, eine Laufmaschen-Reparatur, das Evana Miederwarengeschäft und den Friseur-Salon Harand, in dem auch der 1957 in Dresden verstorbene General Paulus bedient wurde. Wiederholt taucht in den Erinnerungen der Name der Kalten Klawdia auf, einer vollbusigen Rotarmistin, die man am Eingang des Lazaretts der Roten Armee, eines früheren Sanatoriums, sehen konnte. Für den Jungen war sie eine Quelle erotischer Phantasien. Und – “ich gehe weiter, die Geschichten folgen mir” – vor dem inneren Auge erscheint vor einer geöffneten Balkontür ein im ersten Stock des Lazaretts wohnender sowjetischer Offizier, der Schallplatten mit Liedern von Hans Albers and Zarah Leander zuhört, bis er abrupt eine Platte mit russischer Volksmusik auflegt. Tellkamps Erkundungen sind durchdrungen von autobiografischen Verweisen auf Schulunterricht, Heirat, Medizinstudium, Armee, Künstlerfreundschaften, Galerie- und Museumsbesuchen. Einige Kapitel sind gelungener und ausdruckskräftiger als andere. Hervorzuheben sind die um den Dresdner Maler Curt Querner kreisenden Kapitel: “Was er gekonnt hat – Hände, wie er sie zu malen verstand, möchte ich von den Heutigen erst einmal sehen.” In anderen Kapiteln jedoch sind die Darstellungen ausufernd, voll von Wortkaskaden. Tellkamp macht es dem Leser nicht leicht. Oft ist ein zweites und drittes Lesen der scheinbar endlosen Sätze nötig. “Wie Kraken” winden sich exzentrische Bilder durch die syntaktischen Gebilde: “Die Papierlungen der Meldeämter auf der Theaterstraße; die an langsamen Tentakeln arbeitenden Tastsinnesscheiben der Staatskanzlei; Finanzämter, in deren Allesfressergebiet man niemals ungestraft einen Handschuh wirft; die an den Nabelschnüren einer Stempel-Gottheit flottierenden Anwalts- und Notarkanzleien …” Der Leser jedoch, der sich Zeit nimmt und Tellkamps barocken Stil auf sich wirken lässt, kommt auf seine Kosten. Tellkamp ist es gelungen, fragmentenhaft ein Stück DDR-Biografie in der schillernden Atmosphäre der Stadt Dresden einzufangen, in der Stadt, wie sie einmal war oder nicht war oder sein könnte: “Dresden ist ein langer Blick zurück. Gegenwart nur Wasseroberfläche der Vergangenheit […] Aber auch sie wird es geben, die Freiheit des Abschieds. Die sesamtragenden Türen.”

Christine Cosentino,


Richard A. Zipser, Von Oberlin nach Ostberlin: Als Amerikaner unterwegs in der DDR-Literaturszene. (Berlin: Christoph Links Verlag GmbH, 2013) 224 Seiten.

Der Amerikaner Richard Zipser ist als ein Germanist bekannt, dem es schon seit Anfang der siebziger Jahre die DDR-Literatur angetan hat. Ergebnisse seiner Arbeit sind unter anderem die Veröffentlichungen DDR-Literatur im Tauwetter (1985) und Fragebogen Zensur (1995). Im Unterschied zu anderen Sympathisanten der DDR-Literatur an amerikanischen Universitäten reiste und forschte Zipser nicht auf Einladung der DDR oder einer der DDR nahestehenden politischen Gruppe, sondern ganz auf eigene Initiative. Damit jagte er den DDR-Behörden, die mutmaßten, er könnte ein CIA-Agent sein oder die DDR ideologisch unterwandern wollen, Angst ein. Schon 1973 legte die Stasi eine Akte über ihn an; sie ist umfangreich und schließt erst 1988. Nach einem sehr lesenswerten Vorwort von Heinz-Uwe Haus mit dem wichtigen Satz “Heute ist kaum noch vorstellbar, dass das, was Zipser bezeugt, über Jahrzehnte zwischen Elbe und Oder grausamer Alltag war”, enthält der Band Von Oberlin nach Ostberlin hauptsächlich Dokumente aus Zipsers Stasiakte und erläuternde Kommentare Zipsers. Darin vergleicht der Autor seine Erinnerungen kritisch mit dem, was im Stasideutsch fläzig dasteht; dabei wird die DDR, so wie er sie erlebt hat, vor seinem inneren Auge lebendig. Einen frischen Blick bekommen wir auf Autoren wie zum Beispiel Jurek Becker oder Ulrich Plenzdorf. Schwarz-weiß Fotos von einigen der Autoren, mit denen Zipser befreundet war, und ihren Büchern und Briefen schmücken das Buch. Leser, die sich noch immer unruhig fragen, was das war, die DDR, kommen um die Lektüre dieses Buches nicht herum. Wehtun wird sie jenen, die der DDR als eines Raumes, der mit Utopie zu tun hatte, immer noch nachtrauern. Von den Berichten der neun verschiedenen IM sind die des Schriftstellers Fritz Rudolph Fries und die des Verlegers Konrad Reich die überraschendsten; von den von der Stasi gegen Zipser eingeleiteten Zersetzungsmaßnahmen ist der Rufmord – “Zipsers Ansehen so abwerten, daß auch negative Kräfte ihn meiden” – am ekligsten. In der Einleitung beschreibt Zipser seine Überraschung, als er 1999 nach sechs Jahren Warten von der damaligen Gauckbehörde Teile seiner Akte erhielt. Er zitiert aus dem Briefwechsel mit der Behörde und erklärt dem Leser seines Buches das Aktenchinesisch, ohne das auch dieses Buch nicht auskommt, etwa die Abkürzungen für die fünf verschiedenen Typen von Informellen Mitarbeitern der DDR Staatssicherheit. Dann folgen die schon erwähnten Erinnerungen, Aktenauszüge, Auskünfte über die Germanistik der USA, insofern sie sich für die DDR-Literatur interessierte, Zipsers eigene Arbeit an verschiedenen die DDR betreffenden Forschungsprojekten, und immer wieder Erinnerungen. Am besten gefällt mir der sachliche Ton des Buches; der Autor prahlt nicht mit seinem aufregenden Abenteuer DDR. Und es gibt sogar Spuren von Selbstkritik, etwa, wenn Zipser sich fragt, warum Wolf Biermann fehlt in seinem dreibändigen Lesebuch DDR-Literatur im Tauwetter. 1975 – Zipser war am Oberlin College für sein DDR-Projekt ein Forschungsurlaub bewilligt worden – folgte er Christa Wolfs Rat und bat den Schriftstellerverband der DDR schriftlich um Unterstützung. Beim Treffen mit einem Funktionär des Verbandes wurde ihm mitgeteilt, welche Autoren er in sein Buch aufnehmen sollte. Obwohl dies “das Letzte [war], was ich wollte” und er die Liste der Autoren, die er interviewen wollte, nicht an den Verband, der ihn dazu drängte, herausgab, fügte er zu den zwanzig Namen, die er schon hatte, doch noch diejenigen hinzu, auf denen die Verbandsfunktionäre bestanden hatten, Namen wie zum Beispiel Günter Görlich oder Uwe Berger. Der Stasi schwahnte, dass Zipser sich auch für Wolf Biermann interessierte (siehe “Auskunftsbericht vom 22. Juli 1976”), aber Zipser hatte in Gesprächen mit Verbandsfunktionären und der Partei nahestehenden Autoren schon begriffen, “daß der Schriftstellerverband mein Projekt blockieren würde, falls ich Biermann besuchte. Letzten Endes lief es darauf hinaus, Biermann oder das Buch.” Biermann wurde 1976 ausgebürgert; da Zipsers Tauwetter-Buch erst viel später erschien, hätte er ja im Nachhinein Biermann noch in den Text aufnehmen können – “Doch da ich zugesagt hatte, das Buch ohne Biermann zu machen, wäre es aus den genannten Gründen ein fragwürdiges Vergehen gewesen, ihn ex post facto aufzunehmen.” Trotz dieses freundlichen Entgegenkommens durfte Zipser ab 1985 nicht mehr in die DDR einreisen. Gründe waren unter anderen, dass er sich bei der Leipziger Buchmesse mit dem Dissidenten Lutz Rathenow getroffen hatte, und dass er sich bei der Auswahl der DDR-Schriftsteller, die er für ein Semester ans Oberlin-College in Ohio einlud, vom Schriftstellerverband nicht gängeln ließ. Er lud zum Beispiel Helga Schütz ein; der Verband ließ sie nicht reisen. Daraufhin schickte er die Einladung an Karl-Heinz Jakobs, der heftiger als andere Schriftsteller und Intellektuelle der DDR gegen die Ausbürgerung Wolf Biermanns protestiert hatte; Jakobs lebte inzwischen im Westen und bedurfte keines Ausreisevisums der DDR. Der folgende Satz gefällt mir am besten im ganzen Buch: “Ich stelle mir immer wieder gern vor, wie die DDR-Behörden ihre Entscheidung, Helga Schütz nicht ausreisen zu lassen, verflucht haben müssen, als sie erfuhren, dass wir dafür im Frühjahr 1986 Jakobs einluden. Von ihrem Standpunkt aus hätte Schütz die DDR bestimmt immer noch besser repräsentiert als Jakobs.” Der Text schliesst mit dem Kapitel “Nach dem Ende der DDR”; es beschreibt unter anderem Zipsers letzte Reise nach Berlin 1990, siebenundzwanzig Jahre nach der ersten Reise 1963. “Seltsamerweise”, schreibt Zipser, vermisste er die Grenze, “das mulmige Gefühl und die kleinen Schikanen” – offenbar vermisste sein Körper den Adrenalinschub, mit dem ihm der Grenzübergang in die DDR über lange Jahre versorgt hatte. Trotzdem freute er sich natürlich 1990 zu beobachten, wie das bunte und quirlige Westberliner Leben nun auch im Osten Einzug hielt. Neben allen Deutschprofessoren, die sich für die frühere DDR interessieren, empfehle ich Richard Zipsers Buch Von Oberlin nach Ostberlin auch jenen, die auf dem neuen Gebiet der “Surveillance Narratives” forschen. Wie hat die Stasi Informationen über den Autor gesammelt, wie hat sie sie archiviert und welchen narrativem Muster folgt die Story, die der DDR-Geheimdienst daraus strickte… auf diese Fragen liefert das Buch reichhaltiges Material.

Gabriele Eckart


Jakob Hein und Jacinta Nandi: Fish’ n’ Chips & Spreewaldgurken. Warum Ossis öfter Sex und Engländer mehr Spaß haben. (Köln: Kiwi, 2013). Wer annimmt, dass es sich bei diesem Büchlein um eine Studie über Gastronomisches in den beiden Ländern handelt, irrt sich. In der Tat bieten die beiden Autoren einen satirisch übersteigerten Landeskunde – und Geschichtsunterricht, der aus der Perspektive naiver Jugendlicher erteilt wird, die ihrer Fantasie freien Lauf lassen. In einem Interview befragt, wie es zur Wahl dieses seltsamen Titels kam, meinte Hein, dass alle Vorschläge, die er dem Verlag machte, zu “ostig” klangen: “Fish and Chips war o.k, und dann die Frage, was gilt als typisch ostdeutsch. Das waren dann die Spreewaldgurken.” Welche Vorstellungen und Fantasien hatten ein Ostdeutscher und eine Engländerin darüber, wie die Menschen im jeweils anderen Land lebten? Der 1971 geborene, in der DDR groß gewordene Jakob Hein ist von Beruf Facharzt für Kinder- und Jugendpsychiatrie in Berlin. Bekannt ist er jedoch für eine Reihe literarischer Werke, die ironisch-humorig den DDR-Alltag abhandeln. Bekannt ist er ebenfalls für seine Lesungen auf Berliner Sprechbühnen, vor allem bei der Reformbühne “Heim und Welt”. Sein erster großer Erfolg war die Miniaturensammlung Mein erstes T-Shirt (2003), in der er mit geschickt konstruierter Pseudo-Naivität Absurd-Lächerliches und Alltäglich-Normales verquickt. Diese Erzähltechnik – diesmal aus der Perspektive zweier Jugendlicher – weist auch der neue Band Fish’ n’ Chips & Spreewaldgurken auf. Dialogpartnerin des aus der DDR kommenden Ich-Sprechers ist die 1980 in London geborene Nacinta Nandi, die im Jahre 2000 nach Berlin zog, folglich die DDR nur vom Hörensagen kannte. Bekannt ist Nandi in der Berliner Szene als Bloggerin und Surf-Poetin. Die London-Sehnsucht des jungen Berliners – “hippe Klamotten, heiße Musik, harte Währung, scharfe Pornos” – wird im satirischen Gewand mit den überbordenden Romantik-Fantasien der jungen Engländerin kontrastiert, für die der verflossene Staat das Exotischste ist, was es überhaupt geben kann. Der heitere, unverkrampfte Rückblick auf die DDR sowie Heins ausgeprägter Sinn für skurrile Situationskomik bieten dem Leser einen breiten Assoziationsraum darüber, wie es damals wirklich gewesen sein könnte. Das Spiel mit Übertreibungen enthebt das gebotene DDR-Bild jeglicher Wertung. Der Band kreist um fünf Schwerpunkte, die von doppelter Warte gesellschaftliche Thematik beleuchten: “Gesellschaft und Kritik”, “Sex und Einsamkeit”, “Bildung und Verblödung”, “Freizeit und Stress”, “Dienen und Bedienung”, “Sport und Gesundheit”. In den einzelnen Kapiteln überbieten sich die Autoren mit einem Gemisch von Klischees, Fakten, Übertreibungen, Fantasien und skurrilen Erfahrungen. Über Sex im Ferienlager träumt die Engländerin Nandi, und sie reflektiert über den schnellen Zufallssex, der in der DDR schon deshalb besser war, gewesen sein sollte, weil man sich am nächsten Tag nicht anzurufen brauchte; kaum jemand hatte ein Telefon. Und über den 1. April erfährt sie von einem ostdeutschen Liebhaber Seltsames, nämlich dass der Tag verboten war, um staatsfeindliche Witze zu vermeiden. “Stell dir vor, wenn Aprilscherze erlaubt gewesen wären. Dann hätte zum Beispiel einer am Vormittag des 1. April gesagt: Oh, ich haue ab in den Westen! Und erst mittags sagt er: ‘April, April!’” “Dann wären die Stasi-Leute gekommen und haben euch gefoltert, stimmt’s?” resümiert Jacinta Nandi. Und der Ich-Sprecher Hein erinnert sich mit vergnüglicher Ironie an die Bedienungsrituale in den Restaurants der DDR: “Vor die Wahl gestellt, ein Jahr in einem sibirischen Lager zu verbringen oder zehnmal in der nächstgelegenen Clubgaststätte (wie viele DDR-Restaurants hießen) essen zu gehen, hätten viele sicher zunächst gefragt, um welche Ecke von Sibirien es sich denn handeln würde, weil einiges dort landschaftlich ja sehr reizvoll sein soll […] Das vermessene Fragen nach [Bier] Sorten oder anderen Unterkategorien galt als an Frechheit nicht zu überbietende, geradezu spätbürgerliche Dekadenz, die durch den Sieg des Sozialismus überwunden war.” Und so geht es weiter in dieser treffsicheren Ossi-Satire. Sämtliche realsozialistische Widrigkeiten werden aufs Korn genommen, niemand wird verschont. Heins Witz und Ironie sorgen für vergnügliche, unterhaltsame Lektüre. Das Lachen ist eine Möglichkeit der Distanz zu den geschilderten Situationen.

Christine Cosentino


Christoph Hein, Vor der Zeit. Korrekturen. (Berlin: Insel, 2013) Hein hatte sich im Laufe seiner literarischen Karriere wiederholt als Chronist bezeichnet, der über sein Verhältnis zur Welt berichtet. Er erzählt distanziert, oft im Protokollton, mit ganz lapidaren Sätzen, die meistens Feststellungen sind. Leerstellen gibt es in seinem Werk zur Genüge, und so muss der aktive Leser selbst Verbindungen herstellen. Auch in seinem neusten Werk, den Korrekturen antiker Mythen, muss Zeitnahes vom Leser selbst erarbeitet werden. Hein wartet mit kleinen Änderungen am griechischen Mythos auf, mit neuen unerwarteten Wendungen, die zeigen, dass alles auch anders hätte verlaufen können. Der erste Eindruck des Lesers ist, dass Hein die unmittelbare Gegenwart verlasse und weit zurückgehe, aber es scheint nur so. Hein benutzt vertrautes mythologisches Material, um die Gegenwart durchschaubar zu machen. Hein präsentiert 25 Miniaturen mit Neuinterpretationen. Eingeleitet werden diese Miniaturen von einem “korrigierenden” Bericht über den “wahren” Entdecker Trojas (“Das Paradies der Paradiese”) , den heute vergessenen englischen Archäologen Frank Calvert, der Heinrich Schliemann anvertraute, wo er Troja vermutete, und der Schliemann somit die Ausgrabungen ermöglichte. Die Miniaturen enden mit dem Bericht über das “erste Buch Homers”, in dem der blinde Sänger Profitsucht, Machtstreben und Kolonialisierungsabsichten als die wahren Wurzeln und Motive des Krieges entlarvte, eine Tatsache, die der verrohte Odysseus nicht akzeptieren konnte. Er wird – Hein erinnert hier unaufdringlich an seine DDR-Erfahrungen – zum Zensor, fordert Änderungen und Auslassungen, letztlich eine Neuinterpretation des Trojanischen Krieges: Ehre, verletzte Gastfreundschaft und der Raub der schönen Helena seien die wahren Motive dieses “gerechten” Krieges gewesen. Homer muss eine zweite Fassung über den Krieg schreiben. Die beiden Miniaturen in diesem Band weisen einführend und abschließend auf einen Kontext “vor der Zeit”, also vor einer sich auf Quellen stützenden Geschichtsschreibung, in dem es um die Götter des Olymp geht, um den Trojanischen Krieg, um Situationen und Ereignisse, in denen Götter und Menschen aufeinanderstoßen oder in denen sie sich abstoßen. Was geschah zum Beispiel mit der schönen Helena, nachdem der Krieg zu Ende war? Hein wartet mit verschiedenen Spekulationen auf, schließt jedoch mit der Mutmaßung ab, dass die alternde Frau, um den Mythos der Schönheit zu wahren, sich bis zu ihrem Lebensende in einem spiegellosen Raum versteckte. Und wie fühlte sich der vom Krieg geprägte, gewalttätige Odysseus wirklich, als er wieder zu Hause in der Zivilgesellschaft war? Fremd und verwirrt verbrachte er die Tage. Erst als sein Sohn ihn aufforderte, Penelopes Freier zu vertreiben, war er in seinem Element. Er tötete alle: “Er war daheim.” Hein projiziert den Olymp als Ort, der von Machtgier, Profitsucht, Verleumdung, Korruption, sexueller Lust, Gewalt, Verrohung und Sittenverfall gezeichnet ist. Liegt hier Zeitnahes? In einem Interview deutet Hein selbst auf das in den Miniaturen Ungesagte: “Auf dem Olymp sah es genauso aus wie in Berlusconis Italien oder den Vorstandsetagen der Banken.” Andererseits jedoch ist der oberste Gott und Herrscher im Olymp auch unberechenbar, denn er ist durchaus humanitärer Gesten fähig. Als Herakles, so korrigiert Hein den griechischen Mythos, eine dreizehnte Arbeit abverlangt wird, nämlich seinen Vater Zeus zu töten, fällt er, der Sohn, weinend auf die Knie und betet zum Göttervater. “Das rührte das Herz des unrührbaren Gottes, und er erbarmte sich seiner.” Dem Ruf der Weichheit wollte sich Zeus allerdings nicht aussetzen. Also wurde die dreizehnte Arbeit des Herakles verschwiegen. Eine prekäre Thematik berührt Hein in seiner Behandlung der Asklepiosfigur, des Arztes und Heilers, der auf Ansinnen des Gottes Hades von Zeus mit dem Tode bestraft wurde, weil er Kranke heilte und somit dem Griff des Gottes Hades entzog. Führt die Langlebigkeit der Menschheit zur Vergreisung, und ist der Mensch selbst oder die geriatrische Gesellschaft darauf vorbereitet? Asklepios wird in Heins Miniatur nicht nur mit dem Tod bestraft, sondern in der Unterwelt auf den Stuhl des Vergessens gesetzt, wo er selbst die Vergreisung erlebt: “Bald wusste er nicht mehr den eigenen Namen […] Das Vergessen hatte ihn völlig umfangen, und mit offenem Mund und erloschenen Augen sitzt er für alle Zeit auf dem Stuhl des Vergessens.” Eine der schönsten Miniaturen ist die, die von Prometheus handelt, der, laut mythologischer Vorlage, den Menschen das Feuer brachte und deshalb von Zeus bestraft wurde, der ihn an einen Felsen im Kaukasus schmiedete. Hein gibt dem Schicksal des Menschenfreundes eine andere Wendung: Prometheus wurde von Zeus bestraft, weil er den Menschen der Figur der Hoffnung zugesellte. So wurde die Vorausschau der Menschen auf eine furchterregende Zukunft überstrahlt von leuchtender Hoffnung. Und so geht es weiter. Hein beschwört das mythische Personal des Olymps herauf. Er berichtet, korrigiert, versieht seine Text mit Widerhaken, schmückt aus und verfremdet. Sein schöpferisches Weiterarbeiten am Mythos beleuchtet unaufdringlich Gegenwärtiges. Doch Hein moralisiert nicht. Er stellt einfach dar, geht auf eine Partnerschaft mit dem Leser ein, den er zum Nachdenken provoziert. Wohl kaum ist anzunehmen, dass Heins Überlegungen die Welt korrigieren, aber sie korrigieren den Blick.

Christine Cosentino


Zu Teju Coles Open City. Roman(New York: Random House, 2011. Dt.: Open City. Roman (Berlin: Suhrkamp Verlag, 2012)

Was uns an einem Menschen wie an einem Buch fesselt, ist seine Haltung zum Leben. Der Erzähler von Open City ist ein Entwurzelter, nicht zu Hause in Berlin, wo seine Mutter herkommt, nicht in Nigeria, woher sein Vater stammt und wo er selbst seine Jugend verlebte. Daher findet er sein Zuhause in New York City, der ältesten modernen Heimatstadt der Entwurzelten. Er ist ein Solitär, ohne eigene Familie, und das verbindet ihn mit der Hauptlinie der europäischen und der amerikanischen Literatur des 19. und 20. Jahrhunderts, mit den Bildungsromanen der Deutschen, den Gesellschaftsromanen der Franzosen, mit Kafka, Proust und vielen anderen, aber es trennt ihn gleichzeitig von der Tradition des Familienromans, von den Buddenbrooks ebenso wie von The Corrections. Sein Thema ist die Einsamkeit in der Masse, in der Anonymität, nicht die Einsamkeit in der Familie. Genauer gefasst, ist es nicht die Einsamkeit, sondern das Standhalten gegen sie. Von Glück ist nicht die Rede, und wenn davon Ahnungen in dem konsequenten inneren Monolog, der an keiner Stelle von Dialogen oder anderen literarischen Darstellungsmitteln unterbrochen wird, aufscheint, dann ist es an Kunst (Bilder, Musik) oder an meist zufällige menschliche Begegnungen gebunden. Diese Anlage des Buches hält Kontakt zum Existentialismus, der aber dadurch unter Kontrolle gehalten wird, dass der weiße schwarze Erzähler gar nicht anders kann, als historisch zu fühlen und zu denken. Der Kontakt, das Zwiegespräch mit den und die Erinnerung an die Toten ist (wie wohl bei aller großen Literatur) das Stoffzentrum des Romans, obwohl er sich im (vorwiegend New Yorker) Alltag bewegt wie ein Fisch im Wasser. Selbstverständlich ist es ein Buch über Rassismus. Aber es wirbelt die oberflächlichen, den alltäglichen westlichen Diskurs darüber bestimmenden Kategorien so gewaltig durcheinander, wie es die Wahrheit erfordert. Der Held verachtet seine Mutter, die sein natürlicher Leidensgenosse sein könnte, ist sie doch die Frucht der Vergewaltigung einer Berlinerin durch sowjetische Soldaten im okkupierten Kriegsberlin, gleichzeitig ist ihm seine Berliner Oma eine Sehnsuchtsfigur, einer Umarmung wegen, die er einmal in Nigeria von ihr erfahren hat. Über den Grund dieser kalten Verachtung erfährt der Leser nichts –– ist sie eine “geerbte” Kälte der Kriegsgewalt? Ist sie ein in sehr tief im Unbewussten verriegelter “existentieller” Rassismus der weißen Mutter gegen ihr schwarzes Kind oder umgekehrt schwarzer Rassismus des Sohnes gegen seine weiße Mutter, vielleicht noch gestärkt durch den frühen Tod seines Vaters? Die Tragik dieses verbrecherischen Unfallknäuels der historischen Verwerfungen, die Menschen aber existentiell prägt, wird vollends unentwirrbar, wenn der Erzähler, der Benjaminsche Flaneur in der Hauptstadt des zwanzigsten Jahrhunderts, von drei jungen Schwarzen, also “brothers”, überfallen, verprügelt und beraubt wird, aber ganz besonders auch in der Szene, in der er auf der Party eines Hedgefond Managers von dessen schwarzer Freundin erfährt, dass er sie als Siebzehnjähriger in Nigeria betrunken vergewaltigte, etwas, dass der Held offenbar völlig aus seinem Bewusstsein entfernen konnte und auch jetzt nicht kommentiert. An dieser Stelle des Nachdenkens über das Buch liegt der Vorwurf der Trivialität wegen der Inflation von Stoffen nahe. Am wenigsten entgangen ist der Verfasser dieser Falle in einem Kapitel, das in Brüssel spielt, wohin ihn, freilich erfolglos, die Suche nach seiner Oma trieb, die er aber weniger als halbherzig betreibt, wohl ahnend, dass das Proustsche Großmutterglück der “belle epoche” zwar für jeden Erzähler notwendig, weil es doch von alters her die Großeltern sind, die den Enkeln die Erfahrung, zuerst in den Märchen, weiterreichten, aber doch mehr und mehr verloren ist. Stattdessen trifft er auf einen jungen Araber, einen Angestellten in einem Internet-Café, der Benjamin und Barthes liest, auf seiner “Differenz” besteht und dies mit einer Weigerung der Distanzierung von Al-Kaida verbinden kann. Die eitle rassistische Dummheit, die hier intellektuell geschminkt ihren Ausdruck findet, wird aber im selben Kapitel durch die robuste politische Vernunft einer amerikanisch-belgischen Ersatzgroßmutter zurechtgerückt. Man bemerkt, dass das ein bisschen viel Stoff ist, aber es zeigt Coles Talent, dass er dem Scheitern in der Stofffalle entkommt. Ein anderer Vorwurf, der bei vielen Stellen, wo es um Kunst oder Intellektuelles geht, aber bei diesem “Farouque” besonders naheliegt, ist, dass der Roman sich weniger mit dem Leben als mit dem Denken, mit den Theorien linksliberaler Intellektueller beschäftigt. Die Figur des sterbenden Professor Saito, den der Erzähler verehrt, bringt z.B. auch noch die Gender- und Schwulen-Debatte ins Spiel. Nun ist dieser Vorwurf schon Größeren wie Musil und Proust gemacht worden, und er trifft auch für Cole nicht zu. Man irrt sich leicht über die angebliche Trennung von Denken und Leben. Es mag zwar stimmen, dass Open City einen Teil seines Erfolges der Tatsache verdankt, dass jede (amerikanische) Studentin, die intellektuell-politisch up-to-date ist, “ihre Sache” darin häppchenweise konsumieren kann, aber die wirkliche, die subkutane Wirkung des Buches beruht doch auf etwas anderem: auf der Ökonomie des Zusammenhangs. Dieser Zusammenhang ist das autonome Individuum, ein Mann, der seinen Weg geht. Und das ist eigentlich das Erstaunlichste an dem ganzen Buch: wie kann einer im 21. Jahrhundert, wo wir Europäer in Europa und New York doch (seit Marx, Freud, Benjamin, Adorno, Foucault und Derrida – oder: seit zwei Weltkriegen, den Konzentrationslagern und dem Fall des World Trade Centers) wissen, dass es damit endgültig vorbei ist, einen solchen Zusammenhang in der Ökonomie eines geschliffen geschriebenen Buches, also in der Haltung, authentisch darstellen? Vielleicht kann das nur ein “naiver” amerikanischer Schwarzer. Zweifellos ist dieses “Individuum” beschädigt, nicht “unteilbar”, keine “Persönlichkeit” (sondern z.B. ein Vergewaltiger), aber es besteht doch auf einer pragmatischen inneren Konsistenz des Einzelmenschen, die etwa Kafka schon vor hundert Jahren in Richtung Tierreich hinter sich gelassen hat. An einer Stelle wird das explizit deutlich, wenn der Erzähler, der doch Psychiater ist, kurz auf Freud zu sprechen kommt und dabei ganz den in der psychologischen Praxis der USA herrschenden Antifreudianismus wiederholt, obwohl er sich doch für Freud zugänglich zeigt. Freud als Kulturwissenschaftler ist jedoch ein weißer Fleck in seinem Bewusstsein. Und so kann dieses Buch auf einen Europäer vielleicht etwas anders wirken als auf einen Amerikaner, nämlich romantisch, so als ob der Gottfried Benn der frühen Rönne-Novellen von 1916 noch einmal politischere Gestalt angenommen hätte und als ob Döblin, Joyce und Dos Passos, obwohl der Autor die beiden letzteren sicher gut kennt, ihre Hauptwerke noch nicht veröffentlicht hätten.
Rainer Stollmann


Liebeserklärungen an einen Hund. Utz Rachowski, Miss Suki oder Amerika ist nicht weit! Niederfrohna, Mironde Verlag, 2013. Mit Zeichnungen von Thomas Beurich

Dass sich Rachowski sowohl als Prosaautor wie auch als Lyriker und Essayist längst einen Namen gemacht hat, ist bekannt, besonders die Bände „Red‘ mir nicht von Minnigerode“ und zuletzt „Beide Sommer“ haben ihm seinen Platz in der deutschen Gegenwartsliteratur gesichert. Für sein Werk wurde der 1954 in Plauen/Vogtland geborene und in Reichenbach aufgewachsene Dichter u.a. 2007 mit dem Reiner-Kunze-Preis ausgezeichnet. Seine Literatur ist aufs engste verbunden mit seiner Biographie: Fünf Gedichte und die Verbreitung verbotener Texte (Biermann, Fuchs, Pannach) brachten ihm in der DDR eine Verurteilung zu 27 Monaten Gefängnis ein. Nach seinem

Freikauf durch die Bundesrepublik lebte er bis 1989 in Westberlin.

Sein neuer Band „Miss Suki“ wendet sich einem Hund zu, was im Vergleich zu seinen bisherigen Themen zunächst überrascht. Der Hund ist eine Cavalier-Prince-Charles-Spaniel-Lady, er ist in Amerika zu Hause. Diese mit scheinbar leichter Hand geschrie-benen Gedichte um einen Hund, die im Grunde Liebeserklärungen sind, inspirierten Rachowski, als er eine Gastprofessur am Gettysburg College in Pennsylvania bekleidete. Aber die Gedichte weisen darüber hinaus, sie feiern die Freiheit, das Leben schlechthin, die Beständigkeit der Liebe und Treue, erinnern jedoch gleichzeitig daran, wie Wasser in Wein geschüttet wird, dass wir endlich sind, auch wenn wir es oft vergessen, indem auf das Alter angespielt wird ebenso wie auf

den Tod: die großen Themen der Literatur.

Aber Rachowski wäre nicht Rachowski, wenn es nicht Reminiszenzen an seine Diktatur-Erfahrungen gäbe.

„Mein Hündchen / mein kluges / mit langen Ohren // findet das Zusammenleben / mit einem Dichter // angenehm // soviel Schweigen / von beiden Seiten // zwei die zu oft / angebellt wurden“.

Die Gedichte leben von dem Spannungsverhältnis, das sich aus dem Vergleich zwischen Hund und Mensch ergibt, was mitunter  charmant-selbstironische Züge annimmt: Miss Suki liegt auf Platz 24 der Hunde-Intelligenzliste, das lyrische Ich tappt im dunklen, was den eigenen Platz anbelangt. Das kann man nur mit Augenzwinkern lesen und feststellen, dass sich das lyrische Ich nicht zu ernst nimmt.

Doch der Dichter weiß, dass die Oden an den Hund allein diesen Band vielleicht nicht ganz tragen. Deshalb hat er einige lange Gedichte eingebaut, die thematisch weiter gefasst sind. Neben dem „Ich hatte Nachbarn“ ist „Culp’s Hill, April 19, 2012“ das bemerkenswerteste: Es hat Tiefe, spannt einen großen historischen Bogen und bleibt im Tonfall dennoch lakonisch. Wer Gettysburg hört, assoziiert den amerikanischen Bürgerkrieg. Im Juli 1863 standen sich hier die Truppen der Nord- und Südstaaten zur entscheidenden Schlacht gegenüber. An drei Tagen starben auf jenem Hügel 50 000 Soldaten. Der Gastprofessor begeht mit seinen Studenten den für immer gezeichneten Ort des Todes. „Ich bin das Gras. Ich decke / zu. Häuft Berge bei / Gettysburg. Häuft Berge / bei Ypern und Verdun.“ Als sie hinunter zur Stadt laufen, fällt das Bedrückende des Ortes, die Last der Geschichte von ihnen allen ab, ohne sich gänzlich von ihr befreien zu können.

Michael G. Fritz

Zuerst erschienen in: Dresdner Neueste Nachrichten 


“balance zwischen zerstäuben / und zentrieren“.  Zu Michael Speier: Haupt Stadt Studio. Gedichte Aphaia Verlag. Berlin 2012.

Man kennt den Autor seit vielen Jahren als ausgewiesenen Schriftsteller, Übersetzer Literaturwissenschaftler und Herausgeber. Er ist in der romanischen und angelsächsischen Welt in gleicher Weise zuhause wie hierzulande. Eine ganze Reihe von Gedichtbänden liegt vor. Diese neue Sammlung setzt den in den Bänden “Scherbenschnitte“ (2001) und “welt/raum/reisen“(2007) eingeschlagenen Weg des ‘Erzählgedichts‘ fort. Die vielen von Speier aufgesuchten Orte werden für ihn zum Terrain ausladender Bewußtseinserkundungen. Äußere und innere Reflexe spiegeln die lyrisch erfaßte Radikalität seines Erlebens. Die assoziativ aufgenommenen Erzählelemente schlagen sich in der aufgelockerten, eigenwilligen Sprache nieder. Sie erlaubt sowohl spielerische Leichtigkeit wie hintergründige Tragik. In rhythmisch abgestuften Abläufen schwingt gleichermaßen existentielles Unheil wie distanzschaffende Ironie mit. Sein stichwortartig lapidares Nennen erfaßt die paradoxe Weltlage mit großer Genauigkeit vom Detail her. Solche Sprachverkürzung führt oft zu Sprachverhärtung. Nicht so im Falle von Speiers Gedichten. Ihm gelingt die schwierige “balance zwischen zerstäuben / und zentrieren“ (S. 41) und damit die Verwandlung des komplex Dargestellten in sinnlich ausgefüllte Plastizität.  Dabei entsteht ein sprachliches Geflecht von Geschichte, Alltag, Mythos, Erinnerung, Reflexion, Depression, Sehnsucht und Erwartung. Allerdings setzt der lyrisch-narrative Wortfluß den mitdenkenden Leser voraus. Sonst bleibt die sinnliche Abstraktion der Textgestaltung unerschlossen. Die im Grunde negative Welterfahrung mündet letzten Endes in der produktiven Erkenntnis vom “Verlernen der Welt“ (Nelly Sachs). Speiers Gedichte eröffnen haltbare Positionen gefaßten Weiterlebens im unsicheren Wissen: “ist es wenig fast nichts, und zwar heftigst? / lehne ich mich ins weite, greife ich tief / bin ich forsch, grammatisch, eifrig / beim horten von worten lauf ich / die serpentinenstraße“ (S. 69). So wünscht man sich heutige Lyrik: welthaltig, formstreng, hart in der Auseinandersetzung mit einer Gesellschaft, die den Alltag zum Schrecken machen kann, im Endeffekt aber befreiend durch die lyrisch entfalteten Gegenkräfte. Speier hat wahrlich “nachgedacht und verstanden“ S. 36). Wir sollten unsererseits über seine Gedichte nachdenken und – hoffentlich – verstehen.

Theo Buck, Aachen


Charlotte Roche, Schoßgebete. München: Piper, 2011, pp. 283.

Im Zuge der um die Jahrtausendwende entstandenen Gattung der sogenannten Pop-Literatur entfaltete sich auch das genderspezifische Genre des sogenannten, wenn auch begrifflich umstrittenen „literarischen Fräuleinwunders“, in dem junge Autorinnen wie Judith Hermann, Tanja Dückers, Julia Frank, Sarah Kuttner et al. ihre Lebenserfahrungen als junge Frauen in einer postmodernen Spass- und Leistungsgesellschaft thematisieren. Bisheriger publizistischer Höhepunkt dieser literarischen Entwicklung war sicherlich Charlotte Roches senstionell-skandalöser Bestsellerroman Feuchtgebiete (2008), der monatelang auf der SPIEGEL-Bestsellerliste stand und in kürzester Zeit in mehr als ein Duzend Sprache übersetzt wurde.

Auch Roches neuer Roman Schoßgebete (2011), der ebenfalls monatelang auf der SPIEGEL-Bestsellerliste rangierte, ist als chronique scandaleuse konzipiert. Die 33-jährige Ich-Erzählerin hat sich nach ihrer gescheiterten Hochzeit in einen 50-jährigen Mann verliebt, den sie heiratet, um mit ihm, seinem jungen Sohn und ihrer jungen Tochter eine nach außen recht bürgerliche Patchworkfamilie zu gründen. Auch in diesem Roman spielt, wie schon in Feuchtgebiete, die Sexualität eine zentrale Rolle. In aller Ausführlichkeit werden die Liebesgepflogenheiten und Sexualrituale des Ehepaares dargestellt. Dieser Erlebnisbereich wird komplementiert durch eine außergewöhnliche Familientragödie. In einer Massenkarambolage  und ihrem Flammeninferno kommen drei Brüder der Erzählerin ums Leben, während ihre Mutter schwerverletzt überlebt. So wird der Traum von einer exzessiv ausgelebten Sexualität ergänzt durch das omnipräsente Trauma der menschlichen Mortalität.

Im Verlauf des Erzählgeschehens, das von einer intensiven Psychotherapie-Erfahrung durchwirkt wird, verdichtet sich diese Liebes- und Todesgeschichte zu einem exemplarischen Freudschen Familienroman, in dem sich wesentliche Verhaltensweisen der Romanheldin als bezeichnende Erscheinungsformen eines vielschichtigen Mutter- und Vaterkomplexes zu erkennen geben. Während ihre „Hypersexualität“ und ihre provokativen Praktiken und Phantasien unter anderem als Reaktionsbildungen gegen ihre „feministische Mutter“ zu verstehen sind und sich im psychoanalytischen Erklärungsmodell der Objekt-Beziehungen weiter deuten lassen, kann ihr „fetter Vaterkomplex“ mitsamt ihrer obsessiven Analfixierung als eine illustrative Fallstudie für die psychosexuelle Regression ins primäre Stadium infantiler Geschlechtsvorstellungen gedeutet werden, in denen Freuds Kloaken-Theorie zufolge der anale und vaginale Körperbereich eine polymorph perverse Einheit bilden. Dieses Regressionsphänomen ist mit dem Freudschen Todestrieb assozierbar und lässt sich sowohl  in der verkehrten Welt der faschistischen Vernichtungslager, dem „Anus Mundi“ von Auschwitz und seiner „Pornographie des Todes“ (Ruth Klüger), als auch in den archaischen Vorstellungen vom matriarchalen Mutter- und Totenreich und seinem imaginären orcus uterus weiterverfolgen. Zusammengesehen kristallisieren sich diese psychomythischen Phantasmagorien immer wieder zu einer morbiden Schauerromantik, in der Ekstase und Exitus, Eros und Thanatos eine magisch entgrenzte Einheit bilden. Immer wieder flirtet die Erzählerin mit ihrem „Gevatter Tod“, stimmt gar ein Loblied auf den Freitod an, diese letzte Entgrenzung allen Lebens. Es ist eine makabre Hymne, die vor allem für labile Jugendliche der „Gothic Scene“ verhängnisvoll werden könnte. Zum Glück schlagen Roches Lockrufe in den befreienden Tod in der Regel immer wieder schnell um in den Sirenengesang auf die entfesselte Liebe. Diesem Lockruf kann seit Neuestem auch Sönke Wortmann, (Der bewegte Mann, Deutschland - Ein Sommermärchen) nicht  mehr widerstehen, und so soll denn der Film zu Schoßgebete bereits im Herbst 2013 in die deutschen Kinos kommen.

Frederick A. Lubich


Ein Berliner Bilder- und Bildungsroman. Zu Gerald Uhlig-Romeros Neuerscheinung stoff.wechsel. Berlin: epubli, 2011, 124 Seiten.

Gerald Uhlig-Romero ist sicherlich einer der schillerndsten Künstlerfiguren des heutigen Berlin. Seine vielseitige Karriere begann er in Wien als Sänger und Schauspieler, um sie bald als Theaterregisseur, Autor von zahlreichen Bühnenstücken, Photograf, Radio-Moderator und Installationskünstler in verschiedenen deutschen Städten fortzusetzen. Ein Highlight seiner Lehr- und Wanderjahre war sicherlich die Inszenierung von Yoko Onos Musical New York Story, mit dessen deutschen Premiere ihn die Künstlerin persönlich beauftragt hatte. In den letzten  Jahren profilierte sich Uhlig-Romero zudem mehr und mehr in den Ausdrucksformen der Malerei, Lyrik und Prosa. Seine Gemälde fanden in nationalen und internationalen Ausstellungen Anerkennung und seine Gedichte erschienen in Buchform und wurden von führenden deutschen Printmedien wie der Frankfurter Allgemeine Zeitung wiederabgedruckt.

Gleichsam als kreative Quintessenz dieser All-Round-Reise durch die Welt der Künste kristallisierte sich das Café Einstein Unter den Linden in Berlin-Mitte heraus, das Uhlig-Romero im Jahre 1996 mitbegründete und heute als alleiniger Inhaber unterhält. In den letzten Jahren hat  es sich unter seiner engagierten Regie zu einer geradezu globalen Schaubühne entwickelt, auf der sich die nationalen und internationalen Akteure der Kultur, Wirtschaft und Politik ein Stelldichein geben und in dessen angeschlossener Galerie führende Künstler vor allem aus den Vereinigten Staaten ihre Werke ausstellen. Zudem wurde Café Einstein in den letzten Jahren auch zum beliebten Begegnungsort von Nobelpreisträgern aus dem In- und Ausland, die sich in regelmäßigen Abständen hier zum informellen Gedankenaustausch treffen. Kurzum, Café Einstein ist die konsequente Krönung von Uhlig-Romeros künstlerischem Schaffen, eine kulturelle Leistung, die ihm mit gutem Recht in der deutschen Boulevardpresse den Titel „Kaffeehauskönig von Berlin“ eingebracht hat.

Diese multi-mediale Erfolgsgeschichte wird allerdings überschattet vom Schicksalschlag Morbus Fabry, einer seltenen Erbkrankheit, an der Uhlig-Romero seit seiner Kindheit leidet, und die ihn vor Jahren fast das Leben gekostet hätte, wäre sie nicht im letzten Moment diagnostiziert worden. Die Gespenstergeschichte dieser heimtückischen Speicherkrankheit hat er 2009 in seinem Buch Und trotzdem lebe ich. Mein Kampf mit einer rätselhaften Krankheit eindringlich beschrieben.

Diese autobiographischen Hintergründe sind nicht unwesentlich für ein besseres Verständnis von Uhlig-Romeros neuestem Buch stoff.wechsel. Peter Baaks, der Protagonist dieses Textes, ist ein 40-jähriger Erfinder und Unternehmer, der es in der sich entfaltenden Internet-Industrie zu großem Ruhm und unermesslichem Reichtum gebracht hat. Zu Beginn des Romans sehen wir ihn in einem Zugabteil, das speziell für seine Reise reserviert worden ist. Er ist versunken in Erinnerungen an die geliebte, frühverstorbene Mutter, an die Leiden der Schulzeit und an die leidenschaftliche Suche nach sich selbst und seiner künstlerischen Selbstverwirklichung. Diese animierte Retrospektive changiert im Verlauf des Narrativs zusehends in die exaltierten Wunsch- und  Wahnwelten unserer heutigen Konsum- und Karrierekulturen und ihren prestige- und profitorientierten High Societies. Der Autor zieht alle kritisch-kreativen Register im Kaleidoskop seines facettenreichen Panoptikums, wobei sich die reale Reise mehr und mehr in eine voyage imaginaire verwandelt. In ihrem Verlauf beschwört die bewegte Bildersprache des Textes auch immer wieder ikonographische Reminiszenzen an die Berliner Kunstgeschichte herauf, seien es die expressionistischen Schrei-und-Angst-Visionen Edvards Munchs, die apokalyptischen Landschaften Ludwig Meidners, die satirischen Skizzen und Sittengemälde von Otto Dix und George Grosz und nicht zuletzt die heftige Malerei der Neuen Wilden im Berlin der achtziger Jahre. Diese kulturgeschichtlichen Assoziationen vermischen sich dabei durchgehend mit naturwissenschaftlichen Evokationen aus dem mikroskopischen und makrokosmischen Universum der Quarks und  Elektronen, der Lichtjahre und ihren unendlichen Dimensionen. Erratische Bildfragmente von „brennendem Eis“ und „gefrorenem Feuer“ treiben darüber hinaus die verkehrte Welt, die unheimlichen Abgründe der deutschen Schauerromantik herauf.

Diese Bewusstseinsflut mit ihrem irrlichternden Bilder- und Wissensgut konkretisiert sich schließlich in der schimärischen Erscheinung einer weiblichen Figur namens Johanna, die der Romanheld im Speisesaal des Zuges trifft und die von Beruf Kellnerin und von Berufung Malerin ist. Der Blick- und Wortwechsel dieser beiden, das Spiel ihrer beginnenden Tuchfühlung, führt schließlich zur vollständigen Enthüllung  ihrer „vollkommenen Schönheit“,  mit der sie sich ihrem Bewunderer zügel- und grenzenlos hingibt – nur um sich danach in den Tod zu stürzen.

Im Gefolge dieser seltsamen Ereignisse verwandelt sich der mondäne Speisesaal in einen ominösen Operationssaal, dessen Decken mit den Szenarien aus Himmel und Hölle ausgemalt sind. Unter diesem zwiespältigen Horizont und seiner halluzinatorischen Erscheinungswelt wird schließlich Baaks‘ krankes Herz durch das einer jungen Frau ausgetauscht, „die sich selbst getötet hat“. Spätestens hier lassen sich Parallelen zum Autor dieses Romans nicht mehr ignorieren. So gewinnt zum Beispiel in der Darstellung von Uhlig-Romeros eigener Krankengeschichte eine Nierentransplantation zentrale Bedeutung, wobei seine junge Frau als Organspenderin eine ausschlaggebende Rolle spielt. So hat der Autor von stoff.wechsel mit der Überlebensgeschichte seines maroden Protagonisten auch seiner eigenen Ehefrau ein mehr oder weniger verschlüsseltes Denkmal gesetzt.

In der weiteren Entwicklung der Handlung stellt sich schließlich heraus, dass Baaks’ Liebhaberin und Lebensretterin mit ihren „25 Jahren bereits einige Milliarden Jahre alt“ war. Auf diese Weise gibt sie sich als eine Verkörperung des „Ewig Weiblichen“, als ein leibhaftiger Avatar der aphroditischen Magna Mater zu erkennen. Darüber hinaus figuriert Johannas Glücksversprechen auch als eine vollständige Verkehrung der Geheimen Offenbarung des heiligen Johannes. Dessen Buch der Sieben Siegel hat sich bei Johanna verwandelt in die Geheimschrift ihres entsiegelten Schoßes: „Sie öffnete ihm ihre Schenkel wie Tagebücher.“ So mutiert das apokalyptische Weltgericht Gottvaters im Himmel in die ekstatische Welterlösung durch die Muttergöttin auf Erden. In dieser chiliastischen Kontrafaktur ist nicht mehr das Wort Gottes, der himmlische Logos, sondern der irdische Eros, die Wollust der Göttin, das schöpferische Urgesetz, das die Welt im Innersten zusammenhält. Goethe hat dieses muttermythische Mysterium auf die Faustische Formel gebracht: „So herrsche denn Eros, der alles begonnen.“

Auf diese epische Rückkehr zu den archaischen Ursprüngen spielt auch eine Anekdote des Romans an, die das Menschenleben mit seinem Tod beginnen lässt, es durch verschiedene Entwicklungstufen bis zu seinen Anfängen in der Gebärmutter zurückverfolgt, um es schließlich im Zeugungsorgasmus enden zu lassen. Diese ontogenetische Regression führt mythographisch gesehen zurück in den elementarsymbolischen Orcus Uterus, das sagenhafte Mutter- und Totenreich, über dessen prima materia die allmächtige Magna Mater herrscht und richtet und deren Urstoffe sie zu lebendigem Dasein verdichtet. Diesem Vorbild entsprechend wird Johanna mehr und mehr zum delphischen Orakel, aus dem immer wieder die Zaubersprüche dieses Stoffwechsels, die Beschwörungsformeln von Zufall und Notwendigkeit, Wahrheit und Wahrscheinlichkeit wie leitmotivische Nebelschwaden aufsteigen und das gesamte Erzählgeschehen schwängernd durchziehen.

Der Rausch der Bilder und Einbildungen erreicht seinen numinösen Höhepunkt, als Baaks auf einer Kunstauktion das Gemälde „Dame Evolution“ für eine astronomische Summe ersteigert und es damit zum teuersten Kunstwerk aller Zeiten macht. Wie es sich herausstellt, handelt es sich bei diesem Gemälde um ein Selbstportrait Johannas „nackt in einem Zugabteil, die Beine übereinandergeschlagen, schwarze Stiefeletten“. Für Baaks ist dieses Bild ein Inbild sinnlich-sinnbildlicher Vollkommenheit, Darwinsche Domina und Munchsche Madonna in matriarchaler Personalunion. Und so errichtet Baaks, ganz ödipaler Muttersohn, seiner enigmatischen Sphinx eine Art Herrschaftsthron, ein museales Mausoleum, das er täglich zur „geheiligten Stunde“ besucht. Für ihn haben sich in diesem idolischen, erotisch-religiösen Idealbild Kunst und Leben zu einem einzigartigen Gesamtkunstwerk verdichtet.

Hand in Hand mit dieser sakralen Hommage an seine symbolische Kunstfigur geht die satirische Demontage des internationalen Kunstmarktes, dessen Hype und Hysterie in diesem Roman immer wieder zur Zielscheibe von Spott und Hohn werden. Die jüngste chronique scandaleuse um den Gemäldefälscher Wolfgang Beltracchi kann als ein weiteres Exempel gelten für die unheilige Allianz von Kunst und Kapital und ihre zwielichtige Welt aus Tausch und Täuschung. Die doppelte Optik, mit der Uhlig-Romero Sein und Schein dieser Kunstwelt ins Visier nimmt, macht seinen Roman zu einem kongenialen Reflexionsmedium, in dem sich komplexe Aspekte der Berliner Kulturgeschichte beispielhaft widerspiegeln.Wohl keine andere Metropole Europas hat in den letzten Jahren kunstschaffende und kunstvermarktende Synergien so magnetisch angezogen wie das wiedervereinte Berlin. Hier schossen Kunstgalerien aus dem Boden wie einst die Amüsierkabaretts in der Weimarer Republik. Zudem spielte Berlin im zwanzigsten Jahrhundert eine exemplarische Rolle als Barometer für die fundamentalen Veränderungen der Epoche. Hier vollzog sich der Wandel der Moderne, der systematische Paradigmenwechsel von der patriarchalen Realität zur matriarchalen Utopie, sicherlich am spektakulärsten.

Während zum Beispiel im imperialen Berlin Kaiser Wilhelms die Stechschrittparaden der zum Krieg aufmarschierenden preußischen Soldaten das Stadtbild bestimmten, ist vice versa das Image des republikanischen Berlins der Zwanziger Jahren von den Attraktionen der Revue Girls, dem Nackttanz des Weimarer Cabarets und – last but not least – der beginnenden gesellschaftlichen Selbstverwirklichung der „Neuen Frau“ geprägt. Entsprechend wurde die Weimarer Republik als „Frau Republik“ und Berlin als „Hure Babylon“ so berühmt wie berüchtigt. Die treibende Kraft dieser sexuellen Revolution inspirierte auch noch die Eskapaden der Berliner Kommune I zu Beginn der siebziger Jahre und feierte schließlich im Berlin der neunziger Jahre und seiner bunten Love Parades ihre letzten, fröhlich-frivolen Urständ. Ultimatives Sinnbild dieser hedonistischen Körperkultur sind wohl Helmut Newtons weltberühmte „Big Nudes“, die unübersehbar die Wände der Helmut Newton Bar in Berlin Mitte zieren. „Make Love not War“, dieses Fanal der 68er Generation ist ihren veritablen Venus-Figuren buchstäblich von Kopf bis Fuß auf den Leib geschrieben. Ihr photogener Auftritt inszeniert metaphorisch gesehen das Comeback der antiken Amazonen, der fabelhaften Vorreiterinnen aller modernen Frauen-Emanzipationen. Zudem figurieren die schamlos Schönen von Helmut Newton auch als passende Ergänzung zu Käthe Kollwitz‘ gramvoller Mutter in Berlins Alt-Neuer Wache, wo sie der Opfer ihrer zahllosen, im Krieg gefallenen Söhne gedenkt.

Das ikonische Potential dieser imaginären Konstellationen ließe sich kulturutopisch noch bedeutend weiter projizieren. So wie einst die „Langen Kerls“ für den preußischen König ihr Leben in die Schanze schlagen mussten, so könnten heute die „Big Nudes“ sinnbildlich gesprochen der deutschen Kanzlerin als ehrwürdige Leibgarde dienen. Statt männlichem Kampfgewühl böten sie nun weiblicher Sex-Appeal. Damit ließe sich symbolisch bestens Staat und Reklame machen. In diesem Sinne repräsentierten Newtons „Nudes“ nicht nur Weimars legendäre Freikörperkultur, sie reflektierten auch den Geist der heutigen Zeit und sein so vielberufenes Ideal der größtmöglichen Freiheit. So wären diese Super Models auch die Muster- Mädel der Kanzlerin und – quod erat demonstrandum – die schönen Freudenfunken der vielbesungenen „Tochter aus Elysium“.

Angesichts des Wunderjahres 1989 und seiner friedlichen Berliner Revolution – dem Wunder aller deutschen Nachkriegswunder von „Fräuleinwunder“ bis „Wirtschaftswunder“ – ließen sich Newtons „Wonder Women“ auch als wunderbare Wiedergängerinnen von Walter Benjamins „Angelus Novus“, dem umstürmten „Engel der Geschichte“ denken und deuten. Als wandelnd verwandelte „Angela Nova“ könnten sie zu neuen, schönen Schutzengeln von – nomen est omen – Angela Merkel werden, um sie fortan auf ihrem umstrittenen Feldzug als große Mutter Courage der europäischen Wirtschaftsgemeinschaft schützend und schirmend zu begleiten. – Doch genug der Projektionen in Raum und Zeit, genug der endlosen Männerphantasien rund um die „Imaginierte Weiblichkeit“.

„Back to the Future“, diese Parole der Postmoderne ist auch Uhlig-Romeros Zeitreise auf mannigfaltige Weise eingeschrieben. Anfang und Ende aller menschlichen Sehnsüchte ist und bleibt – allen kritischen Theorien zum Trotz – die „restaurative Utopie“ der Großen Mutter, in anderen Worten, das aphroditische „Paradise Now“. Dieser mythisch moderne Spannungsbogen verleiht auch Uhlig-Romeros Bilder- und Bildungsroman seine innere Dynamik und dem wissenschaftlichen Eros seines schillernden Liebespaares immer wieder logische Kohärenz und imaginative Brillanz.

Frederick A. Lubich


Grit Poppe, Abgehauen (Hamburg: Cecilie Dressler Verlag, 2012) 336 Seiten.

„Es war dunkel, vollkommen dunkel. Sie stand allein in der Finsternis und rührte sich nicht.“ Sie ist die 16jährige Gonzo, die seit Tagen wegen rebellischen Verhaltens in Einzelhaft in einer Dunkelzelle im berüchtigten Jugendwerkhof im sächsischen Torgau einsitzt.

Es ist Spätsommer 89. Von Veränderung oder gar Zusammenbruch der DDR ist in dem Knast, in dem sogenannte verhaltensauffällige Jugendliche zu „vollwertigen sozialistischen Persönlichkeiten umerzogen“ werden sollen, nichts zu spüren. Gonzo ist sadistischen „Erziehern“ und willkürlicher körperlicher wie psychischer Gewalt erbarmungslos ausgesetzt. Nur einen Weg aus der Hölle gibt es: Sie verletzt sich so schwer, dass sie in ein Krankenhaus muss. Bei der Überführung in ihren Stammwerkhof nutzt Gonzo eine Pinkelpause als Gelegenheit zur Flucht.

„Wenn sich eine Tür schließt, öffnet sich eine andere“, heißt vielleicht darum sinnbildlich eine Zwischenüberschrift in dem neuen Roman „Abgehauen“ von Grit Poppe, in dem Gonzos Odyssee durch diverse Kinderheime und Werkhöfe erzählt wird, aus denen sie abhaut (im DDR-Jargon wird sie unter der Rubrik  „Dauerentweicherin“ geführt), immer wieder eingefangen wird, bis sie schließlich in Torgau landet.

Sie entkommt, trifft in einer Schrebergartensiedlung auf den 18jährigen René, der über Prag aus der DDR fliehen will. Sie schließt sich ihm an. Das ist die andere Tür, die sich ihr öffnet, raus aus der DDR, „in ein Land ohne Torgau“, denn „wenn dir ein Riegel durch die Seele gerammt wird, hast du jedes Recht der Welt, nach dieser verdammten Tür zu suchen.“  Gemeinsam wagen sie den Weg über die grüne Grenze von Sachsen in die Tschechoslowakei und finden in die deutsche Botschaft, wo sie, wie Tausende andere, auf dem Gelände ausharren.

Eindringlich, als wäre sie selber dort gewesen, beschreibt Poppe im zweiten Teil des Buches die Zustände in der Prager Botschaft: die beengten Verhältnisse, das ewige Warten, den Schmutz, die Langeweile, die Zweifel, die wachsende Anspannung, die sich in Aggressionen entlädt, weil die Menschen zur Untätigkeit verdammt sind.

Doch das sind nur die äußeren Umstände. Vielmehr geht es Poppe in Abgehauen — dem Nachfolgeroman von Weggesperrt, in dem sie bereits den Weg der 14jährigen Anja durch staatliche Erziehungsanstalten schilderte — um die Verwüstungen der Seele, die Erlebnisse an Orten wie Torgau hinterlassen.

Stets verflechten sich Begebenheiten mit Assoziationen. So erzeugt der Geruch von Sauerkraut bei der Essensausgabe im Hof der Prager Botschaft einen widerlichen Geschmack auf der Zunge, Gonzo hört Riegel knallen, einen Schlüssel im Schloss, „dann wird es dunkel, stockdunkel“.

In äußerst prägnanter Sprache, beinahe abgehackten Sätzen, beschwört Poppe die Schrecknisse herauf, schildert feinnervig die Gefühlswelt der Protagonistin, wobei sich die Autorin auf Zeitzeugenberichte stützt, verwebt ziseliert Gegenwart und Vergangenheit. Kleinste Begebenheiten katapultieren Gonzo in die Hölle zurück . Unvermittelt ist er wieder lebendig, der „Torgauer Dreier“, eine Kombination aus Liegestütz, Hockstrecksprung und Hocke, der bis zur völligen Erschöpfung ausgeführt werden musste. Oder der „Entengang“: die Treppen hoch und runter, bis  einer zusammenbricht. Die Zwangsarbeit wie das Zusammenschrauben von Waschmaschinenschaltern – und wehe, die Norm wurde nicht erfüllt.  Krank werden gab es nicht. Wer sein Essen erbrach, musste das Erbrochene aufessen. Wer sich nicht mehr zu helfen wusste, schluckte schon einmal Schrauben oder Nägel.

Was bleibt, ist ein verunsicherter, misstrauischer junger Mensch, der schweigt, über das, was war. „Ihr war nicht zu helfen. Niemand konnte das. Die Vergangenheit ließ sich nicht ändern. Sie hatte sich in ihr festgesetzt: in ihrem Blut, ihren Knochen, ihrem Herzen.“ Es ist ihre ganz persönliche Hölle, der Gonzo scheinbar nicht entrinnen kann, die ihr wie ein böser Kobold, sie nennt ihn „Panik-Punk“,  im Kopf sitzt und jeden Versuch der Befreiung von den dunklen Schatten zu torpedieren sucht: „Eine Flucht ist sinnlos. Wohin du auch gehst, du wirst ES immer mit dir herumschleppen“.

Auch wenn am Ende Genscher die Ausreise der Flüchtlinge in die Bundesrepublik verkündet und der Weg frei ist, die Türen offen sind, Gonzo endlich ein neues Leben beginnen kann, kommt sie nicht los vom alten. Es verschwindet nicht einfach wie das Jugendgefängnis, das nach dem Mauerfall stillschweigend aufgelöst wurde. Gonzo begibt sich noch einmal zurück an den Ort der Folter. Die Sichtblenden der Zellenfenster und der Stacheldraht sind abmontiert und verrotten im Hof, Unkraut bahnt sich überall seinen Weg. „Schau mal einer an, da wollen sie wohl Gras über die Sache wachsen lassen.“  Solche Verknappungen, ebenso wie die Selbstzweifel und Verunsicherungen der Protagonistin und der von Poppe durchweg nüchern gehaltenene Ton, ohne jegliche Larmoyanz, sind es, die das Buch zu einer überaus beklemmenden Lektüre machen.

Susanne Schädlich (Berlin)


Ulrich Bergmann, Doppelhimmel Bonn: Free Pen Verlag, 2012. 182 Seiten 

Halle an der Saale. Sowjetische Besatzungszone. Anfang der Fünfziger Jahre.  Hier wohnt Janus Rippe zusammen mit seiner Mutter und seinen Großeltern Luise und Carl in einem bürgerlichen Haus. Janus’ Vater Robert, ein Arzt, gilt als verschollen. Das Kind, es wurde im letzten Fronturlaub gezeugt und wird im vorletzten Kriegsjahr geboren, kennt seinen Vater nicht.  Eine typische Nachkriegsfamilienkonstellation, eine vom Krieg verwundete Familie.

Mit  Doppelhimmel hat Ulrich Bergmann,  selber aus Halle stammend, seinen ersten Roman vorgelegt, der biografische Züge erkennen lässt. Feinfühlig und unsentimental erzählt er darin den Kosmos einer Familie in der Zeit nach 1945. Das besondere daran: er erzählt die Geschichte zum größten Teil aus Sicht des Jungen Janus, der, neugierig, aber vor allem unversehrt, die zerrüttete Welt der Großen erfährt, ohne sie als zerrüttet zu empfinden. Er ist wie ein Schwamm. Nimmt wahr, setzt sich aus, hört hin, lässt sich ein, deutelt nicht.

Es ist ein scheinbares Miteinander, denn im Grunde lebt jeder für sich allein, die Erwachsenen mit ihrer Vergangenheit und den Erinnerungen, das Kind in seiner Phantasie, und doch leben sie alle unter einem Dach.  Da ist Usch, Janus Mutter, jung und lebensfroh. Janus’ eigenwilliger Großvater, der sich dem Aufbau eines neuen Deutschland verschrieben hat, sich noch Illusionen hingebend liberaldemokratische Artikel verfasst und weltfremd über alte Zeiten und große Themen philosophiert wie Gott, das Leben und den Tod.  Die Großmutter Louise, zupackend, der Fels in der Brandung,  den Umständen entsprechend realistisch. Und eben Janus, der den Namen des römischen Gottes des Anfangs und des Endes, der Ein- und Ausgänge, der Türen und Tore trägt. Mittler zwischen Menschheit und Göttern. Als könnte er irgendwann die Brücke schlagen zwischen dem Jetzt und Später. Janus unter zwei Himmeln, auch politisch, Deutschland ist geteilt.

Doch Janus ist ein Kind, gerät als solches in das Getriebe des Weltgeschehens und der Erwachsenenwelt mit all ihrer Schuld und Geschichte. Konkret wird sie, als Janus’ Vater 1953/54 aus russischer Kriegsgefangenschaft zurückkehrt. Usch hatte ihn für tot erklären lassen, hat wieder geheiratet und ein zweites Kind. „Janus ist neun, er hat Usch und Mama Luise und Carl. Und er hat einen Vater. Der war tot. Aber jetzt lebte er wieder.“

Bergmanns Stil ist eindringlich, knappe Sätze evozieren Bilder und Emotionen, kunstvoll variiert der Autor die Erzählperspektiven. Störend allein, wenn er sich als Ich-Erzähler einbringt und aus der Gegenwart reflektiert.  Immer wieder mischen sich Gedanken und Erinnerungen in die Geschichte von Janus, am eindrucksvollsten die Schilderung der Kriegs- und Gefangenenerlebnisse des Vaters.  Illusionen, Träume, Hoffnungen, sie haben im Himmel, egal welchem,  keinen Platz. „Die Hoffnung ist Wundpflaster und Selbstbetrug zugleich“, so hatte sich Robert sein Dasein schon im sibirischen Schweigelager zurechtgelegt.  Nach seiner Heimkehr beschließt er, in die Bundesrepublik zu gehen. Seine Eltern, die in der DDR längst als ‚reaktionär’ gelten und im Visier der Staatssicherheit sind, holt er nach.

Janus kommt ebenfalls zum Vater, Usch übergibt ihn höchstpersönlich, sozusagen als Schuldpfand. „Gib Robert wenigstens seinen Sohn! Kein Tag ohne diese Gedanken … an Russland, an das Lager… Ich war allein, ich war eine junge Frau. Ich wollte wieder leben, ich verlor mich an den Frieden, der Stacheldraht schnürt mir die Luft ab, der Stacheldraht in Russland, und der Stacheldraht hier“, so resümiert Usch.

So ziehen sich Trennung und Teilung durch das Leben des Knaben. Nichts ist zu haben, ohne etwas anderes dafür hergeben zu müssen. Doch er ist sonderbar entrückt. Unweigerlich hineingezogen in die Geschichte der Eltern und Großeltern, „Ich bin geteilt“ sagt Janus; als er 1967 in Ost-Berlin seiner Mutter begegnet, will er sich ihr gleichzeitig entziehen.

Doch ein Ende gibt es nicht, auch keine Türen und Tore. Er steht dazwischen. Zwischen Vater und Mutter, Ost und West, sich und der Welt, kann kaum etwas dagegen setzen. Mit „Doppelhimmel“ ist Bergmann ein bewegendes Buch über das geteilte Deutschland der Nachkriegszeit gelungen, das es zu entdecken gilt.

Susanne Schädlich (Berlin)


Bernd Cailloux, Gutgeschriebene Verluste. Roman memoire. Berlin: Suhrkamp Verlag, 2012

Café M, Domina, Dschungel, Risiko, Ruine, Kumpelnest, das Café Swing. Wer kennt sie nicht, diese Orte aus den guten alten Zeiten im guten alten Westberlin. Ich eroberte sie erst mit 16 oder 17 für mich, in den 80ern, als die hippen Künstler und Schriftsteller und Musiker schon in die Jahre kamen, dort herumhingen, das Flair der Bohéme verbreiteten und das alternative Kunst- und Kulturleben dieser halben Stadt prägten. Einstürzende Neubauten, Notorische Reflexe, Manna Maschine. Jeder war ein Star, und wer noch keiner war, wollte einer werden. Ich bestaunte sie, diese Leute und diese Welt, saß meist in einem dieser Cafés, scheu, mit einem Buch und beobachtete.

Jetzt, dreißig Jahre später, halte ich wieder ein Buch in der Hand: „Gutgeschriebene Verluste“ von Bernd Cailloux, Jahrgang 1945. Ich schmunzle des öfteren nicht schlecht, denn obwohl ich so viel jünger bin, so erkenne ich doch den einen oder anderen Portraitierten wieder in dieser selbstironischen, zuweilen sarkastischen, Lebensbilanz eines „Übriggeblieben“.

So nennt ihn seine wesentlich jüngere Freundin, die er im Café Fler in Schöneberg kennenlernt. Diese Liebesgeschichte zwischen Ella und dem Flaneur, der nun sein Leben durchstreift wie einst Franz Hessel das Berlin der 20er Jahre, bildet die Rahmenhandlung des Romans. Nach kurzfristiger Ekstase des Glücks zeigen sich unüberbrückbare Differenzen zwischen dem zaudernden Ironiker und der zur Exaltiertheit neigenden, überemotionalen Alleinerziehenden. Der durchs Leben treibende, einzelgängerische, launische Mittsechziger und „sich selbst zum Geistesmenschen erhebende Geringverdiener” ist zum gemeinsamen Nestbau nicht zu überreden. Der schwindenden Hoffnung auf eine feste Bindung geschuldet, schüttet Ella ihren ganzen Männerhaß über dem Helden aus, und so führt der späte Versuch, eine konventionelle Bindung einzugehen, sich ganz konventionell selbst ad absurdum. Die tragische Komik dieser Beziehung verwandelt sich in melancholisches Scheitern, das irgendwie immer vorprogrammiert zu sein scheint.

Sein zweites Gegenüber hat der Ich-Erzähler in Leiser, einem Freund aus alten Tagen, einem wortkargen Poeten, der es, im Gegenteil zum Erzähler, zu etwas gebracht hat, mit dem er im Fler über alles und jeden spricht und der sein kritisches alter ego zu sein scheint. In der Rückbetrachtung werden sich gegenseitig die Versäumnisse und Verfehlungen aufgetischt – das Leben passiert Revue.

Eine Reise mit Ella an den Geburtsort im Thüringischen bringt zwar ein wenig Licht ins Dunkel der frühesten Kindheit des Ich-Erzählers, stellt sich aber als „therapeuticum interruptum“ heraus, weil eben doch nicht das ganze Leben mit den frühen Leiden und Verlusten zu erklären bzw. zu rechtfertigen ist; ebensowenig mit der Hepatitis C, die er sich in einer Drogennacht beim needle sharing vor Äonen eingefangen hat. Auch das Virus – eine Metapher für die 1968er? -, muß für das halb verkrachte Leben herhalten und führt jetzt zur klinischen Diagnose von noch zwei Jahren Lebenszeit. Nur die Inferon-Therapie kann den sicheren Tod abwenden. Katharsis in der Postmoderne.

„Gut geschriebene Verluste“ hat keine chronologische Handlung. In kreisenden Reflexionsprozessen setzt der Autor immer wieder an neuen Lebensstationen an, mit feiner Ironie führt er sich und die 1968er vor, die Hedonisten, die alles umwälzen, die nicht dazu gehören wollten und jetzt etabliert in sicheren Häfen ihren spießigen Existenzen frönen. Nur der Held des Romans ist und bleibt ein „Schwellenwesen“, wie er am Ende so schön non chalant feststellt, als er zusammen mit dem Ex-Terroristen Peter Jürgen Boock und anderen Mitdiskutanten auf einem Podium sitzt und merkt, er sitzt mal wieder zwischen allen Stühlen, jedes bon mot verfault ihm im Munde, und mit dem SDS konnte er sowieso nie mithalten.

So ist das mit der Vergangenheit. Sie ist voller Abgründe und Peinlichkeiten, vor allem aber voller Verluste, die aber gutgeschrieben werden müssen. Das ist Bernd Callioux glänzend gelungen: Gut geschrieben, abgeklärt, gnadenlos bissig, pointiert ist es, dieses autobiographische perpetuum mobile, das den vermeintlichen Glanz einer ganzen Generation noch einmal aufleuchten läßt, die sich selbst erledigt hat. Nicht mehr Zukunft, sondern Vergangenheit ist er, stellt der Ich-Erzähler irgendwann lakonisch fest, als sei es schon immer so gewesen, und kehrt die Maxime seiner Sinnsuche, daß das Leben zwar rückwärts verstanden, aber vorwärts gelebt werden müsse (Kierkegaard), sinnreich um.

Susanne Schädlich, Berlin


Hans Joachim Schädlich: Sire, ich eile. Voltaire bei Friedrich II. Eine Novelle. Rowohlt. Reinbek bei Hamburg 2012

Friedrich II. von Preußen war eine höchst widersprüchliche Persönlichkeit. Einerseits hat er sein Land zur Großmacht erhoben, nutzbringend den Kartoffelanbau befördert und Sumpfgebiete trockenlegen lassen, ja sogar Rechtsgleichheit verfügt und ein Toleranzgebot erlassen, die Folter (allerdings nicht die Leibeigenschaft) abgeschafft, ferner sein Rokokoschloß Sanssouci ganz nach eigener Vorstellung erbaut, barocke Flötenstücke komponiert und Gedichte in französischer Sprache verfaßt. Deshalb galt der Autor der bemerkenswert human angelegten Schrift „Antimachiavell“ nicht wenigen als aufklärerischer „Philosoph auf dem Thron“ sowie, eigener Bekundung nach, als „der erste Diener seines Staates“.  Auf der anderen Seite aber charakterisierte ihn, wenn man der begründeten Meinung des Schweizer Kulturhistorikers Jacob Burckhardt folgt, eine völlige „Mißachtung der menschlichen Würde“. In der Tat gehörte er zu den schlimmsten Kriegsverbrechern und Massenmördern seiner Zeit. Rücksichtslos verfolgte der ruhmgierige Hasardeur nämlich seine widerrechtliche Machtpolitik. Nicht ohne Grund galt der „alte Fritz“ in den betroffenen Gebieten als berüchtigter „Witwenmacher“. Über eine Million seiner Untertanen verloren durch das eroberungssüchtige Gehabe des Königs ihr Leben.

Die Erhebung des Preußenkönigs durch die Nachwelt zum „Großen“ hat viel zu tun mit dem auffallenden Mangel an überzeugenden Regierenden in deutschen Landen seit der Neuzeit, ebenso mit dem Mißverständnis, in ihm einen „aufgeklärten Monarchen“ zu sehen. Denn allemal endete sein Aufklärungsbedürfnis dort, wo sein absoluter Machtanspruch tangiert wurde. Bezeichnenderweise legte Friedrich Schiller Wert auf die Bemerkung über seinen Zeitgenossen, er könne „diesen Charakter nicht liebgewinnen“. Sogar der zur Zeit des Ersten Weltkriegs eher preußenfreundliche Thomas Mann mußte in seinem Aufsatz von 1915 über „Friedrich und die große Koalition“ einräumen, der ungute Charakter des Königs sei mit zunehmendem Alter „noch höhnischer und boshafter denn zuvor“ geworden.

Die besondere Vorliebe des sich gerne als Schöngeist gerierenden Herrschers, der mit der deutschen Sprache auf Kriegsfuß stand, gehörte der Kultur Frankreichs. Deswegen bemühte er sich um die Gunst Voltaires, der als „König der Philosophen“ höchstes Ansehen in ganz Europa genoss. Dieser vielseitig begabte Freigeist repräsentierte unangefochten die Kultur seines Landes. Er hatte lediglich eine große Schwäche: er war adels- und geldversessen. Zwar hatte diese Einstellung einen durchaus achtbaren Grund. So glaubte er seine Unabhängigkeit als freier Schriftsteller sichern zu können. Doch trieb er dabei im Falle des preußischen Absolutisten, wie sich zeigen sollte, den Teufel mit Beelzebub aus. Der Kontakt zu dem achtzehn Jahre jüngeren König schmeichelte freilich seiner Eitelkeit. Ungeachtet der Warnungen seiner Geliebten, Emilie du Châtelet, beging er den Fehler, sich auf das gefährliche Spiel mit dem absolutistischen König einzulassen.

Die ungleiche Beziehung zwischen Regent und Freigeist ist Gegenstand des neuen Buches von Hans Joachim Schädlich. Im Gegensatz zu den meisten der zahlreichen Veröffentlichungen zum 300. Geburtstag des ‚großen Königs‘ ist es ihm nicht darum zu tun, die Bedeutung von dessen Leben und Wirken darzustellen. Mit souveränem Überblick über die gegebenen Fakten konzentriert er seine Erzählung auf die wesentlichen Momente des für Friedrich unrühmlichen Ablaufs der Begegnung beider. Insgeheim wird im selben Zug der unselige preußisch-deutsche Mythos vom „großen König“ demontiert. Ersichtlich hat der Autor vor dem Beginn der Arbeit an seiner Geschichte eine Fülle von Quellen genau studiert: Briefe, Dokumente, Biographien und Abhandlungen. Stellenweise wirkt die Erzählung wie eine Montage überlieferter Fakten. Aber Schädlich war von Beginn an ein Meister der Verbindung von historischen Zeugnissen mit eigener Erfindung. So auch hier. Durch die Authentizität seines Schreibens wird Faktisches Fiktion und Fiktion faktisch. Mit bewundernswerter Fähigkeit zur narrativen Reduktion gelingt es ihm auf nicht ganz 150 Seiten, die entscheidenden Begebenheiten des Zusammentreffens dieser konträren historischen Persönlichkeiten mit konkreter Schärfe zu vermitteln. Beispielhaft verfolgt er dabei den eigentlichen Antrieb seines Schreibens weiter: den Mißbrauch der Macht anzuprangern und ihm ein, oft zwischen den Zeilen verstecktes, aber deutlich spürbares Zeichen humaner Haltung entgegenzusetzen.

Klar gegliedert in zwei Teile entfaltet Schädlich seinen Erzählzusammenhang. Der erste Teil beschreibt in 18 Kapiteln den Beginn der freundschaftlichen Begegnung zwischen Friedrich von Preußen und dem „König der Aufklärung“ in den Jahren von 1736 bis zum Aufbruch Voltaires nach Potsdam 1750. Der aus 14 Kapiteln bestehende zweite Teil deutet lediglich kurz den Verlauf seines fast dreijährigen Aufenthalts bei Friedrich II. (1750-1753) an, konzentriert sich jedoch hauptsächlich auf die Wiedergabe des kläglichen Endes der unmöglichen Verbindung von Freigeist und Machtmensch. Mit der ausführlich geschilderten Inhaftierung Voltaires in Frankfurt erreicht die Darstellung dann ihren bezeichnenden Endpunkt. Von diesem schäbigen Finale her geht dem Leser auf, warum der Marquis de Mirabeau nach dem Tod Friedrichs 1786 nüchtern registrieren konnte. „Alle Welt beglückwünschte sich. Kein Bedauern wird laut“.

Der frei entwickelte Erzählzusammenhang enthält eine Menge eingefügter Zitate aus Briefen und anderen Quellen. Authentisch sprechen sie für oder gegen die Urheber. Dennoch gibt der Autor den Erzählfaden keinen Augenblick aus der Hand. Er entscheidet über die Auswahl. Die eigenen Schilderungen und in den Kontext von ihm eingearbeitete Dialoge ergänzen, gelegentlich nicht ohne ironische Untertöne, die zitierten Partien. Historische Realität und Erzählwirklichkeit sind so aufeinander abgeglichen, dass manch ein Leser vom spannenden Geschehen voll absorbiert werden kann und dabei die durch den Gestaltungsprozess herbeigeführte poetische Verwandlung übersieht. Denn der Erzählablauf enthält einen für das ästhetische Verständnis entscheidenden, durchgängig mitschwingenden kommentierenden Subtext. Um ihn zu vermerken, bedarf es gründlich mitvollziehender Reflexion.

Souverän setzt Schädlich die von ihm gewollten Akzente. Die wohlüberlegte Komposition verfolgt ein klares Ziel. In jedem Kapitel kommt schlaglichtartig eine sich einprägende charakteristische Verhaltensgeste zum Ausdruck. Etwa, um ein Beispiel herauszugreifen, im fünften Kapitel (I,5) die für die stimmige Beziehung zwischen Voltaire und seiner „göttlichen Geliebten“ (27), Emilie du Châtelet, mitgeteilte Beobachtung: sie „fühlten sich … glücklich, als Liebende, als geistige Arbeiter, als Freunde“ (23). Über diese qualitative Zuschreibung kann man lange nachdenken. Offenkundig bildet die menschlich gelingende Begegnung den Gegenpol zu der am Ende katastrophal mißlingenden ‚Freundschaft‘ mit Friedrich, dem bloß vorgeblichen Aufklärer, weil der sich als rücksichtsloser Despot mit einer „Schlachterseele“ (56) entpuppt.

Oder als weiteren Beleg ein anderes Schlaglicht: Die klare Erkenntnis Emilies im achten und elften Kapitel (I,8, I,11), dass Friedrich den umworbenen Voltaire nur für seine Interessen benutzen will: „Er ist nicht dein Freund. Er will dich besitzen, wie er andere Schmuckstücke besitzt. Du sollst seinen Ruhm mehren“ (47). Weil diese besondere Frau Friedrichs Absichten durchschaut und ihn deswegen ablehnt, wird sie zur menschlich überzeugenden Kontrastfigur. Friedrich erkennt das rasch und will sie darum wegschieben. Ungescheut schreibt er Voltaire: „Es geht … um Sie, um meinen Freund. … Die göttliche Emilie, bei all ihrer Göttlichkeit, ist doch nur ein Accessoire des newtonisierten Apoll“ (47). Freilich schützt die Klarsicht der Geliebten Voltaire nur, solange er mit ihr zusammen ist, – „Solange ich lebe“ (47), wie sie ihn ahnungsvoll wissen läßt.

Voltaire reagiert anders. Viel zu sehr fühlt er sich vom königlichen Werben geschmeichelt. Obwohl er schon bei der ersten Begegnung auf Schloß Moyland bei Kleve erfahren muß, dass der vermeintliche schöngeistige Partner in Wahrheit ein übler „Machtmensch“ (47) ist, der, ohne ihm gegenüber auch nur ein Wort darüber zu verlieren, seine Truppen aufmarschieren läßt, wo und wie es ihm gerade zupaß kommt. Ungeachtet dessen gefällt der Philosoph sich in der Rolle des Mentors für den von ihm als „Salomon des Nordens“ (44 und 51) gefeierten Herrscher. Schlimmer noch: Nach Friedrichs Überfall auf Schlesien notiert er zwar für sich die zutreffende Bemerkung: „Der König von Preußen hält sich für einen zivilisierten Mann, doch unter der dünnen Außenhaut des Ästheten liegt … die Seele eines Schlachters“, lobt ihn jedoch ebenso als seinen „Helden“. Einerseits schreibt er ihm mahnend: „Werden Sie denn niemals aufhören, Sie und Ihre Amtsbrüder, die Könige, diese Erde zu verwüsten, die Sie, sagen Sie, so gerne glücklich machen wollen“ (59). Gleichzeitig aber betont er emphatisch: „dennoch, großer König, lieb‘ ich Sie“ (60). Zwei Reisen nach Rheinsberg 1740 und Berlin 1743 vertieften dann eher noch die beidseitige Wertschätzung. So kam es, wie es kommen mußte.

Bald nach Madame du Châtelets frühem Tod macht Voltaire sich, der dringlichen Aufforderung Friedrichs folgend, im Juni 1750 auf nach Sanssouci („Sire, ich eile“, 84 und Titel). In seiner Verblendung begibt er sich ungeschützt in die Höhle des Löwen. Er wird, nach außen mit allen Ehren bedacht, als Kammerherr unversehens zum Besitz Friedrichs („Voltaire – besitzen! Schlesien – besitzen“ (85). In Kapitel II,2 findet sich das vom Autor für diese ambivalente Situation treffend ausgewählte Bild: „Friedrich streichelte Voltaire mit königlicher Samtpfote. Voltaire schien vergessen zu haben, dass es eine Tigertatze war, deren Hieb ihn zerschmettern konnte“ (87). Wahrlich, eine Schlüsselmetapher des Ganzen.

Den zeremoniell geregelten Umgang während des für den Philosophen in intellektueller Hinsicht bald eher langweiligen Aufenthalts läßt der Autor weithin beiseite. Ihn interessieren die Auswirkungen auf den privilegierten, aber bald nicht mehr so gern gesehenen Gast. Zunächst gelten des Königs „verletzende Scherze“ beim abendlichen Souper noch anderen. Als jedoch Voltaires unglückliche Finanzspekulation mit sächsischen Steuerscheinen ruchbar wird, demütigt ihn Friedrich mit Vorwürfen. Ein letztes Mal beugt sich der abhängig Gewordene den Launen des Regenten: „Ich habe Ihnen mein Leben geweiht. … Haben Sie Mitleid mit Bruder Voltaire“ (96). Er muß indes vernehmen, dass Friedrich über ihn verlauten ließ: „Ich brauche ihn höchstens noch ein Jahr. Man preßt eine Orange aus und wirft die Schale weg“ (97).

Insgeheim war damit der Bruch vollzogen. Nun konnten die Masken der Freundschaft fallen. Zum offenen Konflikt kommt es bald danach, weil Voltaire sich bei der Kontroverse zwischen Maupertuis, dem Präsidenten der Königlich-Preußischen Akademie der Wissenschaften, und Samuel König auf die Seite des in den Niederlanden tätigen Gelehrten stellt, obwohl Friedrich seinen Akademie-Präsidenten stützt. Für Voltaire ging es darum, die Freiheit des Schriftstellers zu verteidigen. Deswegen veröffentlicht er gegen die von Friedrich eigenhändig verfaßte Streitschrift für Maupertuis eine Spottschrift, welche der verärgerte König in Anwesenheit Voltaires verbrennen läßt. Die dann noch folgende öffentliche Verbrennung auf dem Berliner Gendarmenmarkt macht ihm vollends die Gefahr bewußt, in der er sich befindet. Darum will er nun bloß noch „ehrlich … desertieren“ (117). Friedrich gibt ihm den erbetenen Abschied mit der Auflage: „lassen Sie mir vor Ihrer Abreise Ihren Dienstvertrag, Kreuz (Orden Pour le mérite) und Schlüssel (Kammerherrn-Schlüssel) und den Gedichtband zurückbringen, den ich Ihnen anvertraute“ (119). Unverzüglich reist Voltaire am 26. März 1753 ab, allerdings ohne die ersuchten Objekte zurückzugeben. Er war der Meinung, „der Gedichtband stehe ihm zu angesichts der zahlreichen stilistischen Hilfen, die er Friedrich geleistet hatte“ (119). Das sollte er in der Folge bitter bereuen.

Die Reise Voltaires wurde schon in Frankfurt am Main jäh unterbrochen. Dort hatten zwei preußische Gesandte, Kriegsrat Freytag und Hofrat Schmidt, den von Friedrich erlassenen Befehl, dem Durchreisenden unverzüglich den Kammerherrenschlüssel und den Orden „ab(zu)fordern … und alles Beschriebene, … ingleichen ein Buch, welches Einlage besaget“ abzunehmen. Widrigenfalls solle er „arretiert“ werden. Erst wenn ihm „ohne Komplimente Alles genommen“ sei, dürfe er „alsdann reisen“ (121 f.). Mit einem zweiten Befehl wurde präzisiert, „alle königlichen Manuskripte“ und „das Buch … Oeuvres de Poésie“ (123) seien sicherzustellen. Da Voltaire allein die königlichen Briefe, das Ordenskreuz und den Schlüssel aushändigen konnte, weil das Buch sich in einer in Leipzig zurückgelassenen Kiste befand, wurde ihm die Weiterreise unter Androhung der Arretierung verweigert. Er mußte sich ehrenwörtlich verpflichten, „unter Hausarrest im Gasthaus zu bleiben“ (124), bis die Kiste nachgekommen sei. Die Behörden der Freien Reichsstadt ließen das, vom königlichen Befehl eingeschüchtert, geschehen. Damit begann eine böswillige Schikane, die Voltaire später mit guten Gründen als „Ostgoten- und Vandalengeschichte“ bezeichnete (140). Es zeigt das wahre Gesicht des rachsüchtigen Königs und seiner willfährigen Handlanger, dass der Gefangene nicht nur über einen Monat festgehalten und in übler Weise schikaniert wurde, sondern dazu auch noch sein ganzes Reisegeld abgenommen bekam. Der lange Arm des Preußenregenten bewirkte sogar die Verweigerung des Aufenthalts im Einflußbereich des französischen und lothringischen Hofes. Mit einem Schlag war Voltaire „heimatlos“ (141). Aber er hatte nun seine Freiheit wiedergefunden.

Spürbares Vergnügen bereitete es Schädlich, in einem gesonderten Kapitel (II,6) am Beispiel einer ganzen Reihe von Briefen Friedrichs an seinen Kammerdiener Fredersdorf den miserablen Umgang des Monarchen mit der deutschen Sprache kritisch zu beleuchten. Zu Recht läßt er dabei durchblicken, wie sehr der die deutsche Literatur verachtende, selbstverliebte Schöngeist sich mit einer Art „Kutscherdeutsch“ (31) an seiner Muttersprache versündigte. Nebenbei deutet der Autor mit den zitierten anteilnehmenden Briefen an Fredersdorf äußerst diskret die homophile Neigung des Königs zu seiner „Pompadour“ (Wolfgang Burgdorf) an. Nicht ohne Grund vermißte Voltaire am preußischen Hof die „Anregung schöner Frauen“ (53).

Der vom Autor spannungsreich ausgestaltete Erzählbogen wird im kurzen Schlußkapitel (II,14) gezielt noch einmal weitergeführt. Im auswertenden Epilog findet nämlich Voltaire, der wieder freie Schriftsteller, hoch über dem Genfer See „ein köstliches Refugium: Les Délices – Die Wonnen“ (141). Die Wortwahl Voltaires für seine Bleibe bezeugt resümierende, in sich ruhende Gefaßtheit. Schädlichs Erinnerung an den Hausnamen genügt, um diese wichtige Haltung zu vermitteln. Damit kommt die letzten Endes unmögliche Begegnung Voltaires mit Friedrich II. zu ihrem wirkungsvollen Abschluß. Zurück bleibt im Bewußtsein des Lesers das entlarvende Bild eines zynischen Machtmenschen und das versöhnliche Gegenbild eines freien Denkers sowie, ergänzend und menschlich vertiefend, das Warnbild der hellsichtigen Emilie du Châtelet, jener großen Verfechterin vollkommener Unabhängigkeit. Hauptsächlich um dieses Paares willen hat der Autor seine ebenso scharfe wie überzeugende Abrechnung mit dem sogenannten großen, menschlich jedoch sehr kleinen Friedrich vorgenommen.

Angesichts der überwältigenden Flut mehr oder weniger huldigender Darstellungen zum 300. Geburtstag dieser vermeintlichen Lichtgestalt der deutschen Geschichte kann der kurzen, aber eindringlichen Erzählung Schädlichs wohltuender Abstand aus der Sicht eines kritischen Humanisten bescheinigt werden. Er hat das Kunststück fertig gebracht, die sich über einen weiten Zeitraum erstreckende Partnerschaft zweier Charaktere in ihrem Kern herauszukristallisieren, ohne sie auf ein Schema einzugrenzen. Mit unnachahmlicher Finesse versteht es nämlich der Autor, den dargestellten Figuren Lebensfülle einzuhauchen. Sie sprechen zu uns. Dank der parabolischen Stilhaltung des Textes zielt der erzählte Fall des 18. Jahrhunderts unmittelbar auf das Bewußtsein eines jeden heutigen Lesers. Ihm obliegt es, die damit zur Entscheidung vorgelegte Wahl zu treffen.

Theo Buck, Aachen


Anna Schädlich – Susanne Schädlich (Hrsg.), Ein Spaziergang war es nicht. Kindheiten zwischen Ost und West. Wilhelm Heyne Verlag. München 2012

An Berichten oder Zeugnissen von Künstlern und Intellektuellen, die in den 70er und 80er Jahren des vorigen Jahrhunderts als Dissidenten und Regimegegner die DDR verlassen mußten, ist kein Mangel. Allerdings bleibt bei der Darstellung ihrer weiteren Lebensläufe meist unberücksichtigt, dass sie in der Regel nicht allein vom einen Teil Deutschlands in den anderen übersiedelten, sondern ihre Familienmitglieder, vor allem die Kinder mitnahmen. Für sie, die ungefragt den Systemwechsel erleben mußten, bedeutete das Herausgerissenwerden aus dem bisher gewohnten Alltag oft einen existentiellen Bruch mit langanhaltenden psychischen Nachwirkungen. Es ist den beiden gleichfalls davon betroffenen Herausgeberinnen hoch anzurechnen, mit dem von ihnen zusammengestellten Buch diese Lücke geschlossen zu haben. Die von ihnen versammelten Beiträge geben dem Leser, ungeachtet des unterschiedlichen Niveaus der Lebensgeschichten, Aufschluß über dieses bisher ausgespart gebliebene Kapitel der deutsch-deutschen Geschichte. Die achtzehn Berichte der neunzehn zwischen 1965 und 1980 geborenen ‘Schicksalsgenossen und –genossinnen‘ ergeben im Zusammenwirken ein authentisches, reich facettiertes Bild der von ihnen gemachten Erfahrungen des Heranwachsens zwischen Ost und West. Von Verlusten, Verunsicherung, Verweigerung und Schwierigkeiten dieser zudem noch mit der Pubertät zusammenfallenden Zerreißprobe ist ebenso die Rede wie von gewonnener Selbstfindung und ungewohnter Kraft zu freier, kreativer Entfaltung.

Orientierende Schrittmacherdienste leisteten dabei sicher die beiden Bücher der Herausgeberin Susanne Schädlichs, in denen sie über die Geschichte ihrer eigenen Verunsicherung im anderen Deutschland ausführlich berichtet hat: Immer wieder Dezember. Der Westen, die Stasi, der Onkel und ich (2009) und Westwärts, so weit es nur geht (2011). Was dort mit bemerkenswerter Selbstdistanz und in gebührender Breite und Tiefe zur Darstellung kommt, wird uns in gebotener Kürze und Konzentration in nicht wenigen der Beiträge gut nachvollziehbar vermittelt. Sie leisten wirklich, was der Titel von Anna Schädlich, der anderen Herausgeberin, ankündigt: “Erzählte Erinnerung“. Gemeint ist erinnerte “Zerrissenheit, Entwurzelung, Trennungsschmerz“ (135). In bemerkenswerter Offenheit erfahren wir auf diese Weise, was es bedeutet, auf der Suche nach Identität in eine fremde Welt hineinwachsen zu müssen. Nicht immer gelingt es den Chronisten, so wie Nicki Pawlow ihren Beitrag mit den hoffnungsvollen Sätzen abzuschließen: “Vor dem Mauerfall legte ich Wert darauf zu sagen: Ich bin Ostdeutsche. Einige Zeit nach der Wende erklärte ich: Ich bin Gesamtdeutsche. Und heute bin ich einfach: Deutsche“. Es bleiben viele ungeheilte seelische Wunden. Wir lesen bei Dagny Dewath das anrührende Bekenntnis: “Dieses Gefühl, nicht gewollt, der Störfaktor einer sonst stimmigen Welt zu sein, und zu glauben, dass sich Menschen deshalb von mir abwenden, werde ich wohl in diesem Leben nicht mehr ganz los“. Die meisten halten es wohl mit Anna Langhoff, die resümierend festhält: “Meine Gegenwart teile ich ohne Besitznahme. Mit jeder Zukunft versöhnt. Und meiner Zuversicht, keinerlei Wirklichkeit anzugehören“. Wir sollten sehr genau auf diese “Stimme einer zerrissenen Generation“ (so der Umschlagtext zum Buch) hören, weil wir danach auch viel über unsere eigene Zerrissenheit nachdenken könnten.

Theo Buck, Aachen


Anna Schädlich und Susanne Schädlich, (Hrsg.), Ein Spaziergang war es nicht. Kindheiten zwischen Ost und West. München: Wilhelm Heyne Verlag, 2012. 317 S.

In dieser von Susanne und Anna Schädlich mit Sorgfalt zusammengestellten Anthologie kommen 19 Autoren zu Wort, die heute zwischen 30 und 48 Jahren alt sind und mit Ausnahme von Dagny Dewath, die 1981 in Westberlin zur Welt kam, zwischen ihrem zweiten und fünfzehnten Lebensjahr mit ihren Eltern in den siebziger und achtziger Jahren in den Westen ausgereist, oder, wie Nicki Pawlow, mit ihnen geflüchtet waren.

Sie waren “kein leichtes Gepäck” für die Eltern, wie Anna Langhoff in ihrem Beitrag vermerkte, aber es war auch kein Spaziergang für die Kinder, besonders für die schon älteren, die diese oft sehr plötzlichen Abschiede — manchmal blieben nur 24 Stunden –, durch die sie ihrer vertrauten Umgebung, ihren engsten Freunden und ersten Lieben entrissen wurden, sehr bewußt erlebten.

Viele Autoren dieser Anthologie sehen ihren Wechsel von Ost nach West aus heutiger Sicht nicht ausschließlich aber vor allem als eine große Chance, der Enge und Bedrohung entkommen zu sein. Andere empfanden den Ortswechsel von Anfang an als etwas Positives. Moritz Kirsch z. B. sah seinen Weggang aus der DDR im Nachhinein zu hundert Prozent als einen Glücksfall an. Moritz Schleime genoß die Buntheit des Westens, die Bravo und die Nähe zu den türkischen Migranten in Kreuzberg, unter denen er sich überhaupt nicht fremd fühlte, weil sie wie er aus einer anderen Welt kamen. Jakob Schlesinger fühlte sich schon von Anfang an im Westen wohler, weil er die Ostschule nicht ausstehen konnte.

Und doch haben viele den Umzug in den Westen nicht unbeschadet überstanden. Nadja Klier spürt noch heute den tiefen Schmerz, den sie am Tag der Ausreise erfuhr. Anna Schädlich berichtet, dass sich mit der Erlaubnis zur Ausreise ihre ganze bisherige Welt in ein Nichts auflöste und dass sie unvorbereitet in die Fremde gestoßen wurde. Auch hatten sie es schwer, sich an die neue Umgebung zu gewöhnen. Ob es die neuen, fremden Freunde oder die manchmal sogar unangenehmen unbekannten Lehrer und Klassenkameraden in den Westschulen waren, ein Gefühl der Entwurzelung, Einsamkeit und Hilfslosigkeit in der “terra incognita” stellte sich wohl bei den meisten, besonders bei den schon etwas Älteren, wenigstens zeitweise ein.

Den Jüngsten unter ihnen wurden die Verletzungen später deutlich, als sie begannen, sich mit der Biografie der Eltern und mit den Abschieden und Trennungen innerhalb der Familie auseinander zu setzen. Das Gefühl, eine Heimat war verloren oder nie besessen zu haben, hielt Jahre an. Und die Ankunft im neuen Land brauchte die gleiche Zeit, wenn sie nicht gar noch andauert.

Hinzu kam, dass es, wiederum gerade für die Älteren unter den in den Westen Mitgenommenen, nicht nur um einen Orts- und Lebensstilwechsel ging, sondern auch um einen viel zu frühen Abschied von der Kindheit. Lebten sie im Osten noch halb in einem zwar noch unverstandenen aber behüteten Märchenland — Anna und Susanne Schädlich lebten sogar im Ostberliner Märchenviertel von Köpenick –, wurden nun im Westen einige zu unbeholfenen Behütern der Erwachsenen, die sich dort fast noch weniger zurecht fanden als sie und daher Mühe hatten, ihren Kindern die Zuneigung und Freiheit zu gewähren, die sie selbst benötigten. So mussten sich die Mitgenommenen vorerst allein behaupten, wurden aggressiv oder neigten im Gegenteil dazu, Konflikte mit der neuen Umwelt zu harmonisieren und eventuell sogar zu Vermittlern zwischen den Eltern zu werden, deren Beziehungen im “Neuland” ohne Ausnahmen trotzdem kaputt gingen, wenn sie es nicht vor der Ausreise schon gewesen waren.

Erschwerend für die Entwicklung der ehemaligen Kinder und Jugendlichen aus dem Osten wirkte sich aus, dass sich viele an die DDR der Kindheit nicht als eine Diktatur, nicht als einen Wolf, sondern eben hauptsächlich als an ein Märchenland erinnern, was ihnen ihre Abschiede auf längere Zeit unverständlich machte und den notwendigerweise entstehenden Frust, die die Eingewöhnung in den Wesen mit sich brachte, auf die Außenwelt, die Eltern eingeschlossen, projizierten. Denn nicht nur hatten die Eltern, ähnlich wie der Wolf im Märchen, sie in den Erinnerungen vieler von ihnen aus dem Märchenland entführt, sondern behinderten durch ihre Leid- und Mutbiographien, in deren Sog sie lange befangen waren und eventuell teilweise noch sind, ihren Prozess zu sich selbst zu kommen. Als Kinder der teilweise berühmten Eltern finden sie auch erst einmal keine Zuhörer für ihr eigenes Leben, für ihre eigenen Wunden und Erfolge. Wie Susanne Schädlich in einem Interview sagte: “Die Bühne gehörte den Eltern.”

Nicht mehr. Mit dieser Anthologie äußert sich die Generation der “Mitbringsel” in ihrer eigenen Sprache. Während sich der eine oder andere Text noch ein wenig wie ein Schulaufsatz liest oder eine “Selbsteinschätzung” und daher auf stilistischer Ebene das DDR-Erbe zu erkennen gibt, sind andere sehr persönlich, intim und frei geschrieben. Ein Spaziergang war es nicht ist eine sehr lesenswerte Anthologie der anderen Flucht-, Ausreiser- und Ausbürgerungsgeschichten, es ist eine notwenige Anthologie der bisher kaum wahrgenommenen Geschichten von Kindern des Ostens, die früh im Westen ankamen, über ihre Erfahrungen meist schwiegen und erst als Erwachsene über ihre Zeit der Abschiede, des Umbruchs und der Eingewöhnung mit sich und mit einander ins Gespräch kamen.

Wolfgang Müller, Carlisle


Christoph Hein: Weiskerns Nachlass. Roman (Berlin: Suhrkamp Verlag, 2011).  319 Seiten.

Christoph Heins neuer gesellschaftskritischer Roman Weiskerns Nachlass  wurde im September 1912 mit dem Uwe-Johnson-Preis ausgezeichnet. Der Klappentext des Verlags verspricht einen aktuellen, realistischen, literarisch durchgeformten Gesellschaftsroman. In der Tat handelt es sich hier um eine zutiefst pessimistische Zeitanalyse, in der Hein die  profitorientierte Bundesrepublik des Jahres 2011 kritisch unter die Lupe nimmt. In einer Gesellschaft, in der nur das Geld regiert, ist auch der Universitätsbetrieb  —  besonders  die nichtvermarktbaren  Geisteswissenschaften —  vor Kürzungen und  Herabwürdigungen nicht verschont. Geisteswissenschaften gelten als Belastung;  Fächer, für die es nur wenige Bewerber und kein Geld gibt, werden als Orchideenkunde gestrichen.

In diesem Milieu bewegt sich Heins neunundfünfzigjähriger Protagonist Rüdiger Stolzenburg, ein Kulturwissenschaftler an der Leipziger Universität,  der seit fünfzehn Jahren zum akademischen Prekariat gehört und mit einer  halben  Stellung recht und schlecht sein Leben fristet. Dieser Gruppe  abgehängter Akademiker fehlt jegliche Chance auf sozialen Aufstieg, jegliche Zukunftshoffnung. In Stolzenburgs  Leben  sind entwürdigende Zumutungen und Nichtachtung  geistiger Werte,  Dominanz des Profits, Respektlosigkeit bis zum Gewaltakt und totale  Bindungsunfähigkeit  verquickt. An der Universität sind die Studenten wenig interessiert an Bildung; das Diplom zählt allein, und an Versuchen, den Dozenten mit Geld oder Sex zu bestechen, fehlt es nicht. Das Leben im Bereich der Halbheiten im Prekariat überträgt sich, kaum unerwartet, auf das  Privatleben des Protagonisten: halbe Stelle, halbes Leben, unverbindliche  Affären: “Eine Beziehung ist eine Freundschaft mit Bettlaken, nicht mehr, allerdings auch nicht weniger.”

In dieser Atmosphäre des Geduldetwerdens findet Stolzenburgs Forschungsprojekt, den  Nachlass des im 18. Jahrhundert  in Wien lebenden Librettisten und Schauspielers Friedrich Wilhelm Weiskern  zu veröffentlichen,  ebenfalls weder Interesse  noch Sponsoren. Das Projekt wird als nicht publizierbar abgetan. Der Leser ist geneigt, diesen Akademiker und Schöngeist, der in eine Sackgasse von Mißlichkeiten geraten  ist,  als Opfer zu betrachten,  zumal der vom Unglück Verfolgte  sich auch noch mit dem Finanzamt herumschlagen muß. Dieses besteht auf eine irrsinnig hohe  Steuernachforderung, weil sich irgendein Bürokrat im Amt nicht vorstellen kann, wie Stolzenburg ohne heimliche Nebeneinkünfte von seinem Hungerlohn existieren kann. Hinzu kommt, daß er dreimal von einer Bande etwa zwölfjähriger Mädchen überfallen, verprügelt und verletzt wird. Doch Hein macht es sich bei der Charakterisierung  seiner Figur nicht leicht und distanziert sich. Stolzenburg ist arrogant, zynisch, lustlos, übersättigt, illusionslos, ist Liebäugeleien mit Unmoral durchaus nicht abhold. Er wird betrogen, spielt dann allerdings selbst mit dem Gedanken des Betrügens.  Wieweit er gehen würde, bleibt offen.  Heins bewährte Schreibweise chronistischen Beobachtens und distanzierten  Berichtens  läßt vieles offen und ungesagt.

Das ambivalent Schillernde dieser Dozentenfigur schlägt sich in einer geschickt gewählten Erzählstruktur nieder. Die Anfangsszene des Romans zeigt einen vor Angst erstarrten Stolzenburg, der in einem Flugzeug nach Basel sitzt und einer Wahnvorstellung verfallen ist: Er glaubt, die Propeller hätten versagt, wie überhaupt alles in seinem Leben, er selbst eingeschlossen versagt hat. Die suggerierte kreisförmige Bewegung der Propeller enthält die Poetik des Romans, wird zum Symbol fortwährender Mißlichkeiten im Leben Stolzenburgs. Die letzte Szene in dieser Retrospektive  mündet  kreisförmig wieder in die Anfangsszene. Doch der Ton hat sich geändert. Wieder ist Stolzenburg im Flugzeug, und wieder hat er die Wahnvostellung eines  Absturzes. Doch er vergegenwärtigt sich, daß  es eine optische Täuschung ist. Er blickt auf sein Leben zurück, seine Beziehung zu Frauen, seine finanzielle Notlage, seinen Umgang mit Studenten. Er reflektiert.  Wird er den finanziellen und sexuellen Versuchungen, die ihm von Seiten der Studenten drohen, erliegen, wird er korrupt? Der Text beläßt es bei der Leerstelle. Doch taucht das Wort “hoffen”  in Variationen auf: “ Er [Stolzenburg] kann nur hoffen.”  Trotzdem endet  Hein den Roman mit  einer freundlichen Geste, die Stabilität und Zufriedenheit suggeriert. Stolzenburg erinnert sich an seine Billardrunde in Leipzig: “Die Billardrunde wird er nicht aufgeben, mit diesen Freunden ist er bereits eine Ewigkeit zusammen, die Runde hat länger gehalten als seine Ehe, er gehörte dazu, noch bevor er an der Uni anfing, und dort hatte er keine halbe Stelle, dort zählte er zu den alten, erfahrenen Hasen.” Ein kleiner Lichtblick also doch noch;  ein volles Leben  im Kleinsten, aber nicht das schlechteste.

Christine Cosentino,  Rutgers University


Jens Sparschuh, Im Kasten. Roman.  (Köln: Kiepenheuer & Witsch, 2012).  224 Seiten.

Der 1955 in Karl-Marx-Stadt geborene Autor Jens Sparschuh hatte verschiedentlich mit Romanen aufgewartet, deren Helden verschrobene Exzentriker sind. Man denke etwa an Hinrich Lobek aus dem Zimmerspringbrunnen (1995). In seinem neuen Roman Im Kasten, der für den Preis der Leipziger Buchmesse nominiert wurde,  widmet sich Sparschuh dem Thema des Überflusses in der westlichen Konsumgesellschaft bzw. dem Thema, wie man Ordnung und Struktur in sinnloses Anhäufen von Gegenständen bringen kann. Der Name des Helden, Hannes Felix, ist eine Anspielung auf eine Märchenfigur: Hans im Glück, der, nachdem er sich vom Besitz befreit hat, zutiefst glücklich ist. Hannes Felix jedoch ist ein frustrierter Ordnungsfanatiker, der die Kontrolle über seine Ordnungssysteme verliert. Letztlich beherrscht die Ordnung ihn. Kurz, ein Neurotiker gleitet in die Psychose. Parallelen zu Jakob Heins neurotischem Sonderling, Herr Jensen,lassen sich erkennen, denn auch hier  (Herr Jensen steigt aus , 2006) handelt es sich um ein Psychogramm:  ein durch Ämterwillkür stillgelegter Mensch isoliert sich und endet im Wahnsinn.

Hannes Felix’ Ordnungsliebe bringt gleich zu Anfang des Romans Unordnung in sein Privatleben, denn  ihm läuft die Ehefrau davon. Hannes  — realitätsfremd und in der Zange seiner Zwangsnatur  —   versucht,  Ordnung in ihren liederlich gepackten Koffer zu bringen und empfiehlt ihr, ein Inhaltsverzeichnis anzulegen. Das ist das Ende der Ehe and der Beginn sich steigernder Isolation. Mit Rückblenden in Kindheit und Ehe entfaltet sich dann vor dem Leser die allmähliche Persönlichkeitsauflösung des Helden, der sich zu immer seltsameren Ordnungskonzepten versteigt.  Bereits im Kindergarten hatte Hannes  mit Begeisterung aufgeräumt und alles millimetergenau und nach Farbe und Größe geordnet. Das wird mit den Jahren schlimmer. Seinen Traumjob findet er als Marketingexperte bei NOAH (Kürzel für Neue Optimierte Auslagerungs- und Haushaltsordnungssysteme), einer Firma, die alles speichert, was andere temporär loswerden wollen: alte Kleidung, Einrichtungsgegenstände, Akten, Jalousien etc. Das Motto  des  Aufräumers  Hannes  ist “Weniger ist mehr” und “Das meiste ist nichts”. Eine durchaus akzeptable Strategie, nur steigert Hannes Felix diesen Werbespruch der Firma Schritt für Schritt ins Groteske.

Die Self-Storage-Firma NOAH ist für den Durchschnittskunden schwer erreichbar;  sie befindet sich am Berliner Stadtrand.  So ist es die Aufgabe Hannes Felix’, potentielle Käufer persönlich aufzusuchen und sie von den Lagerungsstrategien zu überzeugen. Im Laufe der Handlung werden seine Ordnungs- und Speicherungspläne  immer bizarrer, und langsam entgleitet ihm die Realität. Er entwickelt in komplizierten, jedes Detail erfassenden Gedankengängen den Felix-Quotienten, der bei der Kalkulation  des Mietpreises auch die Höhe eines Wohnraumes miteinbezieht, denn höhere Wohnungen haben mehr Platz zum Stapeln, Horten und Aufbewahren.  Dann, letztlich, nach einem Besuch des schwedischen Einrichtungshauses IKEA, entwickelt er im Irrsinn ein skurriles Marketingprojekt: dem Käufer wird empfohlen,  beim Kauf von Einrichtungsgegenständen die Wohnungen von Anfang an zu überspringen und das Gekaufte sofort bei NOAH einzulagern. Für die Hauptzentrale sieht er den freien Platz im Berliner Zentrum vor, wo einst das alte Berliner Schloß, dann der Palast der Republik standen, der nach der Wiedervereinigung abgerissen wurde. Im Wahn zieht Hannes Felix als König im Hermelin ins Schloß: ein Patient in der Zwangsjacke, der hinter Schloß und Riegel verschwindet. Der Wahnsinn des Ordnungsgedankens spiegelt sich im Wahnsinn des Helden.

Der Leser kann sich der Komik des zwanghaften Ordnens nicht entziehen; vielleicht aber auch berühren ihn die leitmotivisch wiederholten, so bekannten Parolen  “Ordnung muß sein” oder “Ordnung ist das halbe Leben” unangenehm, denn er wird mißtrauisch gegen deutschen Ordnungsgeist. Die akribische, bis ins kleinste Detail gehende Analyse von Ordnungssystemen im Gewand der Logik scheint für den Autor ein Leichtes, denn er promovierte 1983 mit einer Arbeit in seinem Spezialgebiet der Philosophie der Logik. Für den Leser jedoch mag es hier und da  ermüdend sein. Hannes Felix ist ein Zwangscharakter mit gescheitertem Lebensentwurf. Das Buch ist tragisch und komisch, also tragikomisch, letztlich irrsinnig komisch.

Christine Cosentino, Rutgers University


Volker Braun, Die hellen Haufen. Erzählung.  (Berlin: Suhrkamp, 2011)  97 Seiten.

In dem schmalen Bändchen Die hellen Haufen  wendet sich Volker Braun wieder einem seiner Lieblingsthemen zu:  dem historisch “Nichtgeschehenen, Unterbliebenen, Verlorenen.” Was er meint, sind Aufstände, die nicht stattgefunden haben, aber in der Wunschvorstellung denkbar sind. Das Werk ist auf historischer Folie konzipiert, greift zurück  – der Titel suggeriert es  – auf die von Thomas Müntzer und Florian Geyer organisierten  Haufen in den Bauernkriegen und auf den von Max Hoelz 1921 aufgerufenen Mitteldeutschen Aufstand der Mansfelder Knappen.  Braun berichtet vom Hungerstreik der Kalikumpel von Bischofferode nach der Wende, den ein Ich-Sprecher  zu einem weit um sich greifenden Arbeiteraufstand gegen die Treuhand fiktionalisiert. Fakt ist, daß im thüringischen  Bischofferode  Anfang der neunziger Jahre vierzig Bergleute in den Hungerstreik traten, weil die Treuhand  beschlossen hatte, das Werk stillzulegen. Aufgrund der Konkurrenz aus dem Westen, so wurde erklärt, war das Werk nicht mehr zu halten. Bischofferode wird bei Braun zu Bitterode. Ähnliche  Schließungen der Gruben wurden im Mansfelder Bereich vorgenommen. Es geht dem Autor  in dieser als sozial ungerecht empfundenen Situation um die “alte Lust zu handeln”, um dumpfe Wut und frischen Zorn. So liefert er ein Gewebe von Realem und Erdachtem.

Braun berichtet zunächst faktengetreu vom Protest der Kumpel von Bischofferode, die nach Berlin ziehen, um ihre Ansprüche anzumelden und sich doch letztlich mit einer lächerlich kleinen Abfindung abspeisen lassen, denn  “das Kämpfen war ihnen von  Partei & Regierung abgewöhnt worden.”  Es kommt nicht zum Generalstreik. Die kleine Gruppe von Bergleuten und  einigen wenigen Sympathisanten, die nach Berlin marschieren, wirken grotesk: “Ein Narrenzug (die Polizisten eingeschlossen), pfeifend, eine Karnevalsrotte, man applaudierte diesen Artisten, aber keiner kam mit.” Doch der Gedanke des “Was-wäre-wenn” läßt den Autor nicht los. Er erdenkt den Widerstand: ein Aufstand großen Formats findet in der Tat statt, erfaßt die Massen. Die historische Folie, auf der sich diese utopische Vision gestaltet, gründet auf den “Zwölf Artikeln von Memmingen” (1525), die die schwäbischen Bauern im Bauernkrieg ausgearbeitet hatten. Diese erste Formulierung von Menschen- und Freiheitsrechten wird dann in der Gegenwart umgeschrieben zu den Mansfelder Artikeln. Eingebettet in diesen fiktionalen Geschichtsverlauf sind reale Personen aus der unmittelbaren Nachwendezeit oder der Geschichte, deren Namen verändert sind, die man aber trotzdem erkennt. Hinter Schurlemmer verbirgt sich Schorlemmer, hinter dem Treuhandmanager Schufft der Wirtschaftsminister von Sachsen-Anhalt Klaus Schucht und hinter dem immer wieder erwähnten Mintzer der Bauernführer Thomas Müntzer.

Die Parole  “Keine Gewalt”  führt die Aufständischen letztlich auf einen Schlackeberg, und dort kommt es zu einer  blutigen Niederlage. Sie werden hingemetzelt. Hier meldet der Dichter lauthals Protest an: “Einer aus dem Vogtland, Braun, rief im Jähzorn  GEWALT, GEWALT, und es war nicht klar, wollte er sie konstatieren oder ausrufen.”   Dieses sperrige Statement suggeriert Offenheit und  Widerspruch. Nimmt Braun sich ernst? Der Ich-Sprecher in der Erzählung ist ein Narr, so bezeichnet er sich jedenfalls: “Ich beginne wie ein Narr mit den Fakten.”  Ist es der weise Narr, der hier spricht, oder der Kritiker, oder ist es gar der Tor, der veraltete Weltsichten längst nicht mehr ernst nimmt und trotzdem von ihnen nicht lassen kann? In Betrachtungen solcher Art greift ein Ernst-Bloch-Zitat, das der Autor der Erzählung als Motto voranstellt: “Was wir nicht zustande gebracht haben, müssen wir überliefern.”  Wendet sich Braun hier an jüngere  oder kommende Generationen, die lernen sollen, was da falsch gelaufen ist? Es ist das Privileg des  Dichters, Träume aufs Papier zu bringen  in einer materialistischen und profitgesteuerten Wirklichkeit, an deren Unabänderlichkeit er sich keineswegs gewöhnen mag. Der Narr hat den Glauben an die Utopie verloren, kann sich ihr  jedoch trotzdem nicht entziehen. So bleibt die Utopie, aber  –  meint der Autor  in dem Gedichtband  Auf die schönen Possen  –  : “Sie hat nichts Besseres zu tun als nichts/ beschäftigt mit Überleben, von der Hand in den Mund/ Ein Gespenst aus der  Zukunft arbeitslos” .

Christine Cosentino, Rutgers University


André Kubiczek, Der Genosse, die Prinzessin und ihr lieber Herr Sohn (München, Zürich: Piper, 2012). 479 Seiten.

André  Kubiczek wirkte im Kreis jener um 1970 in der DDR geborenen Autoren, die in der Literatur als Generation Trabant auf sich aufmerksam machten. Man denkt an Julia Schoch, Jana Hensel, Jakob Hein oder Falko Hennig. Der Gestus der Orientierungssuche innerhalb dieser Gruppe, der sich auf den Tonlagen von Frust, bösem  Ärger oder nostalgischem Stolz mitteilte, fehlte in Kubiczeks Debütroman Junge Talente (2002)  jedoch völlig. Bei ihm geht es um das Spiegelbild  einer Jugend ohne politische Ambitionen in einem Staat, der in staubiger Tristesse und eigenem Mief längst erstickt ist. Der Roman fand ein breites Publikum.  Weniger wirkungsvoll waren jedoch Kubiczeks folgende  grell-satirische Romane Die Guten und die Bösen (2003) und Kopf unter Wasser (2009).

Ein neuer Roman, eine  bemerkenswert  eindrucksvolle  Autobiografie mit dem märchenhaft anmutenden Titel Der Genosse, die Prinzessin und ihr lieber Herr Sohn  erschien erst kürzlich, Anfang des Jahres 2012. Hier kann man getrost von einer Autobiografie sprechen, denn der Ich-Erzähler, Kubi genannt, wartet mit Erlebnissen auf, die eng mit seinem Leben verbunden sind. Geboren wurde Kubiczek im Jahre 1969 in Potsdam als Sohn eines DDR-Diplomaten  und einer laotischen Mutter, Tochter eines Politikers, der später Opfer eines Attentates wurde.  Seine Eltern hatten sich in Moskau während des Studiums kennen- und lieben gelernt. Die Mutter, die früh an Krebs starb, läßt im Krankenhaus ein Tagebuchfragment zurück. Dieses Fragment wird zum handlungsauslösenden Element, denn es  inspiriert den Sohn, den Spuren der geliebten Toten in Laos nachzuspüren und die neue Familie zu entdecken. So wird  dieses Erinnerungsbuch zum Geflecht  verschiedener Handlungsstränge:  es ist ein Abenteuer- oder Reisebuch, eine Familiengeschichte,  eine Kindheitsgeschichte in der DDR, aber auch eine kühl und distanziert registrierende Chronik politischer Ereignisse um die Wende.

Die Distanz zur DDR ist jedoch nicht unfreundlich, eher versöhnlich.  Von einer Freundin einmal als klein, grau und duckmäuserisch bezeichnet, reflektiert der Ich-Erzähler: “Als gäbe es keine originellere Sprache, die Vergangenheit zu beschreiben, die immerhin die Gegenwart unserer Kindheit gewesen war und auch die unserer Jugend, als gäbe es nur die dröge Sprache der Gegenpropaganda, das Zeitungsdeutsch der Zufallssieger.” So beleuchtet dieses Werk dann auch einen  politisch durchaus  grenzübergreifenden Kindheitsbereich jenseits jeglicher Ideologien. Von fortwährendem Trauma ist die Rede, das der frühe Tod der Mutter und des jüngeren Bruders im Erzähler auslöste; von Kissenschlachten, Kinderfreundschaften, Berlin-Erlebnissen und Besuchen bei den Großeltern in einer kleinen Provinzstadt.

Der Roman hat Kreisstruktur und ist in einem Rahmen eingebettet. Am Anfang der Handlung ist der Erzähler gerade in Vientiane in Laos angekommen, nachdem ihm von einem Anwalt eine Flugkarte zugeschickt wurde. Am Ende lernt er  den laotischen Teil seiner Familie kennen. Dazwischen liegen – von vielen Zeitsprüngen miteinander verbunden – fesselnde Berichte über Kindheit und  Jugend, über das enge Verhältnis zur Mutter, über Liebschaften, Freundschaften, den Dienst bei der Fahne. Vorrangig handelt es sich jedoch um den Versuch,  ein Porträt seiner Mutter zu rekonstruieren, seiner vereinsamten Mutter, die ihrer großen Liebe in die DDR folgte und dort  –  eine ewige Fremde  – Staatsbürgerin wurde. Dem Erzähler geht es jedoch auch um  Historie: die Geschichte der Mutter und des Vaters der Mutter im fernen Laos wird rekonstruiert ; dann  die Geschichte von Kubis eigenem Vater mit dem Aufstieg im östlichen Deutschland und dem entsprechend  demütigen Abstieg im westlichen Deutschland. Doch auch die eigene private Geschichte wird  heiter-ironisch, oft mit leiser Trauer unter die Lupe genommen bis zu jenem politischen Wendepunkt, an dem das Neue, Nichtzuändernde beginnt.

Der Roman endet in Laos mit dem Gestus der Integration.  Kubis Großmutter, die ein Pflegefall ist und fast nur noch schläft, öffnet die Augen, als sie den Enkel trifft, und sie lächelt. Er verbeugt sich und begrüßt sie auf laotisch. Die Tonlage freundlicher  Akzeptanz des Neuen und Fremden gibt dem Roman eine erfrischend optimistische Note. Der Autor stellt sich der neuen Problematik von Ost und West mit Selbstbewußtsein.

Christine Cosentino, Rutgers University


Lutz Seiler, Die Zeitwaage. Erzählungen. (Frankfurt/M.: Suhrkamp, 2009). 285 Seiten.

Lutz Seiler, born in 1963 in Gera/Thuringia in the former GDR, is primarily known as a poet. In 2007, he ventured into prose and published the short story Turksib, for which he received the Ingeborg Bachmann Prize. Turksib was re-published in 2009 in a new prose volume, titled Die Zeitwaage (Time Scales), which contains fourteen stories, some of them linked by the same characters or the same setting. All are interconnected, unobtrusively, by a prevailing feeling of loss and disillusionment caused by occurrences that mark a change in people’s lives. It should be noted that a leitmotif in Turksib, a “Geigerzähler,” an instrument that measures toxic nuclear activity, sets the tone for the entire volume. The term “Geigerzähler” evolves into “Geig-Erzähler,” i.e. a narrator who detects inner toxins and damages in troubled people that cause their lives to take a turn.

Seiler focuses on short but decisive moments that assume a momentuous existential significance. It should be noted that in the year 2003, Seiler was Writer-in-Residence at the Villa Aurora in Los Angeles, a position that presumably led him to familiarize himself with the American short story. Indeed, stylistic elements of this particular genre – sparseness, turning points, narrative gaps, undercurrents, and the revelation of trauma or angst concealed behind the banal – are clearly discernible in all the texts presented in this volume. The skillfully chosen title of the cover story, “Die Zeitwaage,” refers to a device that watchmakers use, a time scale, that identifies inconsistencies in the measurement of time. In interviews, Seiler has referred to “Momente, die schwanken,” i.e. situations that develop on shaky grounds with people who are off-balance, disorientated, or confused, people who have lost their grip on a situation. In the interlinked stories “Frank” and “Im Geräusch,” both set in California, a marriage falls apart with husband and wife being unable to talk to each other; in “Gavroche” the reader gains insight into a relationship that rests on a lie; and in “Der Stotterer,” Seiler portrays the loneliness of a man who stutters and finds himself isolated. Several stories deal with young children – a boy, for example, who wins a chess game against his father, a victory which is a farewell to childhood, as his father never plays with him again. There are tragic accidents: a man bleeds to death but nobody notices (“Der Badgang”); a worker repairs a stretch of a tram line but gets stuck on an electric cable while people are watching. And so it goes: Seiler’s “heroes” are anti-heroes, very ordinary people who lose control and find themselves depressed or helpless. The reader will notice one stylistic device which might be called Seiler’s own contribution to the short story: throughout this volume he works with metaphoric sound effects which are most often cacophonous and shrill. They exude irritation, angst and the state of imbalance that a time scale can detect.

One would assume that Seiler, who was twenty-six when the Wall fell, would be a convincing recorder of the turmoils of the Wende of 1989, as well as the ensuing social problems for Eastern Germans in the aftermath; and indeed, the GDR is present as far as atmosphere and setting are concerned. But the reader will notice soon that Seiler exposes psychological wounds that could have been inflicted on either side of the Wall. In short, he illuminates universal human experiences beyond political ideologies, such as death, separation, divorce, lost childhood, loneliness, alienation, and futile endeavors to alter the course of events. It would miss the point to force Zeitwaage’s texts into the confines of GDR-oriented literature, or into a kind of “Bewältigungsliteratur.” Seiler’s stories are timeless.

Most of the stories are bleak and depressing. Nevertheless, the reader is intrigued. Seiler’s portrayal of dark moments refers by no means to the spectacular or eccentric. These are situations familiar to all of us. With poetic tenderness, this very talented and precise stylist presents us with a volume of stories that will place him among the leading authors of fiction.

Christine Cosentino, Rutgers University


Julia Schoch, Selbstporträt mit Bonaparte  (München: Piper, 2012) 142 Seiten.

In ihrem letzten Werk, Selbstporträt mit Bonaparte, nimmt Schoch das Thema privater und gesellschaftlicher Verlorenheit und Perspektivlosigkeit erneut auf. Wie in ihrem vorletzten Roman, Mit der Geschwindigkeit des Sommers (2009), geht es um DDR-Biografien und um Erinnerungsarbeit. Die fiktiven Ich-Sprecherinnen, die in vielem autobiografische Züge aufweisen,  umkreisen das Thema des Verlustes eines geliebten Menschen, einer Liebe, eines Staates und einer für sie verbindlichen “normalen Zeitrechnung”. Im gesellschaftlichen und privaten Dahintreiben in der unmittelbaren Gegenwart ist Zeit bedeutungslos geworden. In der erinnerten Rekonstruktion  des geliebten Menschen kristallisiert sich Selbstanalyse: “Und sobald ich mich im Spiegel betrachte, erscheint sein Kopf hinter meinem. Eine Art Doppelporträt oder Selbstporträt als Paar.” (30)

Wenig  geschieht in Selbstporträt mit Bonaparte. Der Geliebte, der urplötzlich auf der Bildfläche erschien, verschwindet ebenso plötzlich, ohne Erklärung, wortlos. Auf einer Konferenz trifft die namenlose Ich-Sprecherin, die von Beruf Autorin und  Katalogtexterin ist,  einen Historiker, der mit großer Gleichgültigkeit und mit offensichtlicher Verachtung für sein Publikum seinen Vortrag hält. “Wozu das Ganze”, moniert er. Einige Tage später folgt er ihr in einen Badeort an der Ostsee, und beide zieht es ins Kasino. Roulettespielen, das die Ich-Sprecherin schon als Kind im “verriegelten” Land aus Filmen kannte, bedeutete für sie Freiheit, Sehnsucht, Reisen, Ekstase, kurz, war der Inbegriff einer “gänzlich anderen Welt”. In der künstlichen zeitlosen  Atmosphäre des Kasinos  beginnt nun eine “unwirkliche”,  sonderbare Liebe, die außerhalb, in der  realen  Welt undenkbar wäre.  Die Ich-Sprecherin weiß, “dass meine Liebe zum Roulette mit der Liebe zu Bonaparte [so nennt sie ihn] ganz einfach in eins fällt.” Das suggeriert Wahlverwandtschaften.  In einer Zeit großer gesellschaftlicher Veränderungen in der westlichen Welt fühlen sich beide, so darf man annehmen, überfordert und ratlos und suchen Zuflucht in einer Gegenwelt, in der Vergangenheit und Zukunft bedeutungslos sind: “Mit den … uhren- und also zeitlosen Interieurs, ihren samtenen Abpolsterungen gegen das Draußen sind sie [Kasinos] die sichersten Orte der Welt.”  Im Bewusstsein einer abrupt endenden geschichtlichen Vergangenheit und  einer unsicheren, bedrohlichen Zukunft  in der wirklichen Welt geben sich beide  “in der ewigen Gegenwart des Spiels” dem Rausch des angehaltenen Moments hin. Roulette wird zum Ritual ihrer Liebe. Wie lange diese Liebe dauert, ist unklar, denn konventionelle Zeitbegriffe sind in diesem Roman aufgehoben. Anzunehmen ist, dass die Handlung in den neunziger Jahren anberaumt ist.  Erzählt wird ohne  Chronologie. Das Kasino selbst ist zeitlos, ist ein Ort des Zeitvertreibs, ein Ort, an dem die Zeit vertrieben ist.

So manchen Leser wird die Gestaltung der glorifizierten  Gegenwelt  des Kasinos  irritieren, besonders, wenn die Autorin mit Thesen des “vernünftigen Spielens” aufwartet, die jeglichem Suchtverhalten konträr sind.  Doch das griffe  zu kurz.  Eher handelt es sich um Überforderung, Haltlosigkeit und Desorientierung, vielleicht auch um einen übersteigerten Individualismus. Beispiele von Nonkonformismus gibt es genug in diesem Werk.  So erinnert sich die Ich-Sprecherin  an ein Ereignis aus ihrer Kindheit. Um einmal ganz anders zu sein, protestierte sie gegen Regeln in der Schule und trug Badelatschen, als sie in die Klasse kam.  Aufgebracht versicherte  ihr der Direktor, dass sie ein Fremdsprachenstudium an den Nagel hängen könne;  er  höhnte: “Sie … Sie Individuum.” Ähnlich verhält es sich mit Bonaparte, der sich weigert,  konventionelle Kleidung zu tragen und stattdessen nur in Anzügen herumläuft, die er sich nach Hollywoodaufnahmen schneidern lässt. Sein Motto:  “etwas aus sich zu machen, was man gerade  nicht gezwungen worden war zu sein, darum, gewissermaßen so unselbst wie nur möglich zu werden. ” Das Kasino wäre in diesem Sinne der ideale Ort der Selbstauflösung oder Selbstvergessenheit.

Der unberechenbare  Drifter Bonaparte, der  der Ich-Erzählerin nie Liebesbriefe geschrieben hatte, sie nie mit Liebesbezeugungen  überschüttet hatte, verschwindet eines Tages. Warum? fragt sich die Ich-Erzählerin und erkennt in ihrem Bonaparte-Porträt sich selbst. Illusionslos und traumwandlerisch treibt  auch sie in der realen “undurchdringlichen”  Welt dahin und wartet. Sie glaubt,  in diesem Zustand passiven  Verharrens Klopfzeichen zu hören. Nichts wird jedoch  geschehen, sie ist überzeugt.  Ob dieser Roman in seiner Verherrlichung der  Weltflucht und seiner unkritischen Roulette-Ekstase  allerdings den Leser überzeugt, ist eine offene Frage.

Christine Cosentino, Rutgers University


Edwin Kratschmer, Wahnwald.  Stadtroda: UND Verlag, 2011. 249 pages.

In Edwin Kratschmer’s fourth novel, Wahnwald, a first-person narrator called Edmund Kraut explores the history of his ancestors back to 1423, mainly by following the family tree his father Johann had created (it is included at the end of the book.)  He travels to the deep woods of Bohemia where they had lived, hears his ancestors’ souls murmuring in the treetops, and asks: “wo sie mögen sein: im Himmel oder in der Hölle.” As a reason for his trip to this “Ahnwald,” which by means of word play is transformed to “Wahnwald,” the narrator states: “Ich will wissen, woher ich komme des Wegs, wie meine Erbschaft seit Herdenzeit, wie die Vorfahren in mir fortahnen fortleben fortlieben forthassen fortdichten, wie sie sich in mir eingerichtet haben, in mir schalten walten.”

While he is investigating the lives of those earlier Krauts (the question if Kratschmer chose deliberately this Anglo-Saxon nickname for Germans remains open until the end), the narrator in his imagination identifies with them and experiences being victim and perpetrator, winner and loser, believer and heretic.  As with Kratschmer’s former novels and essays (see, for instance, Das ästhetische Monster Mensch), the reading gave me goose pumps due to the author’s fatalistic vision of the human being.  In all chapters (their events take place around wars in 1945, 1866, 1805, 1626, and 1423), the protagonists experience incredible violence, be it by marauding soldiers, domestic violence, or plague.  The goose bumps grow the biggest during the Thirty Years War when foreign soldiers invade the Bohemian village in which the Kraut family lives and torture some people to death; after one torture scene, I had to put the book away for some days.

Also Kratschmer’s Baroque style and his preference for a vocabulary that belongs to an aesthetic of the ugly are bewildering.  In a handout provided by the editor of Kratschmer’s book, states about this language: “je tiefer er [the narrator] in die Vergangenheit greift, umso karger, härter, ungelenker, grober, kakophoner, unrationaler, aber auch umso bildhafter wird sie.” This observation is correct; the farther back the reader is led into history, the more terror this language causes.  However, does this not mean that Kratschmer is actually an optimist? Because, if we read the book backwards in time (i.e., from the past to the present), the language becomes lighter, softer, more elegant, and also more rational.  Does Edwin Kratschmer unconsciously believe that there is a historic progress toward more humanity? It almost seems that way.  An epigraph by Georg Maurer at the beginning of the book reads: “Was ist das für ein Singen, das man hört?  Niemand ist doch zu sehen.”  This “Singen” that can also be heard, although only very softly, between the lines of Kratschmer’s book that is so full of the blackest humor, I read as a sign of hope.

The text starts with a “Vorspiel” and ends with a “Nachspiel” – both frame this literary research project on the narrator’s ancestors’ and his own biography.  In the “Vorspiel,” he remembers some episodes of the time when he lived in Bohemia before he had to leave as one of the “Vertriebenen” at the age of fourteen.  With horror, he sees himself as a boy participating in a brutal attack on a Jewish merchant.  Later, when his car passes a sign to the Czech town of Lidice, disturbing memories return.  In this town, the SS had massacred all male inhabitants and sent the women to a concentration camp.

Most ancestors’ lives are narrated in the third person; however, some of them, for example, the narrator’s grandfather, who uses expressions from his local dialect such as “Puer” or “Gung” for boy, tell their story in the first person.  Such changes in the narrative voice enrich Kratschmer’s style.  Around page fifty the “Wahnwald” is transformed to a “Wahnsinnswald.”   This happens when for the first time in the text, gangs of soldiers move through the village looting, raping, and burning.  The second epigraph of the book, a quotation from Georg Büchner, says: “Was ist das, was in uns lügt, mordet, stiehlt? Ich mag dem Gedanken nicht weiter nachgehen.” Kratschmer’s text attempts to deal with this question that Büchner did not want to follow up on. The answer is that we humans are a failure; no matter how much we try to improve: “Du rutschst immer wieder in die gleiche Spur […] Und alle hundert Jahre eine Plage biblischen Ausmaßes, der Durchmarsch einer Seuche Keulung und Ausmordung.”  However, as mentioned earlier, there is a very slight hope that progress in the human condition might be possible. Some of the narrator’s ancestors were writers and artists who suffered from censorship measures. Jaschek Kraut, for instance, a muralist, had been recruited to fight in the Napoleonic Wars. When he was commissioned to paint Jesus on the cross later in his life, he remembered the agony of dying soldiers and portrayed their suffering in the image of the son of God. Only because of good luck, did Jaschek himself avoid being crucified for that portrayal.

The narrator uses these instances of censorship in his ancestors’ lives for a discussion of the differences between two aesthetics, that of the beautiful and the ugly (he calls the latter “Ästhetik des Schreckens and Grauens”).  The second always wins the competition since according to Edwin Kratschmer, art must tell the truth relentlessly; if it doesn’t it is not art.  Censors, however, see this matter differently.

Several critics have noted the author’s “Wortmächtigkeit.”  As Udo Scheer states, it seems as if this great language in its coarseness and its reductions is “aus jener Zeit herübergeweht” — the time of Luther and Erasmus.  Scheer’s observation seems correct  because Edwin Kratschmer re-read their texts before he wrote “Wahnwald” in order to tune himself into the language of the past.

Also, Kratschmer’s successful use of synesthesia enriches his style in a way that makes it sound old-fashioned, for instance: “rosa meckerte die Zibb, grau grunzte die Sau, rot sprach Marie, gelb keuchte Hochwürden, gold schlug die Glock von Sankt Martin.” Although synesthesia — in which stimulation of one sensory pathway leads to experiences in a second and allows for transcendence of everyday experience — is still used by writers today, in Kratschmer’s book, it seems to be an atavism and fits well with the attempt to revive the past stylistically.

Scholars who are interested in the motif of old age in literature can find plenty of material in Kratschmer’s book since the eighty-year-old main narrator indulges in mercilessly examining his own symptoms of aging and often tells the lives of his ancestors with a focus on age and mortality.  In addition, for scholars who conduct research on the notion of “Heimat,” the text is a rich source, especially since in the chapter “Das Buch Pšan” (Pšan is the Czech name for “Ahnwald”), in which the narrator describes his trip to his Bohemian hometown in great detail, the notion of Heimat is discussed from many interesting angles.  Most of all, readers from former communist countries who are still traumatized by their experiences will love Kratschmer’s book because it raises an important question that only a few dare to ask: Is it really over, once and for all? In the Pšan-chapter, the narrator remembers a recent conversation with Milan Kundera that should be quoted here.  After the famous Czech writer complained about the horrible loss of years of his life, “umkreist und umzingelt von Geheimpolizei,” the narrator expresses relief that so-called real existing socialism has landed on the garbage heap of history. “’Ist er das wirklich?’ fragte Kundera bang, und der Löffel im Teeglas tremolierte.”

I hope that this interesting book will find many readers!

Gabriele Eckart, Southeast Missouri State University

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Jul 10 2012

Nota Bene — Beiträge zur künstlerischen und literarischen Szene in Berlin

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Die Volksbühne “murmelt”

In der Berliner Volksbühne am Rosenthaler Platz läuft ein seit seiner Premiere am 28. März ständig ausverkaufter Renner:

Murmelmurmel heißt das Stück, geschrieben oder besser gesagt: auf Papier gemalt, Mitte der 70iger Jahre vom Aktionskünstler und Grafiker Dieter Roth und von diesem im Eigenverlag publiziert. Das Besondere an diesem Stück: Es besteht einzig aus dem Wort Murmel, auf 176 Seiten ausgebreitet. Und es soll mindestens 11 Spieler auf das Spielfeld bringen. Da braucht es schon einigen Mut, auf die große Bühne des großen Theaters zu gehen.

Wie kann die gemurmelte Sprache mehr sagen als nur die Reduktion auf MurmelMurmel? Die Antwort ist nach dem Besuch des Theaterabends eher einfach: durch Darstellung, szenische Einfälle, Gags, Slapsticks, Bilder, Bewegungen und Sprechübungen der Schau-Spieler, die die Murmeln kolorieren, in allen Tonlagen in die Ohren der Zuschauer stupsen, auf dass ihnen Hören und Sehen ganz neu vorkommen.

Der größte anzunehmende Unfall, der SuperGAU im Sinnlosen, findet nicht statt. Die Vielfalt der Murmeln aus Kindestagen drängt sich dem Betrachter des Geschehens auf der Bühne wie von selbst wieder auf.  Da kullern die einfachen, aber bunten  Keramikmurmeln ebenso wie die begehrteren, farbig durchsetzten Glasmurmeln über die Bühne und rufen sich über die Münder und Körper der Akteure immer wieder selbst auf, schreiend, Lustig, traurig, ironisch, albern und veralbernd, ja bis in das Sterben  hinein, und das alles in einem so einfachen, aber auch mitnehmenden Bühnenbild, das die Murmelakteure immer wieder in farbigen Stofffahnen, die die Räume weiten oder bedrohlich verengen, einfängt, die Blicke verwehrt und freigibt auf die Beziehungen zwischen den Akteuren.

All das wird begleitet von Ingo Günther, der mit seiner Musik zu einem wichtigen Mitspieler wird bis hin zum Schluss, wo das Ganze in ein ekstatisches Rockkonzert übergeht und die Zuschauenden Murmel Murmel kreischen und so zu Mitspielern mutieren lässt.

Da allerdings bin ich als Zuschauer ausgestiegen und habe mich auf Distanz begeben. Ich fühlte mich an ein Fußballspiel vor vielen Jahren erinnert, wo in einem Riesenstadion die Massen schrien und ich mich, wie willenlos, in Ihnen versunken fand. Das war mir zu viel, zu manipulatorisch, zu selbstzerstörerisch, und ich bin nie wieder zu einem solchen Sportspektakel gegangen.

Mit MurmelMurmel habe ich mich köstlich amüsiert, nur der finalen Zugkraft des Spektakels wollte ich nicht erliegen.

Dankbar für Regie und Bühnenbild von Herbert Fritsch, dankbar und hochachtungsvoll staunend für das Murmelspiel aller Akteure, die viel von sich geben und zeigen durften und vor allem konnten: Körperbeherrschung bis zu Artistik, Lautvariationen, Gestik, Mimik, alles wohlfeil miteinander abgestimmt. Da stach keiner besonders hervor. Ein herausragendes Murmelteam. Am Ende vom Publikum, jung und alt, männlich und weiblich, lang anhaltend gefeiert.

Wie mag ein so großer Publikumserfolg entstehen? Sind es die Anklänge an Dada mit der Abwendung von selbstherrlichen Sinngebern, an das absurde Theater vielleicht, das die Verkümmerung der menschlichen Kommunikation so scharf ins rechte Bühnenlicht rückte? Wohl eher nicht. MurmelMurmel ist keine simple Reprise, es folgt keinem Programm. Es zieht seinen Erfolg aus der Überraschung, dass der eher verspinnerte, vermutlich mehr frustrierte Text als reine Wortreihe sich im ersten Anschein jeder Bedeutung versagt und dann doch, im Szenischen Zusammenprall der Murmeln, so locker unterhaltend wirkt und die von psychologisierendem Politik-, Medien- und Kunstgefasel umsäuselten Zuschauer auf sich selbst zurückwirft und sie lachen lässt über Alltagslast und –sorgen.

Den Schlüssel zum Erfolg sehe ich in der Überraschung. Käme da ein Trend oder gar ein ästhetisches Programm heraus, wäre alles alsbald hohl und nichts sagend. So ist dem inzwischen verstorbenen Autor etwas ganz Besonderes gelungen, und das sollte im szenischen Entwurf des Regie führenden Freundes auch als solches noch ausgiebig gefeiert werden. Einen bekannten Werbespruch aufnehmend darf gesagt werden: Nichts ist unmöööglich – The- a –ter…

Ich wünschte dem Stück ein paar Auftritte auch in anderen Kulturkontexten. Die Sprache ist ja kein Hindernis, als Wort genommen und als Verlautbarung hat sie irgendwie Universelles an sich. MurmelMurmel. Murmel? Murmel!

Weitere Infos inbesondere zu den so wunderbar murmelnden Schauspielern siehe:

Heinz Hohenwald, Berlin


VOICING RESISTANCE — Internationales Performance Festival im Ballhaus Naunynstraße, Berlin Kreuzberg, vom 9.-20.Juni 2012

Berlin war, ist und bleibt hoffentlich eine Weltstadt und eine Stadt von Welt. Die Welt kommt hierher und die Welt ist mittendrin, eingemeindet, heimisch, irgendwie zu Hause. Das gilt für das Kulturestablishment im Opernmilieu genauso wie für die Kultur eher von unten. Und dort hat sich seit vier Jahren ein kulturelles Kleinod entwickelt. Das ehemalige Ballhaus in der Naunynstraße, mitten im türkisch dominierten Kreuzberg, einem Kiez, der zu den größten städtischen Räumen für Türken und Türkinnen außerhalb der Türkei zählte und vielleicht noch zählt. Hier leben natürlich auch Menschen aus den verschiedensten Kulturkreisen, aus Afrika, Asien, Amerika und natürlich auch alteingesessene Berliner weitestgehend friedlich, aber natürlich nicht konfliktfrei miteinander. Und nun können sie sich in einer anspruchsvollen Kulturstätte begegnen, wo darstellende Künste und vielfältige Begegnungen die hier lebenden Menschen zueinander bringen können und sollen. Und das auf einem hohen Niveau, lokal inspiriert und der ganzen Welt mit ihren sich verschärfenden Widersprüchen zugewandt.

Das Ballhaus Naunynstraße ist eine kommunale Einrichtung von Friedrichshain-Kreuzberg in Trägerschaft von kultursprünge e.V., gefördert durch den Regierenden Bürgermeister von Berlin – Senatskanzlei Kulturelle Angelegenheiten und unzähligen Einzelprojektförderern, wie dem Hauptstadtkulturfonds, der Kulturstiftung des Bundes, dem Auswärtigen Amt u.v.a.

2008 von der künstlerischen Leiterin Shermin Langhoff unter der Schirmherrschaft von Fatih Akin neu eröffnet, ist das Haus inzwischen zu einem bundesweit Beachtung genießenden Off-Theater für und mit Künstler/innen „migrantischer und postmigrantischer Verortung“ gewachsen. Diese erarbeitete Anerkennung ist allerdings nicht der politischen Korrektheit zu verdanken. Die am Gesamtprojekt Teilhabenden scheren sich in ihren Produkten wenig um die Anständigkeit des Kulturbetriebes mit seinen oft abstrusen Floskeln. Sie lassen Berliner Probleme mit ihrem oft fremden Hintergrund, hier v.a. dem türkischen als deutsche und europäische aufscheinen. Hier sprechen keine Migranten oder Postmigranten, sondern Nachbarn, die anders aussehen, anders sprechen, anders fühlen, leider noch immer nicht wie ein Bayer oder Schwabe in Berlin. Zum Glück für alle wird hier Tacheles gesprochen, wie auf dem folgenden Link zur Arbeit der Akademie der Autodidakten hipp hopp zu hören ist:

Ich habe das Ballhaus im Rahmen des oben genannten Festivals besucht. Unter wurde es so eingeführt:

Ein Jahr des Aufbruchs hallt nach: Im arabischen Raum bricht Frühling aus und treibt ungeahnte Blüten, Bewegungen wie “Occupy” fordern soziales Umdenken nicht nur in Griechenland, Spanien und an der Wall Street. Dabei  vibrieren auch die Bühnen in neuem Rhythmus – dies- und jenseits des   Mittelmeers. Das Festival „Voicing Resistance“ präsentiert individuelle künstlerische Stimmen aus Kairo, Marrakesch, Jenin, Ramallah, Beirut, Athen u.a., die in Performances, theatralen “Diaries”, Lesungen, Workshops und Filmen ganz persönlich von Revolutionen, Unterdrückung, Widerstand und Freiheit erzählen.


Auf dem Programm standen u.a. die Performances No time for Art von Laila Soliman (Kairo), Aaléef von Taoufiq Izeddiou (Marrakesch), While Waiting vom Freedom Theatre sowie Silk Thread  (Jenin/Westjordanland) von der Zoukak Theatre Company aus Beirut. Komplettiert wurde das Programm durch sogenannte DIARIES, die in kurzen Momentaufnahmen Einblicke in das Schaffen der teilnehmenden Künstler gaben und anschließend das Publikum per Gespräch zur Teilhabe einluden.


Ich sah ein Diary von und mit Taoufiq Izeddiou. Ein Videoausschnitt des Balletts Aataba (Abgrund) zeigte nur Frauen mit typisch arabisch-afrikanischen Tanzbewegungen ab Bauch abwärts und immer um den Abgrund als Grenzerfahrung sich bewegend. Ein dünnes Seil und von unten grelles Licht waren hinreichend für die Markierung einer Landschaft, die Menschen trennt, schmerzhaft in sie einschneidet wie das Seil in den Mündern der Tänzerinnen.


Weniger überzeugend fand ich die Tanzeinlage des Meisters selbst, der damit einen Text illustrierte, der das Durcheinander des arabischen Frühlings zur Sprache und zum gestischen Ausdruck bringen wollte. Immerhin endete das am Ende mit der Wortschöpfung einer „Revillusion“ für den Frühling, der zu einem anhaltenden Herbst mutiert zu sein scheint. Da aber im Herbst auch die Früchte reifen, bleibt die Hoffnung, dass alle doch noch der Lust des Meisters folgen und sich dem Tanz ergeben, wo „alle Wege überall hin und nirgendwo führen“.


Dem Diary folgte ein dokumentarischer Film von Gabriella Bier mit dem Titel Love During Wartime. Hier werden wir Zuschauer in ein Drama mit vorläufig gutem Ausgang hinein gezogen. Eine junge israelische Tänzerin und ein junger palästinensischer Künstler lernen sich kennen, verlieben sich und heiraten. Doch sie können nicht in der Heimat zusammen leben, nicht in Israel, wo das Gesetz des Staates es nicht erlaubt, nicht in Palästina, wo die Gesellschaft die Mesallianz ächtet. Die Israeli hofft auf ein glückliches Ende in Berlin, aber vergebens. Die deutsch-jüdische Mutter wird als Deutsche nicht anerkannt, so auch nicht Jasmin, die folgerichtig keinen Daueraufenthalt für sich und Osama erwirken kann. Beider Liebe droht an den nach wie vor existierenden Mauern zu zerbrechen. Die von Gabrielle Bier eingefangenen Bilder stellen das sehr eindrücklich und bedrohlich dar. Sie künden von der Stärke der Individuen, die diese Mauern durchbrechen können. Klar wird aber auch, dass aus Liebe nur Risse in den Betonbausteinen entstehen können. Der Abriss aller Mauern braucht das Aufbegehren von Gesellschaft. Von vielen, möglichst von Mehrheiten. Das war die Erfahrung im Osten Deutschlands und Europas, das wird die Erfahrung im Nahen Osten werden und anderswo, z.B. in Korea.


Das Berliner Publikum, mehrheitlich mit post/migrantischem Hintergrund, hat den Film und seine Macher persönlich sehr warmherzig und mit ungeteilter Sympathie aufgenommen. Die vielen Lacher gegen die deutschen Ämter, die Ausländerbehörde, die Visaerteilung etc. ließen deutlich erkennen, dass es noch Mauern unterschiedlicher Gewaltausprägung gibt: kulturelle, soziale, religiöse und natürlich ökonomisch-politische. Die allerdings werden nicht so einfach durch starke Liebesbeziehungen  einzureißen sein, sie rufen nach einem Umgang miteinander, der die Menschen frei sein lässt von willkürlicher Ausgrenzung, von Ausschluss wegen ethnischer Zugehörigkeiten und nicht selten wegen – oft freiwilliger – Ghettoisierung. Und so ist das Schicksal aus der Ferne ganz nahe an uns in Berlin gerückt. Dank eines Theaters, das noch mehr sagen will als bloße, narzisstische Selbstbespiegelung.

Heinz Hohenwald, Berlin

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